Grandes Guitarristas

La Hora Funkfarrona:

2012-02-07T01:59:00.005+01:00

Hoy empezamos nuevo mes, con su correspondiente nueva entrada y como suele ser costumbre en este blog dedicado eminentemente a las guitarras, de vez en cuando nos gusta hablar de los compañeros y amigos de la RUAH... Y hoy es uno de esos días, porque tenemos el honor de presentar y mostrar uno de los programas hermanos de la parrilla RUAH que más nos gusta sin lugar a dudas: 'LA HORA FUNKFARRONA', radioshow dirigido con el saber estar, el desparpajo, la labia, la categoría y el flow (y paro porque podría seguir diciendo cosas) del Master Funkfarrón.

Ya sabes, si lo tuyo es la Música Negra en su más amplio sentido (Funk, Soul, Rythm and Blues, Disco, Acid Jazz...) ¡este es tu programa!.
No lo dudes, todos los lunes de 4 a 5 de la tarde en la 107.4 de tu FM (si vives en el campus univeristario) y cómo no, también a través de internet en www.ruah.es/online.

¡Yo no me lo perdería!

Hopf/Eastwood Saturn 63:

2012-01-07T04:42:00.003+01:00

Este año 2012 teníamos que inaugurarlo a lo grande: ¡¡¡con una maravillosa guitarra!!! (como no podía ser de otra forma en este blog), así que no se me ha ocurrido mejor forma que volver al lío con una entrada especial dedicada a una guitarra que nos sorprendió hace aproximadamente un mes al verla y escucharla en directo gracias a Raquel de Ameba y a nuestros hermanos de Los Sultanes del Swing... Nos estamos refiriendo a la Hopf/Eastwood Saturn 63.

Todo se remonta a la década de los 60, cuando en un primer momento la marca fabricante alemana Hopf decidió caracterizarse por sus atractivas y originales líneas. Varios de sus modelos como la brillante Explorer Standard (de la que hablaremos en otro momento porque tiene lo suyo también) han llamado la atención de muchos coleccionistas de guitarras vintage y fuera de lo común. Por lo tanto, con esto quiero decir que no son artículos de lo más accesibles y que no se ven con asiduidad sobre los escenarios pero como nosotros sí tuvimos esa suerte, por eso estamos hoy aquí.

De todas las guitarras realizadas (más bien vendidas) por Hopf, la más exitosa fue el modelo llamado Saturn 63, cuya clave del triunfo se encuentra en la calidad de su apartado estético:
De su aspecto exterior en conjunto destaca por encima de todo sus líneas asimétricas que tanto nos gustan por aquí (recuerden que mi favorita es la Gibson Firebird) que presenta una silueta que recuerda un poquejo a las de la Fender Jaguar.

En el resto del cuerpo destaca la presencia de un reborde metálico que sirve en apariencia para unir las distintas partes del cuerpo y proteger sus cantos, lo que además le confiere a la guitarra un aspecto robusto, elegante y distinguido. Los acabados de los controles, palanca de vibrato, pastillas, puentes y demás también son metálicos y su brillantez resalta mucho más cuando la guitarra está pintada como se dice en inglés en sunburst oscuro, que es como a mi parecer queda de auténtico lujo la Saturn 63.
Otro detalle a tener en cuenta es la contraposición de materiales más o menos naturales y de enjundia (como el arce del cuerpo y el metal de los acabados) con la lámina de plástico que lleva impresa el peculiar logotipo de Hopf y que conforma el golpeador. Es esa mezcla de formas y materiales viejas y nuevas lo que hace a esta guitarra tan interesante…

En cuanto a las prestaciones técnicas poco más puedo añadir salvo que suena de maravilla y que es muy versátil. Reconozco que la palabra versátil aparece aquí en bastantes ocasiones para referirme a que una guitarra funciona perfectamente a la hora de tocar distintos estilos, pero en este momento lo digo con todas las de la ley, ya que la Saturn 63 rinde al ciento por ciento tanto para ser tocada en modo eléctrico como desenchufada, ya que al ser semihueca ofrece un sonido acústico realmente bueno. Y si no me creéis aquí va una prueba:

Al parecer, más recientemente, las peticiones de este tipo de guitarras tan llamativas y pintonas ha hecho que la empresa americana Eastwood tomara los derechos de los alemanes y reiniciara la fabricación en serie de la Saturn 63. Salvo la pérdida en el golpeador del simpático logo de Hopf y en el clavijero de Saturn 63, el resto de los elementos (materiales, sonido…) es muy similar al del original Hopf, aunque según los vendedores de Eastwood todo está potenciado tecnológicamente hablando. Es lo que tienen los avances…

Nosotros, como ya hemos ensalzado a esta guitarrita, nos vamos a despedir ya con un par de vídeos en el que dos señores tocan una Saturn 63 en acústico y en eléctrico, para que veáis que es cosa fina:

¡Sean buenos!

Horrrrible IV:

2011-12-06T13:55:00.004+01:00

Demasiado tiene Egipto con sus pirámides y sus movidas como para encima hacer guitarras feas... ¿No creen?

Yankees tenían que ser.

¡¡¡¿¿¿Quién tiene el Poder???!!! ¡¡¡¿¿¿Quién???!!!

Esta guitarra debe sonar "de muerte"...

(Si, es muy malo el juego de palabras, pero en todos los 'Especiales Horrrribles' meto uno, casi como una tradición ya).

El perfecto ejemplo de cómo cargarse un modelo tipo Gibson SG y encima estar orgulloso y hacerle fotos.

Jeff Beck:

2011-11-18T01:39:00.003+01:00

¡Hey! Hoy el protagonista de Grandes Guitarristas es ni más ni menos que Jeff Beck: el gran tapado de la llamada triada clásica de dioses de la guitarra rock tan conocida por todos: Hendrix, Clapton y Page.

La guitarra de Jeff Beck está sin lugar a dudas al mismo nivel de calidad que las de éstos que hemos mencionado, nada más hay que ver su currículo: miembro de los míticos Yardbirds y líder de The Jeff Beck Band (que incluía a tipos como Ron Wood, Rod Stewart o Nicky Hopkins como fieles escuderos), pero algo falló para que el Olimpo oficial se le resistiera… y eso que falló fue que Jeff Beck daba más importancia a su instinto musical, a sus gustos personales y no se dejó guiar por los convencionalismos de la industria musical. Así, a parte de practicar poderoso Blues-Rock a lo Cream o Led Zeppelin, Beck se sintió también vinculado por otras corrientes y estilos que por aquél entonces le llamaban poderosamente la atención como el Jazz-Rock, aunque no generaran la misma atención del público... y el mismo dinero.

Lo que vamos a escuchar ahora es el Bolero de Beck, una breve instrumental publicada en el 68 para la presentación de su primer disco del mismo año: ‘Truth’. “Beck´s Bolero” es un tema cuya estructura está basada en el conocido Bolero de Ravel, con una novedosa orientación hacia el Heavy Metal en la segunda parte y donde colaboraron amigos de Beck como Jimi Page a las segundas guitarras y Keith Moon a la batería, gruñendo y gritando (como solía ser habitual en este genio del ritmo):

Este tema que hemos puesto nos muestra otra de las características del arte de Jeff Beck: su capacidad inagotable para experimentar e innovar con la guitarra. Una posición de riesgo que no todos los héroes o estrellas de la guitarra se han atrevido a tomar...

Este dominio de la guitarra también le sirvió a Beck para abordar clásicos del Blues y darles la vuelta, como vamos a escuchar en la canción con la que nos despedimos por hoy, un original compuesto por Willie Dixon para Howlin Wolf titulado “Ain´t Superstitious”:

Un blog de rutas, viajes y experiencias...

2011-10-21T10:37:00.002+02:00

Viajes largos, cortos, reales, imaginarios, dulces, amargos, claros, oscuros. Viajes por aquí y por allá. Si sigues este blog iremos… Donde me dejes llevarte.

¡Totalmente recomendado!

Danelectro Longhorn:

2011-10-05T04:15:00.005+02:00

Poquito a poco vamos iniciando la dinámica post-vacacional. Cuesta un rato ponerse a escribir, pero como es sobre un tema que nos gusta (el mundo de la guitarra) pues se hace más llevadero. Sobre todo si tenemos en cuenta que el objeto de análisis que aquí vamos a hacer hoy es una de las guitarras más extrañas pero a la vez que más me atrae por lo valiente de su propuesta visual...
Estamos hablando de la Danelectro Longhorn Baritone:

Sobre el fabricante americano Danelectro no voy a decir mucho porque ya apareció bien tratado en su momento y no es plan de repetir cosas una y otra vez y aburrir a la gente.

Pues bien, antes de todo deberíamos señalar que lo primero que llama la atención de esta guitarra es evidentemente su peculiar diseño, destacando sobremanera esas prolongadísimas curvas que hicieron que el modelo recibiera el nombre de "Longhorn" , es decir, de Cuernos Largos (un tipo de ganado vacuno que se denomina Texas Longhorn y se caracteriza por poseer una gigantesca cornamenta).
La gama cromática, como viene siendo habitual en la compañía Danelectro, es bastante amplia (a mi en concreto me gusta en dorado) y con unos acabados que van desde el color liso hasta el degradado o “burst”.
El diseño del clavijero y del resto del cuerpo de la guitarra es simétrico, bastante minimalista, sencillo y accesible, hecho que facilita bastante la vida a los zurdos que estén interesados en hacerse con una de estas joyitas.
El golpeador suele estar realizado en un material plástico trasparente (metacrilato o algo así) y el resto de elementos sigue la sencillez propia de la guitarra.
En cuanto a los materiales con los que se fabrican, los de casi siempre: laminado semihueco para el cuerpo, diapasón de palo de rosa y mástil de arce. Los tornillos y demás cachivachería o electrónica en aluminio. No es un apartado en el que destaque pero es muy funcional.

Pese a esta apariencia un tanto anómala o aparatosa, a la hora de probarla líneas, curvas y tamaños de este diseño no entorpece en nada el uso y el toque de esta guitarra. Un punto a favor.

La primera tirada de este tipo de Longhorn tuvo lugar entre 1956-58 e inicialmente, todo iba encaminado para que este modelo arraigase y se consolidase dentro del mundo de la guitarra eléctrica, pero contra todo pronóstico donde cuajó en realidad fue para cumplir la función de bajo eléctrico, que es donde más comunmente (si se puede decir esta palabra para referirse a la Longhorn) se la ha podido contemplar.
Así y con todo, con el paso del tiempo y la irrupción de otras guitarras más asequibles y menos "arcaicas", la Longhorn dejó de fabricarse hasta que muy recientemente, en 2006, se volvió reanudar la fabricación en serie este modelo debido, afortunadamente para nuestros sentidos, al auge de todo lo que tiene que ver con lo retro.

¿Y de sonido qué tal va? Ahí tenemos un par de ejemplos:

Los 100 de Grandes Guitarristas:

2011-08-07T12:21:00.008+02:00

Hace ya muchísimos programas (concretamente en el especial que hicimos sobre ACDC) nos envalentonamos los chicos de los Sultanes diciendo que íbamos a hacer cada uno una lista de sus cien guitarristas más importantes (no necesariamente favoritos) como contraposición a la polémica de la revista Rolling Stone. Bien, pues por mi parte está todo cumplido...
Como es normal, a muchos de los que echen un vistazo les sobrará algún nombre y faltará otro. También es posible que haya momentos en los que se me pirara la cabeza, pero es que la he hecho yo solito y es personal.
Para que quede constancia, la he realizado atendiendo tres criterios:

1: El gusto personal y el conocimiento que tengo de estos guitarristas.
2: La capacidad técnica, expresiva,... del guitarrista en cuestión.
3: Su importancia o impacto para el resto de la Historia Musical.

En algunos explico brevemente la razón de su puesto... Ahí van:

1 Jimi Hendrix,
2 Eric Clapton,
3 Jimmy Page. Gusten o no, estos 3 últimos están considerados el trío clásico de la guitarra Rock.

4 Albert King, mi guitarrista favorito de todos los tiempos.
5 Chuck Berry, Él es el Rock´n´Roll.
6 BB king.
7 Albert Collins.
8 Scotty Moore.
9 Robert Johnson, un guitarrista de Blues Tradicional que fue básico para el Rock.
10 Les Paul, inventor de la Gibson Les Paul.
11 Lightnin´ Hopkins.
12 John Lee Hooker.
13 Muddy Waters.
14 Freddie King.
15 Bo Didley, Sin los guitarristas del puesto 4º al 15º creo que no hubieran tenido lugar los 3 primeros.

16 Ritchie Blackmore. Es Ritchie. No tengo más que añadir.
17 Tony Iommi, es Tony. Lo mismo que antes. Estos dos últimos son los papis del sonido duro.

18 Rory Gallagher, ¿qué decir de él?
19 Jerry García, único.
20 Jorma Kaukonen, el sonido ácido y psicodélico es él.
21 Jeff Beck, en mi opinión podía estar perfectamente en la tripleta del principio sin ningún problema, pero decidió ir por otros caminos. Me sorprendió su versatilidad y originalidad.
22 Alvin Lee, rápido como nadie.
23 Steve Howe, un mago.
24 Dave Davies, por su canción "You Really Got Me", que inventó el Hard Rock en el 64.
25 Johnny Winter, una guitarra con sentimiento.
26 John Mclaughlin, Otro de mis favoritos.
27 Peter Green, alguno dicen que en su momento daba mil vueltas a Clapton. Lo que he escuchado de él me ha dejado fascinado. Básico del Blues-Rock.
28 SRV, otro que tal baila.
29 Neil Young.
30 Duanne Allman.
31 Dickey Betts Estos dos últimos no los concibo el uno sin el otro.
32 Santana. Cuando su sonido era fresco.
33 Alan Wilson. Una personalidad y un sonido únicos.
34 Eduardo Bort. Un grande grande grandísimo, y de aquí.
35 Sabicas, pionero y predicador de la guitarra española en todo el mundo. El flamenco también tiene su sitio.
36 Roger Mcguinn, maestro de la Rickembacker de 12 cuerdas.

37 Django Reinhardt, zurdo mágico.
38 Charlie Christian.
39 Wes Montgomery, los tres guitarristas Jazz.

40 Paco de Lucía.
41 Robert Fripp. Una cabeza que va más allá de la guitarra.
42 Eric Bell, porque Thin Lizzy se lo merece todo y más.
43 Gary Moore.
44 Leigh Stephens, bruto como él solo. Escuchad algo del grupo Blue Cheers.
45 Stephen Stills.
46 John Fogerty.
47 Robbie Robertson.
48 Keith Richards.

49 Pete Townshend. Su nota como guitarra es buena, pero baja algunos puestos ya que su talento como compositor y creador se antepone…
50 Frank Zappa, algo parecido a lo de Pete.

51 David Gilmour.
52 Steve Crooper.
53 Dick Dale, el papi de la guitarra Surf.
54 Michael Schenker.
55 Rosendo, Aunque parezca mentira o mucha gente no se acuerde, cuando le daba en serio a la guitarra en Leño, era realmente impresionante.
56 Robin Trower.

57 Fred Sonic Smith.
58 Wayne Kramer.
59 Ron Asheton.
60 James Williamson. Estos 4 últimos como el antecedente del Punk.

61 John Petrucci, técnica, pero no solo eso.
62 Angus Young.
63 Mick Box.
64 Dick Wagner.
65 Steven Hunter.

66 Antonio Pérez.
67 Ell Manglis.
68 Pepe Roca. Estos tres van de la mano como miembros guitarristas de Triana, banda de mi niñez.

69 Clem Clempson.
70 Mike Bloomfield.
71 Scott Gorham.
72 Brian Robertson.
73 Tom Morello.
74 Steve Morse.
75 Prince, porque cuando coge la guitarra es puro fuego.
76 Mick Ronson,
77 Danny Kortchmar
78 Jim McCarty.
79 Robbie Krieger.
80 Paul Kossoff.
81 Leslie West.
82 Ted Nugent tuvo su buena época de chaval.

83 Dave Mustaine.
84 Marty Friedman.
85 Dimebag Darrell, el momento contundente del día.

86 Eddie Hazel, Por la canción “Maggot Brain” merece estar aquí.
87 Vic Vergeat, un descubrimiento el suizo este.
88 Ronnie Montrose.
89 Mike Oldfield.
90 Buddy Guy,
91 Nick Drake, uno de los pocos guitarristas acústicos de la lista.
92 Frank Marino.
93 Marc Ford,
94 Roy Buchanan
95 Jerry Miller.
96 James Burton,
97 Richard Thompson.
98 Tony Bourge.
99 Tom Verlaine.
100 Randy Rhoads, le escuché recientemente y me sorprendió.

Horrrrible III:

2011-07-11T19:31:00.003+02:00

Empiezan los calores, las faltas de ideas, las ganas de no hacer nada... Y esto es lo que hay:

La Batcueva, el Batcoche, el Batboomerang, la Batidora... ¡¡¡Si es que sabía que el Hombre-Murciélago también le daba a la Batguitarra!!!

Aunando la belleza del diseño de una Flying V con la del arte Rococó. Esto es mestizaje cultural y no los cuentos chinos de Manu Chao.

Dime qué guitarra tienes y te diré quién eres...

¿Pero se puede ser más Glam? La respuesta evidentemente es: No.

Si es que no puede ser...

Viñeta sobre el tema más candente entre los amantes de la música:

2011-07-04T13:49:00.005+02:00

Curso de Formación Radiofónica:

2011-06-28T22:16:00.002+02:00

Si te gusta la radio y quieres dar el paso que va de estar oyéndola a estar dentro de ella... ¡Ya sabes!

Eduardo Bort:

2011-06-03T01:14:00.007+02:00

Muy buenas a todos, hoy tenemos el placer de presentar a uno de los guitarristas y compositores más brillantes y a la vez ocultos de nuestro país. Estamos hablando del valenciano Eduardo Bort.

Es Eduardo un verdadero maestro de la música, un ser dotado de un gran talento en cuanto a las tareas de producción (hay que decir que en sus años mozos se recorrió y trabajó en los mejores estudios de Europa) y también en cuanto a la interpretación, pues está tocado con la varita mágica de la interpretación y es un genio de las guitarras.

Con su primer álbum de 1975, el valenciano Eduardo Bort dejó para la posteridad una obra de artesanía musical, un auténtico compendio de los sonidos setenteros que incluía pasajes Folk acústicos, Psicodelia ya tardía y madurada, Hard-Rock... Un álbum hará las delicias de los amantes de las guitarras eléctricas y del Progresivo con toda la parafernalia de mellotrones, minimoogs, pianos, órganos y teclados de todo tipo ¡como debe ser!

Como hemos dicho, este álbum se grabó en el año 75, con lo que ya es meritorio el grabar una obra de esta talla en esos tiempos que corrían. Además, este trabajo es considerado por muchos (con gran acierto creo) como una de las culminaciones del Rock-Progresivo de España. Una afirmación u opinión realmente importante si tenemos en cuenta que estamos hablando de un territorio musical por el que se movían grupos encuadrados dentro del llamado Rock Andaluz como Triana, Alameda, Storm y otros como Los Módulos en Madrid o Máquina! en Cataluña. Es decir, no estamos hablando de tonterías...

Entre los cortes a destacar de este vinilo podríamos citar "Thoughts - pensamientos primera y segunda parte", "Walking On The Grass", o con lo que cerramos el Grandes Guitarristas de hoy: la soberbia "Pictures Of Sadness", canción poseedora de uno de los riffs de guitarra más guapos que he escuchado nunca, evocadores de reminiscencias medievales y románticas...

Recuerden: Eduardo Bort - "Pictures Of Sadness" :

Moongardening Inc. en la RUAH:

2011-05-20T23:13:00.004+02:00

Los chicos de Moongardening Inc. serán las figuras centrales del programa que nuestros hermanos de Los Sultanes del Swing tienen preparado para el martes 24 a las 21:ooh.

Sarah, Nano, Fer, Rodrigo y el Mítico Pablo Oliva vendrán al estudio para contarnos sus ideas, hablarnos de su último disco "A Sky Full Of Killer Whales" y mostrarnos esa música que llevan dentro.

Hasta ahora sabían el cuándo y el dónde, pero ahí va el cómo:
A través de la radio convencional en la 107.4 de tu FM
o mediante Internet en www.ruah.es

Más información en Facebook, www.myspace.com/moongardeninginc y http://www.moongardeninginc.bandcamp.com/

¡Pon un sultán en tu vida!

¡Hay un nuevo blog en la ciudad!

2011-05-04T14:01:00.003+02:00

¿Canciones o lecciones?

¡Todos los días de todas las semanas de todos los meses de todos los años una entrada distinta con canciones, letras y sus enseñanzas!

Ahora sólo les queda ir aquí:
http://smilesofmusic.blogspot.com

Horrrrible II:

2011-05-02T21:23:00.006+02:00

Volvemos a la carga con una segunda dosis de "feísmo guitarrístico".
Espero que las imagenes que a continuación vamos a poner no os hagan salir huyendo despavoridos y renegéis de los Grandes Guitarristas:)

Al señor de arriba se le ve contento, ¿así que nosotros quiénes somos para decir que el instrumento que luce es toda una aberración?

¡Campeón, si lo tocas todo te doy un premio!

La mezcla ideal para los amantes de las guitarras y a la vez "freaks" de Star Wars.

Parece increíble, pero esta guitarra consigue que mi aversión al ajedrez y a todos los juegos de mesa en general -únicamente se salva el Tragabolas ese de los hipopítamos y el Operación- haya disminuído un tanto por ciento bastante considerable...

Esta foto me la pasó un amigo a sabiendas de la existencia de este espacio del horror. Y la verdad, es que para grupos de Blues-Rock "megayankees" no está nada mal.

John Fogerty, sus camisas de leñador y sus guitarrazos:

2011-04-01T09:13:00.006+02:00

¡¡¡Muy buenas a todos!!! Creo que si menciono el título de canciones tan enormes como “Suzy Q”, “Fortunate Son”, “Bad Moon Risin´”, “Down On The Corner” o tantas y tantas otras, se os vendrá a la cabeza el nombre de una banda mítica: Creedence Clearwater Revival ¿Verdad?

Bien, me alegro, ¡¡¡porque el protagonista de hoy es su líder, compositor, cantante y guitarrista John Fogerty!!!

Junto a la Creedence formó parte de una de las bandas de Rock más carismáticas y personales de Estados Unidos, prácticamente inimitable, pues la poderosa voz de John era difícil de encontrar en otras bandas o cantantes: esa voz tan áspera, correosa e inagotable fue fruto de anos y anos de ensayos, de entrenamiento, trabajándose los escenarios y micrófonos de todo el estado de California durante su juventud y formación como artista.

Pero esta voz no estaba sola. Junto a ella estaban su hermano Tom Fogerty a la guitarra rítmica, Stu Cook al bajo y Doug Clifford a la batería. Este cuarteto se convirtió en una de las agrupaciones más sólidas y perfectas del Rock and Roll americano, desde su formación ya como Creedence Clearwater Revival en 1967 y hasta su disolución en el 72.

El muro sonoro que sería característico de la Creedence no hubiera sido posible sin la presencia de una guitarra eléctrica, y la Les Paul de John Fogerty -lacerante e implacable como pocas- estaba plenamente capacitada para acometer esa tarea, como bien se demuestra en la versión que John y companía realizaron para su segundo disco del 69 titulado “Bayou Country”, del clásico de Little Richards “Good Golly Miss Molly”:

Tras la ruptura de la Creedence, cada miembro se dedicó a sus tareas en solitario, y John no iba a ser distinto, así que inició una carrera en la que incidió un poco más en las raíces Country de Estados Unidos -aunque nunca abandonaría la dureza del Rock-, con álbumes como “The Blue Ridge Rangers” del 73 o como este otro: “Revival”, publicado en el 2007 y que incluye este puñetazo de urgente Rock and Roll en todo el rostro titulado “I Can´t Take It No More”, con el que nos despedimos.

¡¡¡Hasta la próxima!!!

Cualkier Día:

2011-03-05T17:11:00.002+01:00

¿Que os gustan los programas de actualidad, la variedad y la risa?
¡¡¡Pues Cualkier Día es la ocpión perfecta!!!

Danelectro:

2011-03-01T15:38:00.009+01:00

Este mes vamos a hablar de una de las marcas más características y especiales en cuanto al apartado estético que existen en esto del mundo de las guitarras...
Nos estamos refiriendo claro está a ¡¡¡Danelectro!!!

Orígenes:
Danelectro, al igual que ocurrió con otras muchas marcas de guitarras, dio sus primeros pasos basicamente como una empresa fabricante de accesorios musicales -pedales, amplificadores,...-. Fundada por Nathan Daniel en 1947 en Neva Jersey, en un principio producían y trabajaban como subsidiaria para otras empresas más grandes como por ejemplo Silvertone. Pero esta situación cambió en 1954 cuando Danelectro comenzó con la producción de guitarras eléctricas ya de forma independiente y autónoma.
Para ello debían tener unas señas de identidad propias y así fue: una de los ideas más innovadores y comerciales de Danelectro fue el conocido "amp in case". Es decir, el hecho de que los modelos más populares incluyeran un estuche rígido que tenía un amplificador dentro. Esta inteligente solución eliminaba el engorro de tener que depender siempre de un amplificador, de llevar y cargar trastos encima y además facilitaba el empezar a tocar de inmediato en cualquier sitio.
Ni qué decir que el avispado de Nathan Daniel hizo que los primeros modelos se vendieran en los grandes almacenes y centros comerciales que ahora estaban en auge y que tuvieran un precio bastante más asequible comparado con el de otras guitarras más reconocidas.

Características técnicas y de sonido:
No tengo ni puñetera idea, así que para contar chorradas lo mejor será que ponga un vídeo de cómo suena una de estas señoritas:

Estética:
Si algo llama la atención de estas guitarras es precisamente lo innovador de sus diseños. En todas ellas predomina lo geométrico -que no lo tosco u ortopédico-, con líneas muy avanzadas o rupturistas con respecto a los modelos más conservadores y tradicionales que presentaban los modelos más conocidos de otras grandes marcas. Además, a todo esto hay que añadir la disponibilidad de una gama de colores muy amplia que antes no existía -a no ser que se pintara la guitarra uno mismo-.
Como ejemplos sirvan estas fotos:

Este es un ejemplo de las Danelectro que se fabricaban para la empresa Silvertone en el año 1959. Su nombre era Silvertone U2.

La Danelectro 59DC. De esta me llama la atención ese biselado o corte de 90º tan peculiar...

Las curvas y líneas de esta guitarra parecen de otro mundo, son muy estrafalarias con ese golpeador triangular, pero a la vez me gustan bastante.
Prueba de sonido:

Otro modelo que es un pasote es el Danelectro Longhorn, pero de ese haré un especial a parte porque es mi favorito de este fabricante.
Espero que os hayan gustado o por lo menos llamado la atención alguna de estas monadas:)

¡Nos vemos hasta el mes que viene!

Nick Drake y la Suavidad Acústica:

2011-02-08T20:33:00.001+01:00

¡Hey a todos! Aquí estamos de nuevo. Sí, reconozco que nuestro ritmo de aparición es más lento que el caballo del malo ¡Pero qué se le va a hacer! Imagínense que esto es como una publicación o catálogo mensual.

Hoy tenemos con nosotros a un artista que últimamente me ha atrapado y del que nunca imaginé que fuera a aparecer en nuestro microespacio...

Estamos hablando de Nick Drake: cantautor inglés de efímera existencia que en el período comprendido entre 1969 y 1972 publicó únicamente tres álbumes de estudio, que son básicos para todo aquél que esté interesado o que busque una música plena de lirismo críptico y de esencias british a lo William Blake. Música de una intensidad serena, marcada por una profunda y melancólica personalidad que fue llevada hasta las últimas consecuencias -como fue el caso de su último disco: "Pink Moon"-.

Según se cuenta, para Nick Drake sus dos trabajos previos -titulados "Five Leaves Left" y Bryter Layter"- pecaban de sobreproducción en cuanto a los arreglos de viento y cuerda. Ante esta situación, Nick decidió imponer en adelante su visión y su idea musical, más limpia y pura. Para ello inició una nueva sesión de grabaciones con la presencia únicamente de una guitarra acústica y un piano. Ya finalizadas, llevó las grabaciones a Island -su compañía discográfica- donde tras escuchar el material recibido creyeron que en realidad se trataba de una maqueta debido a su aplastante sencillez... Pero no, eso era su tercer álbum, "Pink Moon": piano, guitarra acústica y voz desnuda.

Como partícipe del círculo de Folk-Rock británico -junto a gente como Fairport Convention o la Incredible String Band- Nick destacaba por su habilidad a la hora de hacer vivir las letras y las palabras. Por contra, en el apartado instrumental su personal guitarra no de las más virtuosas o enrevesadas, pero sí que se puede decir que es una de las más llamativas y particulares. Y eso, en estos días en el que lo homogéneo y lo estándar nos está comiendo, ya me parece meritorio...

Esa es la razón por la que se encuantra aquí.

De la última gran obra de este desaparecido genio vamos a escuchar una escueta y ensoñadora instrumental acústica titulada "Horn":

Lo que acabamos de escuchar es en mi opinión y con toda seguridad, aunque parezca formalmente lo contrario, en su esencia una de las reacciones más fieras y a la vez cálidas, recogidas o minimalistas que un artista se haya atrevido a realizar contra los dictados del ya por entonces abigarrado, retorcido, perverso y cegado mundo de la industria musical.

Nos despedimos por hoy con una de las mejores muestras de lo que fue su segundo trabajo de 1970 "Bryter Layter", en la que la guitarra de Nick Drake estaba pulsante, latente... aunque en un segundo plano, un tanto ahogada por los arreglos -excelentes, eso sí- de cuerda y saxofón ingeniados por Robert Kirby.

Os dejamos con "At The Chime Of A City Clock":

Iberiké:

2011-02-02T16:49:00.004+01:00

Unos cuantos años después este blog, creado por unos cuantos amigos, parece que vuelve a las andadas. Tras acabar la carrera de Historia y empezar a afrontar nuevos caminos, aquí tendremos nuevamente un espacio común en el que contar nuestras inquietudes, curiosidades y pensamientos sobre lo que nos rodea en este mundo (sociedad, política, cine, arte...) y alguna que otra anécdota vivida durante la carrera seguro que caerá.

Todo eso y mucho más en Iberiké.

¡¡¡Horrrrible!!!

2011-01-02T21:16:00.007+01:00

Año nuevo, sección nueva.
Aunque esta temporada ya no emitimos en la RUAH, seguimos dándole al tema en su versión blog, colgando podcast de programas antiguos y reforzando y ampliando la idea original de Grandes Guitarristas con distintos bloques. Así, junto a las Biografías de nuestros artistas favoritos, Guitarras a Tutiplén -fotografías y monográficos sobre una marca o tipo de guitarra en concreto- y Guitarras Raras -pues eso mismo-, ahora contamos con ¡¡¡Horrrrible!!! que es un espacio en el que mostraremos las imágenes de las guitarras modificadas más horrendas que os podáis imaginar aderezadas con unos cuantos comentarios que se me vengan a la cabeza.

Emmmmmpecemos:

Lo único que sentí cuando vi esta foto por primera vez fue un escalofrío que me recorrió toda la espina dorsal, porque díganme... ¿Da miedo o no da miedo?

Esta es que es "ideal de la muerte" para el Rock Gótico.*

Fijo que es de un punkarra de esos californianos engominados que parece tonto cuando canta...

Es cierto que muchos virtuosos del Rock cuando pillan una guitarra parece que se están tocando, pero esto ya me parece exagerado...

La famosa "escopetarra". Cuando vi por la tele hace ya unos años la historia de este tipo de proyectos que intentaban con buen ánimo trocar armas en instrumentos de música, creí que el mundo iba a cambiar. No lo ví como algo de chiste...

__________________

*Sí, reconozco que el juego de palabras o lo que quiera que haya hecho no es la cumbre del humor, ¿pero qué quieren que haga si es el primer espacio que hacemos?

Tracklist y una foto del maestro:

2010-12-01T16:48:00.008+01:00

El concierto fue el verano pasado y por unos y otros motivos -olvidadizo que es uno, problemas con la tarjeta de memoria,...- no puse en su día algunas cosas de aquél espectáculo.

Ahora que he revisado las imágenes la verdad es que las fotos que da mi móvil dan penilla. Se que un móvil es para hablar, de hecho es básicamente para lo que lo utilizo, pero es que cuando hay acontecimientos rápidos como en este caso fue ir a ver a Johnny Winter pues nunca me da tiempo de pedirle a algún familiar una cámara de fotos. Y luego pasa lo que pasa, que me salen masas amorfas de píxels por todos lados.
Como quien no llora no mama, espero que este año los Reyes Magos se porten y traigan una cámara de fotos decente, y ya si se ponen también el Tragabolas ese de los hipopótamos, que siempre quise jugar con él cuando era niño y no pudo ser nunca...

Ahí va el tracklist que el técnico de sonido nos cedió y la única foto que tras retocarla, oscurecerla y hacer mil movidas, no acaba dañando la vista de forma irreversible:

Como todo esto me sabe a poco y este es un Blog de guitarras, de música, pues vamos allá con un temazo de este tipo. ¡¡¡A vuestra salud!!!

Robert Johnson:

2010-11-06T13:06:00.004+01:00

¡Muy buenas a todos! El microespacio de hoy está dedicado a una de las figuras más influyentes en el mundo del Blues: Robert Johnson.

El bluesman Robert Johnson, nacido en 1911 y originario de Misisipi, es una figura clave de este sonido pese a lo corta que fue su vida -no está del todo claro, pero se dice que murió envenenado a manos de un marido celoso cuando sólo contaba con 28 años-, y a su exigua producción -pues apenas llegó a dejar registradas más de 40 canciones, siendo muchas de ellas tomas distintas de un mismo tema.

Un elemento a destacar son sus letras, en las que aparecen tres temáticas constantes y clásicas en el mundo del Blues: lo efímero de la vida y las relaciones humanas, el mundo marginal -pobreza, vagabundeo,...- y los terrores irracionales.

El primer tema que vamos a escuchar es "When You Got A Good Friend":

La vida misma de Robert está rodeada de misterio, de claroscuros... Llegándose a decir que realizó un pacto con el diablo, al que vendió su alma a cambio de tener el don de tocar y cantar el Blues como nadie más en la Tierra... Y esto acabó casi por ser cierto, pues ha terminado siendo conocido como el Rey del Blues del Delta y por ello pasando a la leyenda, a la inmortalidad.

Y siguiendo con esta historia ¿dónde dice la tradición que se deben realizar los pactos con el diablo?
Pues en los cruces de camino... O "Crossroads":

La razón de tratar a Robert Johnson es que pese a lo tradicional de su música y escasa producción, la calidad de la misma y la increíble técnica y forma de tocar de este hombre, se ha convertido en un legado importantísimo para el desarrollo de la música popular del siglo XX en adelante y más concretamente en el Blues y Rock, al convertirse en un referente básico y capital para artistas del tamaño de Eric Clapton, Muddy Waters o Keith Richards y los Rolling Stones.

Os dejamos ya hasta la próxima con un tema muy versionado y que reconoceréis si sois seguidores de los Blues Brothers, "Sweet Home Chicago":

Hohner - Headless Guitar:

2010-10-08T18:32:00.009+02:00

¡Iniciamos el mes de octubre con un especial Guitarras Raras!

Hohner Inc. es una empresa bastante conocida, dedicada sobre todo a la construcción de instrumentos como las armónicas y los acordeones, pero como toda buena empresa del siglo XX y XXI, la diversificación se ha convertido en una obligación y de ahí que empezaran a producir el instrumento por excelencia en este blog: la guitarra eléctrica.

Hohner inició la producción de una guitarra eléctrica en los años 80 con la intención de ampliar su negocio y también para romper con la tradición y los moldes estéticos establecidos en las décadas anteriores…

…Y a fe que lo lograron. Utilizando con licencia los modelos diseñados por el luthier Ned Steinberger y siguiendo su leitmotiv “nosotros no lo hacemos como ellos”, Hohner sacó a las tiendas la llamada headless guitar -es decir, las guitarras sin clavijero y con un cuerpo reducido a la mínima expresión-.

He de decir que es uno de los diseños de guitarra que más me desagradan, es algo parecido a una especie de antidiseño. Cuando observo alguna imagen de una G3T –que así se llama una de las series de guitarras sin clavijero y cuerpo de Hohner- me invade la sensación de un abandono total y una despreocupación por la estética, las líneas, el arte… Aunque es posible que otras personas lo vean totalmente contrario. Lo admiren como el minimalismo llevado a un instrumento musical.

Los bajos eléctricos también tienen su espacio aquí. Es más, la primera vez que Steinberger construyó este instrumento sin clavijero lo hizo pensando en un bajo... Ahí tenemos uno de 5 cuerdas.

Sea como sea, estas formas/no formas han sido utilizadas por otras empresas y constructores musicales para su propio beneficio, como es el caso de las Erlewine Guitars con su serie Lazer -utilizada por el maestro del Blues Johnny Winter- y las llamadas Chapman Stick –que es un instrumento a medio camino entre la guitarra, el bajo y una pala de cricket-.

De cualquier manera, desde Hohner se hace hincapié en otros valores de esta guitarra como por ejemplo lo increíble de su ergonomía y comodidad de utilización –no es aparatosa, no hay molestias, es ligera gracias a la utilización de fibras de carbono…-, así como la versatilidad que ofrece en cuanto a la variedad de estilos musicales con los que se adapta a la perfección.

Ahora sólo queda escuchar esta guitarra en pleno rendimiento:

Dickey Betts:

2010-09-10T10:18:00.003+02:00

Hola a todos, pues el microespacio de hoy va dedicado a Forrest Richard Betts: segundo guitarrista, vocalista y miembro fundador de la Allman Brothers Band, mítico grupo de Rock Sureño que se caracterizaba por destacar sobre los demás en cuanto al gran nivel de todos sus miembros, por la calidad de sus composiciones, las inventivas recreaciones de clásicos del Blues y sobre todo por sus legendarios directos –lugar en el que desplegaban insuperables y grandiosas improvisaciones-.

Conocido en el mundo de la música por “Dickey” Betts, conformó junto a Duane Allman –genio del que hablaremos en otro microespacio-, uno de los dúos guitarreros más interesantes del Rock, impactando ya desde el primer disco homónimo editado en 1969.

Los hermanos Allman: Duane a la primera guitarra y Gregg a los teclados y voces eran los líderes de la banda, pero Dickey pronto empezaría a destacar en la faceta de la composición ya en el segundo disco Idlewild South, siendo el autor de una pieza instrumental de aire Jazz que se convirtió en una de las más queridas en los conciertos tanto por los seguidores como por el mismo grupo, pues se convertía en el vehículo idóneo para las improvisaciones y la abrumadora libertad creativa de esta gente…
El tema del que estamos hablando es una de mis canciones favoritas de todos los tiempos, “In Memory Of Elizabeth Reed”:

Según se cuenta, el nombre de esta composición está tomado de la inscripción de una lápida que estaba en el cementerio Rose Hill de Georgia, lugar preferido por algunos de los miembros de la banda para componer y buscar la inspiración… Aunque también se dice que iban allí a hacer otras cosas menos musicales ¿Quién sabe?

En el 71 vio la luz uno de los mejores discos en directo de la Historia del Rock, una exitosa actuación de la Allman Brothers Band realizada en el Fillmore East de Nueva York. Un éxito que se vería truncado pues poco tiempo después uno de los pilares clave de la banda, Duane, falleció en un fatal accidente de moto.
Tras este durísimo golpe el grupo regresó al año siguiente con el álbum “Eat A Peach”, dedicado a la memoria de Duane. Con este emotivo trabajo, Dickey Betts ganó más protagonismo y vio aumentar el número de aportaciones propias, entre la que destaca una romántica composición dirigida a la que era por entonces su novia y más tarde esposa, una nativa americana llamada Sandy “Blue Sky”:

Como las cosas pueden ir siempre de mal a peor, la tragedia recayó de nuevo sobre el grupo en el 73 cuando el bajista Berry Oakley falleció también en un accidente de tráfico, muy similar al de Duane, durante las sesiones de grabación de Brothers And Sisters, disco que volvió a dedicarse a un hermano caído y en el que aparecieron otros clásicos de la banda provenientes de la mano de Dickey, como la dulce y bella instrumental dedicada a su hija “Jessica”:

Ron Asheton:

2010-08-25T01:05:00.004+02:00

¡Muy buenas a todos otro mesecito más! Hoy tenemos con nosotros a Ron Asheton. Estruendoso guitarrista que formó parte de los no menos tremendos Stooges, banda de Detroit liderada por el carismático Iggy Pop que se encargó de encabezar y revolucionar el Rock más contundente a finales de los 60.

Como ya vimos hace un tiempo con la pareja guitarrera de los MC5 -Fred "Sonic" Smith y Wayne Kramer-, nuestro Ron Asheton forma parte también del exclusivo grupo de pioneros que sentaron las bases de lo que posteriormente se llamaría Punk: ese movimiento musical y cultural que alcanzaría su momento álgido ya a mediados de los 70.

La guitarra de Ron fue clave en el sonido y vida de los Stooges: soltando a raudales un sonido denso y arrebatador que casaba a la perfección con la actitud y forma de ser e interpretar del por entonces menudo Iggy: básica y salvaje. El resultado de todo esto era simplemente una música ejecutada sin compasión, arrolladora.

Del primer disco que los Stooges publicaron en el 69 con Elektra -una de mis casas discográficas favoritas de aquellos tiempos-, vamos a escuchar una canción que reúne todas las características anteriores y que parece como recién salida de las mismas entrañas. Estamos hablando de "I Wanna Be Your Dog":

Al año siguiente, pese a las escasas ventas y las numerosas críticas negativas, Elektra confió en esta gente y los Stooges lograron llevar a las tiendas un segundo trabajo titulado Fun House, plástico que junto al anterior debut de éstos y con el paso del tiempo, se nos han revelado como dos álbumes imprescindibles en la Historia del Rock...

Y para dejar el especial a Ron Asheton por todo lo alto, nos despedimos hasta la próxima con un caudal de furia y brutalidad inagotable llamado "TV Eye":

Johnny Winter en los madriles:

2010-07-21T16:30:00.011+02:00

Una llamada de un amigo, buena compañía y a Madrid que nos fuimos a ver a uno de los grandes grandísimos de Blues-Rock del bueno.

Nunca había estado en la sala Joy Eslava, pero no me resultó extraña: el ambiente era ideal, el aforo abundante e interesante -padres con sus hijos, pijas, abuelos del Rock, señoras con abanicos...-, gente con ganas de puro espectáculo musical -pues nuestro artista no es que moviera mucho las caderas al estilo Beyoncé, aunque sí que hubo fuegos de artificio en sus guitarras-, y unas ganas enormes de presenciar la música de un mito viviente: Johnny Winter.

Y digo unas ganas enormes porque no todos los días se tiene la posibilidad de disfrutar de un clásico de semejante calibre -nos hemos perdido a tantos y tantos artistas que hay que aprovechar cada oportunidad, no dejar pasar ni una-.

A Winter parece que le gusta este país y tiene unas cuantas fechas en las que podemos escuchar su Blues, donde hace un recorrido a su dilatada carrera. En este verano ha fijado unos cuantos bolos por ciudades como Bilbao, Madrid, Córdoba, Valladolid o Barcelona y ya van siendo unos cuantos años los que se lleva pasando por aquí...
Y que no pare la racha.

Al acabar el concierto nos dirijimos al técnico para pedirle ver el track list. Amablemente nos dejó hacerle la foto, pero sin perder de vista el folio, porque según nos contó ya le habían mangado varias listas de canciones -hay gente rara en todos lados-. La historia es que todavía no puedo poner el listado de canciones aquí porque el móvil lo tengo temporalmente fuera de servicio.
Una pena, pero cuando lo tenga se podrá ver claramente que Johnny no vino a la capital a pasearse de forma autocomplaciente -incluso creía que se iba a marcar alguna acústica de tranqui, pero qué equivocado estaba-, si no a arrollarnos con su visceral forma de tocar, con su demoledor Blues y con los clásicos reinterpretados de su ya vasto repertorio como esos "Mojo Blues", "Good Morning Little Schoolgirl" -una de mis canciones favoritas de siempre desde que la escuché por primera vez con los Dead- o la brutal muestra slide del "Highway 61 Revisited" de Dylan, tema donde la banda brilló especialmente por su solidez, precisión, contundencia y con el que cerraron el concierto de forma magistral y abrupta.
¿Para qué seguir hablando cuando se puede escuchar?:

Vídeo grabado por uno de los asistentes al concierto. En Youtube creo que tiene más y se le puede comentar y agradecer.

Cuando empezó a sonar "The End" de los Doors vimos que ya no habría bises ni nada más. Salimos de allí comentando las mejores jugadas, con la impresión de haber visto algo grande y a la vez con ganas de algo más, de más y más clásicos -podrían haber caído "Be Careful With A Fool", "Mean Town Blues", "Black Cat Bone"...- Supongo que esto suele pasar cuando tienes delante a un tío con tanto fondo, y que a no ser que sea Springsteen, que se tira 3 horazas de concierto, pues como que te sabe a poco, pero muy bueno todo eso sí.

Es cierto que la mayoría de la gente ha destacado sus más que evidentes achaques y problemas físicos, pero si nos ponemos a pensar caemos en la cuenta que Johnny Winter incluso cuando era joven nunca fue precisamente un toro o un roble, que las drogas nunca son buenas y que además son 66 tacos -como nuestros abuelos más o menos, vaya- los que luce su melena. Por lo tanto, que Johnny siga con ganas de subirse al escenario, tocar y darnos a conocer su arte es algo muy de agradecer en estos tiempos.

En fin, que el lunes pasó todo lo dicho sobre Johnny: está hecho polvo, tocó sentado, a duras penas puede andar y ver, salió de la Joy Eslava asistido, literalmente en volandas... Pero mientras tuvo su guitarra y especialmente su Gibson Firebird, fue durante una hora y pico el amo del Blues-Rock, todo un titán.

Paco de Lucía:

2010-07-11T16:25:00.005+02:00

¡Muy buenas a todos! Hacía tiempo que no retomábamos este blog con más Grandes Guitarristas, pero ya llegó el verano, el tiempo de las vacaciones y del descanso... Y aquí estamos de nuevo.

La estrella de hoy es sin lugar a dudas el guitarrista Flamenco -un estilo poco presente en GG, hecho que reconocemos e intentamos arreglar pues reconocemos su valor- más importante, admirado y reconocido del mundo. Vamos a hablar de Paco de Lucía.

Entre los méritos de Paco de Lucía está el popularizar y difundir el Flamenco no sólo dentro, si no fuera de las fronteras de nuestro país. Además, como es evidente cuando se le escucha, es un virtuoso como intérprete, y como compositor está dotado de un personalísimo estilo y de un gran sentido del ritmo.

La figura de este gaditano ha estado vinculada desde sus inicios a la del otro maestro del Flamenco -pero esta vez a la voz-. Nos referimos al enorme cantaor Camarón de la Isla, al que conoció a finales de los 60, surgiendo de este encuentro una de las uniones más importantes y de más repercusión e impacto de la música espanola de todos los tiempos.

Las primeras muestras de grabaciones de Paco de Lucía junto a Camarón están situadas dentro del Flamenco más ortodoxo y tradicional, y precisamente de la etapa inicial de esta pareja vamos a escuchar una canción que apareció en su álbum de debut del 69: "Al Verte Las Flores Lloran":

Otro éxito de Paco fue el traspasar las fronteras del Flamenco más riguroso -siempre con un conocimiento soberbio de lo que se estaba haciendo y con un escrupulosísimo respeto a los orígenes- y abrir sus puertas a otros estilos, ganándose el respeto de artistas provenientes de distintos mundos musicales como el Jazz. Sírvanos de ejemplo los álbumes que Paco grabó junto a los prestigiosos guitarristas de Jazz y Fusión Al Di Meola y John McLaughlin -del que hablaremos un día-.

Todo este bagaje y peso, le ha hecho ser considerado uno de los precursores del mestizaje Flamenco, un mestizaje que tiempo después trabajarían de forma encomiable grupos y artistas como Pata Negra o Kiko Veneno.

Finalizamos el GG de hoy con la pieza más conocida de nuestro protagonista, incluída en su quinto disco en solitario publicado en el 73, Fuente y Caudal. Una gozosa obligación titulada "Entre Dos Aguas":

Epiphone Coronet:

2010-06-15T02:18:00.007+02:00

Historia:
La guitarra de la que vamos a hablar ahora es una de las más simples y bonitas que me he encontrado, sobre todo si es como de las que tenemos imágenes con ese acabado clásico de granates con los golpeadores en blanco...
Estas Epiphone Coronet empezaron a ser fabricadas bajo el amparo de Gibson en torno a 1959, e inicialmente debido a lo barato de su precio, fueron utilizadas como las guitarras eléctricas ideales para aprender y empezar a tocar este instrumento.

Eso es un lujo: bajo precio y toda la calidad de las Gibson. Igual que ahora...

Estética:
Lo que más destaca de estas Epiphone es lo compacto de sus dimensiones -con la consiguiente ligereza y comodidad que ayudaba a los guitarristas novatos-; y como ya hemos dicho, el estilo de sus golpeadores simétricos a modo de alas de mariposa -que eran muy útiles para los guitarristas zurdos- y el brillante color granate sobre maderas de calidad como las caobas...
En cuanto al clavijero suele haber variaciones, dándose ediciones en las que tiene una forma similar a las Les Paul y otras a las Firebird. Para gustos los colores, pero yo me quedo con las segundas.

Prestaciones técnicas y sonido:
La simpleza en este caso se vuelve en un punto a favor: no entiendo mucho de estos componentes, pero su pastilla humbucker, bobina simple, micrófono OBL y demás configura una guitarra muy versátil, de sonido limpio y brillante que hace que últimamente sea utilizada sobre todo para la música Pop.

Usuarios de lujo:
Esta pequena maravilla ha sido utilizada por gente de la categoría de Steve Marriott -guitarrista, vocalista y líder de los magníficos Small Faces-, Ron Wood y ese genio creador y renovador del Rock llamado Pete Doherty*.

Ahí os dejamos con un vídeo casero que demuestra la gran versatilidad y dinamismo de esta coqueta guitarra:

Por cierto, como casi siempre que hablamos de guitarras, quien tenga una Epiphone Coronet original americana, no una de las nuevas que se empezaron a producirse "made in China", que sepa que es un suertudo y tiene una joyita...

* Es broma, que conste en acta:)

El resultado de los grandes guitarristas:

2010-05-27T23:13:00.003+02:00

Pues ya acabó la encuesta que planteamos hace ya un tiempo y en la que pedíamos que eligiérais a vuestro guitarrista favorito del llamado "trío clásico del rock". Las respuestas han sido más de las que esperaba y el resultado ha sido abrumador:

Un 61% de las votaciones ha ido a parar a Jimi Hendrix, ese zurdo tan mágico. Su guitarra era fuego y aquí le tenemos en directo en la Isla de Wight, una de sus últimas noches grandes. Su viraje hacia el Funk me parecía prometedor, pero...

El segundo puesto con un 23% es para Jimmy Page. Poco podemos decir de él. Personalmente me parece un fantástico guitarrista, pero su labor como productor me parece superior todavía, pese a ello canciones como la legendaria "Stairway To Heaven" o esta que pongo aquí abajo, le hacen merecer el segundo cajón:

Y el tercer sitio con un 15% va para Eric "Mano Lenta/Dios" Clapton. Quien quiera saber lo que opino de este hombre que se lea la entrada que le dedicamos en su día. Simplemente decir que con el tiempo le he ido apreciando y respetando más. Aquí le mostramos en una grabación cuando colaboró con el jefe John Mayall en su magistral álbum conjunto:

A lo largo del período de votación hemos ido recibiendo mensajes de gente que solicitaba que incluyéramos o excluyéramos a tal o cual guitarrista, pero es que esa no era la intención de la encuesta, si no la de ver quién os parecia el mejor de los que la Historia de la Música ha considerado los tres grandes, simplemente.
Por mi parte hubiera incluído a mis guitarristas favoritos como Albert King, John McLaughlin, Ritchie Blackmore, Johnny Winter... Hay tantos,...pero la intención entonces se hubiera diluído.

La experiencia me ha resultado positiva, intentaré estudiar hacer otras encuestas sobre tipos de guitarras o sobre cuestiones más concretas, ya veremos.

Gracias de veras por vuestra colaboración.

Mick Ronson:

2010-05-05T01:09:00.005+02:00

Muy buenas a todos, hoy estoy contento porque vamos a tratar con el respeto y admiración que se merece a Mick Ronson, un verdadero hombre de la música: arreglista, compositor y productor de enorme talento, cantante, y sobre todo y lo que aquí nos interesa, un brillantísimo guitarrista.

La carrera de Mick Ronson está íntimamente ligada a la de David Bowie, en concreto a su exitoso período Glam de principios de la década de los 70, pues no hay que olvidar que fue en cierta manera el artífice y el responsable de la evolución de Bowie de unas maneras que hasta entonces iban por un camino un tanto indefinido -Folk, Psicodelia,...- hacia otras posturas más eléctricas y reconocibles por todos, más exitosas.

Mick Ronson fue una pieza básica para esta progresión musical, clave.

A sus cuerdas e imaginación le debemos además la que es considerada por muchos la Biblia del Glam -que sepan que tenemos muy en cuenta a Marc Bolan y su Electric Warrior- y uno de los mejores discos de la Historia del Rock: Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, con su tremendísima e impactante intervención en directo de "Moonage Daydream":

Ronson colaboró con Bowie en una serie de álbumes que abarcaron del disco Man Who Sold The World del 71, hasta el Pin Ups del 73 y luego de forma más esporádica. Pero aún así, con esta breve discografía Ronson dejó muy claras su senas de identidad, consolidó las claves del Glam-Rock británico y definió su sonido.
Como habrán visto y oído, si en sus labores en el estudio Mick era delicado, técnico y metódico -los perfectos arreglos de canciones tan míticas como "Life On Mars?", "Changes" o "Walk On The Wild Side" de Lou Reed por ejemplo son cosa suya-; cuando subía al escenario se transformaba en un apabullante guitarrista de batalla, donde su fogosa y expresiva guitarra destacaba por derecho propio y por encima de todo, con un gran sentido de lo pirotécnico, del espectáculo de verdad.

Tras este período, Ronson no dejó de colaborar con otros grupos y artistas como Mott The Hoople y Bob Dylan ni más ni menos. Además, no dudó en soltarse y animarse a iniciar su carrera en solitario, con interesantes trabajos como Play Don´t Worry del 75, un álbum en el que aparece la canción con la que nos despedimos por hoy, la majestuosa "Angel Number Nine":

Las guitarras de Jerry García:

2010-04-09T14:32:00.008+02:00

Si Jerry fue un tipo especial al igual que su música, sus guitarras no podían ser menos ¿verdad?

Al principio de su carrera en la etapa más claramente psicodélica utilizó unas Gibson Les Paul, SG y en algún que otro momento puntual unas Telecaster (vamos, que no hacía ascos a nada) pero más tarde se inclinó decididamente por las Alembic, recurriendo para ello al diseñador y luthier californiano Doug Irwin para que le personalizara sus instrumentos.

De las manos y del taller de Doug salió una serie de guitarras (que yo sepa unas cinco, aunque creo que hay variaciones sobre los mismos diseños y creaciones posteriores que no son de Doug). Las guitarras de esta serie recibieron distintos nombres atendiendo a los dibujos y motivos que mostraban.
La guitarra más importante fue la de ahí arriba, conocida como Tiger, y que fue utilizada durante el período que abarca 1979-1989. ¡Que música tan grande hizo este hombre concierto tras concierto en esos años...!

Las guitarras Alembic, si soy sincero, no las he tratado mucho y para decir algo de lo que desconozco prefiero callar, pero se supone que sus prestaciones técnicas debían ser de categoría cuando Jerry se vinculó a ellas de forma tan clara. La verdad es que el sonido y timbre claro de Jerry se vio reforzado con estas Alembic.

Estas creaciones de Doug Irwin, pese a no ser muy clásicas (y yo lo soy en este tema) me parecen en el fondo bastante originales e interesantes: El cuidado de las maderas utilizadas para su fabricación, su barnizado, los dibujos y esmaltes... Todo de una calidad y nivel acorde al artista.

Las siguientes guitarras recibieron nombres como Rosebud, Wolf, Wolf Jr y Eagle, la de aquí abajo.

Como no podía ser de otra forma en este blog de guitarras, guitarristas (de música al fin y al cabo) ahí os dejamos con esa maravilla en directo de "Morning Dew", una canción perteneciente e incluída al primer disco de Grateful Dead en 1967, que escuché por primera vez una tormentosa tarde de primavera, y que tan gratos recuerdos me trae a la mente y al corazón:

Saludos a todos.

Albert King:

2010-03-23T00:25:00.005+01:00

Hace tiempo que no pasábamos por aquí, así que vamos a continuar a lo grande, con algo especial...
Y es que la figura central de hoy es mi guitarrista favorito de todos los tiempos...

Si en anteriores microespacios hemos hablado del interés y del acercamiento de jóvenes músicos blancos del Rock de los 60 (Erick, Keith,...) al mundo del Blues, nuestro protagonista de hoy Albert King, representa el camino y movimiento contrario: el de los veteranos músicos negros de Blues que favorecieron, vieron con buenos ojos y forzaron el contacto de los dos mundos, rompiendo así unas fronteras (no sólo hablo de las musicales) consideradas insalvables hasta entonces.

A una edad tardía, 33 años, y con la intención de convertirse en guitarrista y músico profesional, abandonó su trabajo como conductor de camiones y bulldozers. Una sabia decisión, pues poco tiempo después conseguiría el reconocimiento que se merecía por parte de los seguidores de la buena música, de los críticos y de los jóvenes músicos que veían en él un claro referente.
Albert King logró desarrollar un sonido penetrante, profundísimo, que llegaba a lo más hondo del corazón y que marcaría a la generación psicodélica. Se gustaba de hacer creativos y largos solos, pero seguía representando el estilo tradicional: pocas notas siempre bien puestas, con alma y después de cada fraseo con la guitarra, a cantar o soltar unas palabritas de ánimo al público...

De esta forma, guitarristas como Stevie Ray Vaughan y grupos como Canned Heat pudieron encontrar en el gigante zurdo Albert King y en Lucy, su amada Gibson Flying V tocada y acaricida siempre sin púa, el sonido y el ejemplo a seguir. Un ejemplo de ello, es este "The Hunter":

Nos despedimos de este GG Especial Albert King con "You´re Gonna Need Me", tema que cerraba por todo lo alto el álbum recopilatorio King Of The Blues Guitar y en el que acompañado de Booker T And The MG´s y los Memphis Horns, se aprecia la energía y sentimiento que este enorme hombre, Albert, desplegaba en el escenario.

El grito de satisfacción final es impagable:

Pero como se nos hace poco, vamos allá con un extra. Unas apariciones de Albert en directo, interpretando "Pretty Woman" y "I´ll Play The Blues For You":

Django Reinhardt

2010-03-01T14:08:00.006+01:00

Este mes de marzo lo vamos a abrir con Jean Baptiste Reinhardt, más conocido por todos nosotros como Django Reinhardt. Un fenomenal guitarrista nacido en 1910 dentro del seno de una familia nómada de origen gitano y belga (aunque asociado plenamente a Francia) que está hoy aquí en Grandes Guitarristas por tener el mérito de ser uno de los responsables de impulsar al Jazz europeo a unas cotas antes inimaginables y de situarlo en el mapa musical.

Djando fue un artista autodidacta, incapaz de entender las partituras y un juerguista empedernido; pero también un músico extraordinario, pleno de dinamismo, imaginación, alegría, y con un swing imparable pese a haber perdido, a la edad de 18 años, gran parte de la movilidad en los dedos meñique y anular de su mano izquierda debido a un incendio que se produjo en su caravana familiar.

Aunque es conocido por su estrecha e íntima vinculación con la guitarra, hay que decir empezó su relación con el mundo del arte musical practicando con su familia otros instrumentos como el violín y el banjo durante su infancia...

Como hemos dicho, tras su terrible accidente su pierna derecha quedó paralizada y su mano izquierda quedó maltrecha. Pero Django mostró una energía vital increíble, siendo su vida en estos delicados momentos un ejemplo de superación para todos nosotros: Los médicos que le atendieron creyeron que era necesaria una operación quirúrgica para la amputación de su pierna con el fin de evitar posibles complicaciones, pero Reinhardt se negó en rotundo e inició un durísimo y largo período de rehabilitación, cercano a los dos años, del que se sobrepuso. A esto se añadió el problema de la mano (recordemos que quedó con los tendones y articulaciones de varios dedos seriamente dañados), así que un enorme Django se dejó de penas y utilizó el tiempo de su rehabilitación para adquirir y desarrollar una técnica personal con la que poder trastear, con dos dedos, su instrumento favorito. Y a Fe mía que lo consiguió.
Los dos dedos sanos los empleó para los momentos de los solos en los que la rapidez era algo esencial y los dañados, parcialmente agarrotados, los utilizó para la realización de acordes.
Increíble. Salió del período de convalecencia tocando la guitarra mejor que cuando entró. Increíble, en serio.

En el año 1934 creó con su hermano Joseph el grupo Quintette du Hot Club de France, integrado por Roger Chaput y su hermano Joseph a las dos guitarras rítmicas, el contrabajista Louis Vola, Django como solista y por la otra estrella del grupo, el violinista parisino Stephane Grappelly, con los que inició un fecundo período de actuaciones y grabaciones.

De unas sesiones realizadas el 31 de enero del año 38 pertenece este tema: "Honeysuckle Rose":

Según se cuenta, a Reinhardt le sobrevino la Segunda Guerra Mundial y la ocupación de París en esa misma ciudad, pero a diferencia de otros ciudadanos de orígen gitano a Django no le ocurrió nada porque fue protegido o respetado como músico, sin que él lo supiera, por ciertos miembros de la jerarquía nazi que admiraban su obra.

Tras la Guerra, llegó a viajar a América y a colaborar brevemente y sin muchos documentos sonoros de aquellos contactos, con grandes nombres del Jazz americano como Dizzy Gillespie o Duke Ellington, dejando una marcada huella en seguidores de su estilo com Wes Montgomery y John McLauglin.Nos despedimos hasta la próxima con un vídeo, una perfecta muestra en movimiento de lo que eran capaces de hacer Django y sus chicos. Elegancia al poder:

Guitarras raras:

2010-02-12T02:04:00.010+01:00

Breve Historia:
La primera con la que vamos a inaugurar esta sección es la Gibson Corvus, una guitarra que fue diseñada y producida por esta empresa durante los años ochenta junto a otros modelos como un inteno en esta década para renovar el interés y reactivar comercialmente a Gibson (qué malo tuvo que ser los ochenta para la música si una de las mejores fabricantes de guitarras tenía problemas). La producción fue muy limitada, dándose concretamente entre los años 82 y 84. Puesta en el mercado, recibió críticas por su diseño y unas paupérrimas ventas. Tras ello pasó por las tiendas sin pena ni gloria y se llegó a la decisión de suspender su producción.

Diseño:

En cuanto a su peculiar diseño, la forma de su cuerpo sólido hizo que fuera coloquilamente llamada como "can opener" o abrelatas. La verdad es que tampoco creo que fuera un diseño demasiado extraño (o tan innovador rupturista como para crear una especie de rechazo), teniendo en cuenta que esta marca ya tenía en las tiendas guitarras como la Flying V, Explorer o la Firebird, bastante llamativas y de las que ya hablaremos otro día.

Aquí abajo hay una Corvus junto a otros modelos Gibson y personalmente creo que presentaba una silueta y líneas interesantes, me gusta.

Características:

Sobre este apartado de la Corvus pues poco puedo decir: salvo que por lo que tengo entendido se llegaron a realizar 3 series (Corvus I-II-III) cada una con ciertos componentes distintos, presentando por ello lógicas variaciones en el precio y que no tenía nada que envidiar a otras guitarras Gibson en cuanto a las prestaciones y calidad de sonido.

Arriba un vídeo de un señor mostrando, explicando (bastante mejor que yo) y tocando su Corvus.

Para Finalizar:

Por cierto, debido a lo escaso de las tiradas originales, ahora son piezas de coleccionismo que se relacionan con el nuevo interés que deriva del revival ochentero, así que si alguno tiene una que la guarde, y si no le gusta pues que sepa que la acepto sin ningún problema.

Sabicas:

2010-02-01T00:00:00.003+01:00

En el “GG” de hoy vamos a tratar una música que hasta ahora había pasado desapercibida en este blog, por lo que ya llegó la hora de salir fuera de nuestros habituales caminos y pasear por otras sendas, otras veredas...
Este día tenemos con nosotros al que es considerado por muchos el padre de la guitarra española moderna: Sabicas.

De nombre Agustín Castellón Campos, este pamplonés nacido en 1912 demostró su interés y habilidad con la guitarra ya desde bien crío. Con apenas 10 años, tuvo que marchar con su familia a Madrid, donde acabó de conformar un estilo propio que se caracterizaba por la velocidad y la limpieza cristalina de su toque. Un hombre de técnica envidiable que marcó un antes y un después en la guitarra flamenca, siendo seguido y admirado por gente tan importante como el reconocido Paco de Lucía.

El vídeo que hay aquí abajo se llama "Amanecer Árabe" o "Ensueño Árabe" (según las distintas ediciones y si no me he liado) y aparece en el disco del año 72 La Guitarra de Sabicas:

Sin lugar a dudas, entre los méritos de Sabicas de halla el haber sido el pionero del enorme reto (poneos en el contexto de la época para un pobre españolito) que supuso dar a conocer el flamenco fuera de las fronteras de nuestro país, hecho del que se sentía especialmente orgulloso. Así como ser uno de los iniciadores de la guitarra española como instrumento solista y partícipe de la irrupción y consolidación de la guitarra española-clásica dentro del mundo del concertismo.

Huyendo de la Guerra Civil se exilió y marchó a América del Sur, donde realizó varias giras y actuaciones para poder sobrevivir. Durante su periplo, recaló poco más tarde en Estados Unidos y se instaló en Nueva York, ciudad en la que mostró su saber hacer con la guitarra sorprendiendo y atrayendo a numerosos músicos, especialmente del mundo del Jazz, pues no había oído en su vida el sonido y sentimiento de una guitarra española.

En este período Sabicas entró en contacto con otros artistas como el guitarrista especializado en jazz y rock fusión Joe Beck, con el que en el año 66 registró el álbum Rock Encounter, que por su fecha podemos considerar la primera grabación seria de fusión flamenca con Rock de la Historia. Un estilo y manera de hacer que sería continuado posteriormente por los grupos del llamado Rock Andaluz. Es decir, todo un hito para nuestra música y otro mérito que atribuir y reconocer en el maestro.
De este sorprendente y poco conocido trabajo (para la gran mayoría) vamos a escuchar su cuarto corte, "Zambra":

La última aparición de Sabicas con su guitarra fue la colaboración con Enrique Morente en el álbum Nueva York - Granada, editado en 1990. Así pues, para acabar por hoy nos despedimos con una seguiriya incluída en este trabajo llamada "No Soy De Esta Tierra":

Con esto último ponemos punto final al Especial de Sabicas:

Alan Wilson:

2010-01-26T22:48:00.007+01:00

En el "GG" de hoy tenemos el inmenso placer de presentar a Alan Wilson, miembro fundador del inigualable grupo de Blues-Rock de los 60 Canned Heat.

Pese a la excelente calidad de este artista, Alan Wilson (conocido entre los miembros de la banda y entre el público como Blind Owl o Búho Ciego debido a lo corto de su vista, al uso de gafas no muy bonitas y por lo feúcho que era, por qué no decirlo) no gozó del reconocimiento individual que desde aquí creemos se merece, aunque bien es cierto que su pérdida en 1970 fue llorada por gran parte de las figuras de la época (Stephen Stills le llegó a dedicar, junto al también fallecido Jimi Hendrix, el álbum Manassas).

Una razón del por qué Alan permaneció en un segundo plano puede ser el haber formado parte de una banda en la que la mayor parte de la atención recalaba en el vocalista, frontam y líder Bob Hite (conocido también como Bear o El Oso debido a su enooooorme tamaño corporal), restando a este gran músico la presencia que debería haber disfrutado.

Ahora vamos a escuchar Amphetamine Annie, tema compuesto por Hite, un hombre que se caracterizaba por una forma de ser y un estilo más enérgico y rápido, para el disco del 68 Boogie With Canned Heat:

Alan Wilson no llegó a registrar ningún disco como solista, pero sí se dedicó a producir y revitalizar la carrera de viejas glorias del Blues como fue el caso de Son House. Además, con Canned Heat nos dejó un gran legado: sus grandísimas cualidades como guitarrista, armonicista y compositor; y una personalidad sensible que venía acompañada de un estilo vocal apocado, frágil e inimitable que se complementaba a la perfección con la rotundidad de Hite, surgiendo de esta contraposición de caracteres unos álbumes estupendos.

Para despedirnos por hoy, vamos a escuchar un tema de sobrecogedora guitarra compuesto e interpretado por Alan para el disco del 69 Hallelujah, llamado Time Was:

Como Bonus tracks, vamos a hacer una excepción con tres tremendas piezas, tres. Sí, menos guitarreras pero igualmente efectivas y redondas: La primera es una canción titulada Mean Old World, original de Little Walter (si tuviera un blog dedicado a la armónica éste sería el primero en aparecer, sin duda) donde Alan sale al airoso y al paso con su voz y su armónica:

La segunda es Going Up The Country, una canción bastante hippiesca que le gustará a un buen amigo mío:

La tercera y final es On The Road Again... ¡¡¡A mí dame Boogie!!!

Pobre Boss:

2010-01-20T16:44:00.004+01:00

"Cuando era joven había dos cosas impopulares en mi casa: una era yo y la otra era mi guitarra... Mi padre solía llamarla ´esa maldita guitarra´. Cada vez que golpeaba la puerta eso es todo lo que decía."

"Un día mis padres me dijeron ´Bruce, ha llegado el momento de tomarte la vida en serio. Tu manía con la guitarra está bien como afición, pero necesitas algo a lo que recurrir. Deberías ser abogado. Los abogados controlan el mundo´... Pero yo no creía eso, ni lo creo ahora...

Lo que yo quería era tocar la guitarra."

Chuck Berry:

2010-01-18T10:07:00.009+01:00

Hoy tenemos con nosostros no a uno de los pioneros de cualquier género del rock (que está muy bien), si no a uno de los verdaderos pioneros del mismísimo Rock and Roll, Chuck Berry: un gigante que con ya bien entrados los 28 años, inició sus primeras y seminales grabaciones para la legendaria Chess Records.

Este hombre nacido en Saint Louis-Missouri, ha destacado en las tareas de intérprete, guitarrista y compositor de inolvidables y atemporales singles como el que va a sonar ahora: School Day (Ring Ring Goes The Bell), tema procedente de su primer álbum After School Session editado en mayo del 57.

Su música era una síntesis de Country y Blues a la que se sumaba la velocidad, la concisión en los riffs y sobretodo ritmo, mucho ritmo.
Según el propio Chuck Berry, el secreto de su exitoso sonido radicaba en "el Boogie y las melodías simples", nada más y nada menos, influyendo en figuras posteriores como Keith Richards y Angus Young (a parte de la mera influencia estética del "andar de pato", es evidente que la música de Chuck marcó profundamente al guitarrista de ACDC).

El exito que obtuvo Chuck llegó a tal nivel, que a partir de los 70 empezó a salir de giras sin una banda de acompañamiento fija debido a que nuestro protagonista sabía que allá donde fuera, siempre habría un grupo que conociera a la memoria todo su repertorio. Como curiosidad, con este personal sistema de trabajo, el maestro se subía siempre al escenario acompañado de su preciosa Gibson ES-335 para actuar apoyado por la banda local, siendo una de ellas la del por aquél entonces jóven y desconocido Bruce Springsteen.

Además, al no tener así que mantener a una banda fija, con este procedimiento se ahorraba unas cuantas perras que iban directamente a su bolsillo... ¡No sabía nada el viejo Chuck!

Nos despedimos ya con uno de los himnos clásicos de este artistazo, Maybellene:

Fender Telecaster:

2010-01-11T00:44:00.005+01:00

Orígen de la Fender Telecaster
En 1950, el luthier e inventor norteamericano de orígen griego Leonidas Fender creó el diseño de la primera guitarra eléctrica de cuerpo macizo que posteriormente se convertiría en la Telecaster. Se dice que en un principio se iba llamar Broadcaster en honor a las emisoras de radio, (por entonces el mayor medio de difusión de la música). Pero al final. por problemas de patente con Gretsch, que ya tenía un procucto con un nombre similar, en 1952 el nombre fue modificado por el de Telecaster (ahora en honor a la cada vez más popular televisión).

Diseño de la Telecaster
Partiendo de la base de la sencillez como emblema, el cuerpo macizo de la Telecaster se suele construir en fresno, y entre otros aspectos, el mástil (de arce o palorrosa) en lugar de ir encolado tal y como se hacía tradicionalmente hasta entonces, fue atornillado al cuerpo de la guitarra. La intención inicial de este diseño era crear una guitarra de producción relativamente barata, ensamblaje más sencillo y facilitar el trabajo a la hora de realizar mejoras o reparaciones.
Esta guitarra se caracteriza por un efectivo pero simplísimo diseño.

Esta ruptura con la tradición clásica del luthier, que considera al instrumento también como obra de arte y por ello valorando y buscando aspectos como la belleza y los detalles externos, le valió a la Telecaster unas cuantas críticas por lo descuidado de su apartado estético.

La verdad es que no es de mis guitarras favoritas en cuanto al aspecto artístico y externo, aunque otra cosa bien distinta ocurre con...

...El sonido de la Telecaster
La sonoridad que se obtiene de sus dos pastillas de bobinado simple que aparecen en la inmensa mayoría de sus modelos, en lugar de las de bobinado doble o humbuckers que aparecieron posteriormente en otras guitarras, como en las Gibson, se considera especialmente adecuado para la guitarra rítmica, y aunque se utiliza para cualquier estilo musical, es cierto que es la guitarra eléctrica por excelencia para la música Country.

El diseño y el material de esta guitarra también presta ciertas cualidades únicas en el timbre, que es agudo, con muy buena definición en los acordes, y muy percusivo, algo de lo que se beneficiaron, como ya hemos dicho, muchos guitarristas de Country y pioneros del Rock and Roll.

Entre los grandes guitarristas que han popularizado la Fender Telecaster destacan músicazos de la talla de Roy Buchanan, James Burton (responsable de dar a conocer la técnica Chicken Picking), Albert "Ice Man" Collins (conocido también en el mundo del Blues como el "Amo de la Telecaster"), Keith Richards y más tarde Bruce Springsteen, con su sempiterna Telecaster amarilla y negra.

Eso es todo por hoy, ahora a planear que nueva guitarra y guitarrista será nuestro siguiente protagonista... ¡Nos vemos!

Rory Gallagher:

2010-01-02T00:32:00.009+01:00

¡¡¡Hey a todos!!! Vamos a empezar el año a lo grande con un artista carismático, entrañable e íntegro como pocos: estamos hablando del irlandés Rory Gallagher, una referencia básica para todo aquél que se precie de buen amante de las guitarras Blues-Rock.

De Rory merece una mención especial el sonido agudo y enérgico que extraía de su guitarra eléctrica (una castigadísima Stratocaster del 61) y su habilidad con la slide, acústicas, mandolinas,... Un auténtico maestro, en serio.
La personalidad y la música del irlandés repercutió en otros guitarristas de gran talla como lo son Slash o tirando más por lo nuestro, al máquina de Rosendo Mercado.
Además, la conexión y comunión que se creaba con el público en sus apabullantes y excitantes conciertos serán recordados para siempre por todos sus seguidores (mi padre tuvo la fortuna de verle y cuando me cuenta esa experiencia... me muero de envidia:)

Una prueba de todo lo dicho anteriormente son las canciones Laundromat y Just The Smile, ambas pertenecientes al primer disco homónimo que grabó Rory Gallagher en el 71 tras disolver su anterior banda, Taste. Por supuesto, aquí las tenemos en directo:

Gallagher no fue nunca un artista muy mediático, pero desde este Grandes Guitaristas le hemos rendido merecido tributo. No hay más palabras, os dejamos con este temazo que lleva por título Big Guns:

¡¡¡Por Fin Tenemos Reproductor!!!

2009-12-23T19:00:00.005+01:00

Tras largas luchas con el ordenador, largas horas intentando conseguir poner un reproductor o podcast con los Microespacios, por fin lo he logrado... Sí, espero que ayude a complementar si se puede un poco más la labor del Blog y a que lo escuche gente que no ha podido hecerlo en su momento.
El orden en que han ido apareciendo los Grandes Guitarristas en el Blog no es el que se ha seguido en la emisión por radio, por lo tanto iréis encontrando carencias cuando escuchéis los primeros programillas que hicimos (los nervios, la inexperiencia y esas cosas) que vamos solucionando poco a poco. Sed clementes y espero que os guste.

Robbie Robertson:

2009-12-22T00:24:00.009+01:00

Hola a todos, en esta última entrada del año el protagonista del GG no es otro que Robbie Robertson: guitarrista, compositor y líder del legendario grupo canadiense The Band.

La guitarra de Robbie se caracterizó por poseer un sonido claro, sobrio y sencillo que huía de todo lo pretencioso y excesivo, de las estridencias... De acuerdo a la línea general y personalidad propia de La Banda.

Su primeros pasos como profesional vienen de la mano del cantante Ronnie Hawkins, con quien participó como guitarrista dentro de su banda de apoyo, llamada The Hawks y donde coincidió con Rick Danko, Richard Manuel, Levon Helm (para mi gusto uno de los bateristas con más clase y sensibilidad de este mundillo) y Garth Hudson. Todos ellos unos multiinstrumentistas y músicos de primera, con los que más tarde formaría The Band.
De aquél período, año 61, pertenece esta grabación, una versión de un tema de Muddy Waters titulada Nineteen Years Old:

Tras separarse profesionalmente de Hawkins, Robbie y el resto de sus compañeros iniciaron el camino en solitario bajo nombres tan dispares como The Canadian Squires o Levon Helm And The Hawks... logrando tan sólo publicar algunos singles sueltos, sin mucho éxito.

1965-66 se convirtió en el período clave para estos musicazos, pues ocuparon los puestos como la banda de apoyo de Bob Dylan durante su histórica y polémica gira eléctrica, convirtiéndose Robertson y sus chicos en un elemento importante en la evolución de Dylan hacia la amplificación sonora y hacia posturas más Rock, dando un enorme paso hacia delante en la cultura musical popular, aunque ello significara romper los esquemas de los pobres puristas folkies...

De esta gira vamos a escuchar un tema grabado en Manchester y no en el Royal Albert Hall de Londres, como indican erróneamente las grabaciones piratas que de aquél concierto se realizaron.

Aquí tenemos una eléctrica Baby Let Me Follow You Down:

Tras esta importante gira, siguieron una serie de sesiones registradas y conocidas como The Basement Tapes y la grabación del exitoso primer disco de The Band, publicado en el 68 bajo el título de Music From Big Pink.

Progresivamente Robbie Robertson y la banda se fueron desligando de la influencia directa del de Duluth y publicaron un segundo disco, que resultó también muy bien recibido por la crítica y el público, confirmándoles como uno de los grupos musicales más admirados y queridos de norteamérica.

En este segundo álbum del 69, titulado simplemente The Band, aparece el tema con el que cerramos el año, Jemima Surrender:

Que tengan una muy buena salida y entrada de año.

Gibson Les Paul:

2009-12-16T20:48:00.017+01:00

Su Historia
La Gibson Les Paul fue diseñada por Ted McCarty, el presidente de Gibson, con la colaboración del músico e inventor Lester William Polsfuss, más conocido por todos como Les Paul. Aunque popularmente se cree que fue Les Paul quien la diseñó, en realidad sólo colaboró en algunos detalles: construyó una guitarra de cuerpo macizo y con un tablón en el centro donde estaban montados el puente, el mástil y las pastillas dobles. De hecho, el prototipo de esta guitarra se considera el primero de una guitarra de cuerpo sólido a partir de un modelo de guitarra clásica.

En un principio, la firma Gibson rechazó el modelo, pues no veían mucho futuro comercial a la idea - una prueba más de la agudeza de ciertos empresarios:) -. Sin embargo, Fender, que luego se convertiría en su mayor competencia lanzó al mercado la Telecaster, la primera guitarra eléctrica exitosa con cuerpo macizo, por lo que entonces la gente de Gibson se decidió a fabricarla, pero las ventas iniciales de este modelo comparadas con otros de cuerpo semi-sólido como la Gibson ES-335, enfocada al blues fueron bastante pobres, y la sacaron del mercado.

Pese a todo, a finales de los 50, la guitarra Gibson gozaba de cierta popularidad, y era utilizada por bastantes músicos de rock 'n' roll. La introducción de las pastillas humbuckers de bobina doble diseñadas en 1957 dio el empujón definitivo a las Les Paul, cuyas ventas y reputación se han mantenido a lo largo de casi cinco décadas, con un paréntesis en su producción (1960-67).

Las Gibson Les Paul fabricadas entre 1957 - 59 se encuentran entre las más caras del mundo, siendo objeto de pasión entre los coleccionistas. Como ejemplo, una Gibson Les Paul Standard de 1959 puede valer cientos de miles de euros. Si tienes una, ya sabes...

Existen numerosísimas series y variantes de la Les Paul como el modelo Studio, el Standard y el Custom, que son los más producidos. Existen también líneas "signature", esponsorizados y diseñados por guitarristas más o menos populares como el caso de Zakk Wilde (guitarrista de Ozzy Osbourne y de Black Label Society)

Famosos usuarios del modelo les paul son Jimmy Page de Led Zeppelin, Duane Allman de The Allman Brothers Band, Slash ex Guns N' Roses, Stone Gossard de Pearl Jam, Robert Fripp de King Crimson, Billy Gibbons de ZZ Top, John Fogerty , Carlos Santana, Mick Ronson, Marc Bolan de T. Rex... La lista es interminable.

Diseño y Sonido de la Les Paul
El pesado cuerpo de la Les Paul está formado en la mayoría de los modelos por una base de dos piezas de caoba, que le da un timbre cálido y denso, y una tapa de arce tallada, que aporta mayor definición al sonido. Otra particularidad es el mástil, que aparece encolado en vez de ser atornillado. Éste es también de caoba, y puesto que se trata de una madera porosa y relativamente blanda, presenta un perfil cercano al de una guitarra española, mucho más grueso y cuadrado. Esto también hace que el mástil sea el punto débil de la guitarra: es muy difícil sustituir un mástil encolado, y la caoba puede romperse con más facilidad que el arce empleado en otros mástiles.
El sonido de la Gibson Les Paul es lleno y con predominio de las frecuencias medias-graves. Esto, junto a la mayor duración de la nota que proporciona el conjunto de sus elementos (bending, debido a que su mástil es más corto que el de otras guitarras) la han hecho muy popular entre los aficionados al rock clásico, y una de las guitarras más vendidas desde la invención de la guitarra eléctrica. Los acordes suenan bien empastados, y las líneas melódicas presentan un carácter oscuro y cálido.
Una desventaja es que los trastes más agudos son difíciles de alcanzar en comparación con otras guitarras, hecho que se debe a la anchura del cuerpo. Y otra desventaja notable es que el puente fijo, pese a proporcionar más duración a la nota, reduce la posibilidad de crear sonidos y efectos diferentes... Hay más datos técnicos y eso que como no los entiendo del todo, pues no los pongo.

Si queréis tocar la guitarra como Dios manda y tenéis dinero y estilo -más de lo primero que de lo segundo- ¡¡¡pilláos una de estas y a darle!!!

Dave Davies:

2009-12-02T00:40:00.010+01:00

Buenas a todos, hoy tenemos con nosotros a uno de los protagonistas y responsables de eso que se llegó a llamar la "Invasión Británica".
Estamos hablando, como bien señala el título, de Dave Davies: guitarrista (no podía ser de otra forma en este blog) cantante y compositor de los imprescindibles Kinks. Aunque hay que decir que su aportación en la banda estuvo siempre un poco restringida o ensombrecida por la figura de su hermano mayor y también miembro de los Kinks, el genial Ray Davies.

Dave y los riffs de su guitarra se encuentran aquí, entre los grandes, por ser como he dicho antes un poco más arriba, uno de los pioneros casi a principios de los 60 del sonido cortante, distorsionado y potente del Hard Rock. Ahí es nada, amigos.
Sobre cómo Dave desarrolló ese sonido característico de los Kinks hay muchas historias. Una de ellas dice que lo logró experimentando en su casa tras unir los cables de unos cuantos pequeños amplificadores y altavoces de su casa, ensayo que desembocó en un exito musical y en un merecidísimo calambrazo...
Siempre se ha dicho que los experimentos con gaseosa, pero menos mal que hay gente valiente que no hace caso a nada ni a nadie...

Del primer disco que editaron los Kinks en el año 64 con la discográfica PYE, vamos a poner el single más conocido de la banda, un verdadero número uno. Estamos hablando ni más ni menos de la canción You Really Got Me:

El sonido de los primeros Kinks y de la maravillosa guitarra de Dave bebía directamente de Rythm and Blues y Rock and Roll americano y del pop de tradición británica, aunque con esa marca de la casa más desenfadada, primitiva y garajera. Una sonoridad que derivaría más tarde en discos posteriores hacia terrenos más poperos (siempre en el buen sentido de la palabra), suaves y cuidados en discos como Something Else y Village Green Preservation Society.

Vamos a echar el cierre ya con otro tema del primer álbum en el que Dave y los Kinks demostraron su valía, una especie de continuación o segunda parte del You Really Got Me titulada All Day And All Of The Night:

Me estoy acostumbando a esto de los Bonus Track, y el de hoy es de auténtico lujo. Una verdadera obra maestra de la composición protagonizada por unos Kinks ya en su fase pop que recibe el nombre de Waterloo Sunset:

2009-11-22T13:59:00.005+01:00

Fender Telecaster.

Jorma Kaukonen:

2009-11-16T21:32:00.007+01:00

Hoy tenemos en nuestro blog a Jorma Kaukonen, uno de los máximos representantes de ese sonido ácido y lisérgico que se daba allá por los años 60. Un guitarrista que formó parte de una de las agrupaciones más emblemáticas del período psicodélico americano: ¡¡¡Jefferson Airplane!!!.

La distintiva guitarra de Jorma bebía directamente del rock más vitalista y efervescente del momento por un lado y de la tradición del folk americano y del blues por otro, elementos éstos últimos más patentes en sus trabajos con Hot Tuna -banda paralela formada con miembros de Jefferson Airplane- y en solitario.

En el disco del 67 Surrealistic Pillow tenemos unas cuantas buenas muestras de ese gusto por lo acústico que hemos señalado ahí arriba. Una de ellas es este Embryonic Journey, pero aquí en una emotiva versión realizada durante la ceremonia de la introducción de Jefferson Airplane en el Salón de la Fama del Rock and Roll:

De este álbum, Surrealistic Pillow destacan temas como Today -una grandiosa canción que parece ser que se utiliza en los USA en las celebraciones de bodas-, Comin´ Back To Me -del mismo estilo-, White Rabbit -poco podemos decir de ella, sólo hay que escucharla- o ese himno generacional conocido como Somebody To Love:

Tras el éxito que obtuvieron con este álbum, ese mismo año volvieron a las tiendas y a los conciertos con otro trabajo llamado After Bathing At Baxter´s, que la verdad es que no tenía las grandes canciones del anterior disco, pero que nos mostraban a la banda en un gran nivel en cuanto a la conexión musical entre Jorma, el también guitarrista Paul Kantner, el bajista Jack Cassidy, el baterista Spencer Dryden y la voz de la preciosa Grace Slick.

En el 68, con Crown of Creation -para mí la mejor obra de su discografía- creo que alcanzaron su máximo apogeo artístico. De éste álbum vamos a poner el tema If You Feel, en el que hacen acto de presencia la sensacional voz de Marty Balin y la ardiente guitarra -con pedal Wah Wah incluído- de Jorma Kaukonen:

Como bonus track vamos a ver a Jefferson Airplane y Jorma en el festival de Woodstock interpretando una mágica canción con la que se cerraba After Bathing At Baxter´s, titulada Won´t You Try/Saturday Afternoon:

¡¡¡Hasta la próxima!!!

2009-11-10T00:46:00.002+01:00

Epiphone Casino.

Eric Clapton:

2009-11-01T21:18:00.007+01:00

Hey a todos, este mes empezamos con uno de los clásicos: Eric "Mano Lenta" Clapton, o como le llamaban sus paisanos hace unas cuantas décadas: Dios.

Es este hombre tan conocido, que vamos a obviar un poco su vida -para eso estará su página web o la Wikipedia-, y nos vamos a centrar en lo que creo que son las características más importantes de este guitarrista, y en su música, que es de lo que trata al fin y al cabo el blog.

La grandeza de este guitarrista radica en que fue una de las figuras clave en el desarrollo de la música popular moderna por su labor a la hora de aunar la tradición del blues con las novedades procedentes del rock de mediados y finales de los 60.
Esto a lo mejor no parece tan importante a primera vista o no se tiene muy en cuenta, pero hay que reconocer que fue de los primeros en cultivar esta nueva música en Gran Bretaña para de nuevo devolverla a Estados Unidos, donde germinaría con un poder y una violencia increíble, llegando después a todos los rincones del mundo.
Un ejemplo de la categoría que tenía Clapton en estos años es la anécdota que se cuenta de un todavía desconocido Jimi Hendrix, que aceptó ir a Inglaterra -dónde se empezaría a dar a conocer y grabaría sus discos- bajo la condición de poder conocer personalmente a Clapton, al que admiraba enormemente.

Ora cosa, Clapton formó parte de bandas de un calibre enorme como los seminales Yardbirds -donde participaron además Jimmy Page y Jeff Beck-, los Bluesbreakers de John Mayall -la escuela y el padre del Blues blanco por excelencia- o Cream -qué decir de ellos-.
De su breve etapa con John Mayall, pues sólo realizaron un álbum conjunto en el 66, vamos a escuchar el tema Key To Love:

¿Sabéis qué? Me gusta tanto este disco y se me ha hecho tan corto, que aquí os pongo otro corte, All Your Love:

Toda esta carrera musical de Clapton hasta finales de los 70 es bastante interesante y se debe tener en cuenta, pero posteriormente con sus trabajos en solitario, los producidos por Phill Collins... empezaron los altibajos en el aspecto creativo.

Aunque desde ya hace tiempo hay una corriente de opinión sobre Eric que piensa que es un artista bastante sobrevalorado -entre la que me incluía-, hay que recordar la importancia de lo señalado unos párrafos más arriba y destacar además que la influencia que ha ejercido sobre guitarristas posteriores y coetáneos es incalculable.

Cerramos el capítulo de hoy dedicado a Eric Clapton, con un tema de su época con el supergrupo Cream, perteneciente al disco del 67 Disraeli Gears y llamado Crossroads:

2009-10-16T16:11:00.004+02:00

Fender Stratocaster.

Eric Bell:

2009-10-13T00:48:00.005+02:00

Otro mes, otro guitarrista.
El espacio de hoy está dedicado a Eric Bell, guitarrista y miembro fundador de Thin Lizzy, infravalorado grupo irlandés liderado por el carismático cantante-bajista-compositor Phill Lynott (si tuviera un blog dedicado a los artistas más grandes del rock él estaría ahí, sin duda).

Eric Bell forma parte de ese grupo de guitarristas de grandísimo nivel pero que quedan relegados a una segunda fila en cuanto a popularidad o reconocimiento. Casos hay muchos, pero para eso estamos nosotros.
Eric se crió en la Belfast de los sesenta donde formó parte de bandas como Them, Shades of Blue y The Dreams, por lo tanto su categoría es clara.

Thin Lizzy, pese a estar encuadrada dentro del Rock Duro de principios de los 70 y convertirse en una banda referente de los futuros grupos "jevis", musical y estilísticamente no estaban encorsetados y gozaban de unas miras muy amplias trascendiendo más allá de los géneros, por lo que en sus discos se aprecia el gusto por lo acústico, el folk de su tierra y el Blues: sonidos muy presentes en los tres primeros discos en los que participó Eric.

En el año 71 grabaron en menos de cuatro días lo que iba a ser su primer disco grande, que consiguieron editar en una buena compañía subsidiaria de la Decca (la Deram). Titulado con el nombre de la banda, serviría para darles a conocer merecidamente pues incluía temas interesantes como este Look What The Wind Blew In, en el que aparecen un Eric Bell a la guitarra y un Brian Downey a la batería mostrando un gran estado de forma:

Después de su segundo disco del 72 Shades Of A Blue Orphanage, que lucía bellos cortes como Sarah o Brought Down, iniciaron un nuevo proyecto: la banda paralela Funky Junction con la que sacaron un álbum tributo en el que pasaban revista a todos los exitos de Deep Purple -un disco interesante y raro que estoy buscando, si alguien lo tiene por ahí abandonado y lo quiere donar a la ciencia, ya conoce esta dirección...:) -.

Tras este curioso escarceo, iniciaron el tercer asalto con el grabación de Vagabonds Of The Western World. La historia dice que antes de que el plástico saliera a las tiendas, la discográfica decidió sacar por su cuenta un single de adelanto con la intención de captar nuevo público, hecho que disgustó a la banda debido a que creían que el tema elegido era interesante pero que no iba muy en la línea musical que querían desarrollar. Lo que no sabía es que ese single, una canción tradicional irlandesa en clave de rock llamada Whiskey In The Jar, se convertiría en un clásico instantáneo:

Este sería el útimo tabajo de Eric con el grupo.
Ya sin él, el sonido de Thin Lizzy se hizo más duro y el vacío de su puesto sería ocupado por dos guitarristas... Pero antes Eric pudo dejar impresa su guitarra en grandes canciones como The Rocker o con la que nos despedimos por hoy, la nebulosa Little Girl In Bloom (mi favorita de la banda de Phill Lynott) aquí en directo y con una capa más acentuada de misterio y esa contraposición tensión-suavidad que tanto me gusta...

Recomendada la versión en estudio. ¡¡¡¡Hastalueguín!!!!

Jerry García:

2009-09-21T12:51:00.011+02:00

Hoy tenemos el placer de hablar de Jerry García: icono de la música y del movimiento contracultural norteamericano de los años 60 que tenía como base de operaciones la emergente y bulliciosa área de San Francisco.

Lo que a mi parecer hace aún más interesante a este músico es que la importancia de su figura no radica tanto en su saber hacer con la guitarra -que estaba fuera de toda duda-, sino en su papel como representante de toda una época.

El valor de Jerry como nexo de unión y cabeza del movimiento hippie se aprecia en las constantes y numerosas colaboraciones musicales o "espirituales" -tanto en solitario como acompañado de su gran banda Grateful Dead- con importantísimos grupos y artistas del momento tales como los Jefferson Airplane, Crosby Stills and Nash, Bob Dylan,... Casi nada, oigan.

En el 67 salió a la luz Grateful Dead, a mi parecer un muy buen disco de presentación que recoge y une los elementos que se harán característicos en Jerry y compañía -Rock Ácido, Folk, Country y Blues-, y que pese a tener un sonido muy crudo, poco pulido, todavía indefinido y no haber sido muy bien acogido en un primer momento en cuanto a ventas, sí que contaba con grandísimos temas como este "The Golden Road (To Unlimited Devotion)" con la que abrían el disco:

Poco a poco y concierto tras concierto -el hábitat natural de estas bestias del escenario- lograron ganarse el respeto y la admiración de la crítica y del público, convirtiéndose en una de las bandas más queridas de USA, entrando a formar parte y subiéndose al altar de los preferidos de la audiencia americana junto a gente como The Band o los Allman Brothers.

En el año 1970 Jerry García y los Dead, ya asentados, publicaron el cálido American Beauty, uno de sus discos más perfectos, accesibles y ahora sí, exitosos. Un ejemplo de esta madurez y plenitud es la composición "Friend Of The Devil", con la que nos despedimos por hoy:

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Como Bonus Track tenemos una pieza que apareció también en su primer álbum.

Es una versión en directo a la manera de los Dead, es decir: la interpretación de originales improvisaciones, pero en este caso basándose en un estándar de blues.

La calidad de vídeo no es muy buena la verdad, pero creo que merece la pena para ver el nivel de estos músicos.

Ahí os dejamos con esta bestialidad interpretada en el mítico Festival de Monterrey titulada Viola Lee Blues*:

* Desde esta casa se recomienda la escucha de esta canción pero en su versión álbum, a todo volumen. Si la resistís y disfrutáis seréis merecedores de todos mis respetos:)

Aaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaadiós.

SRV - Stevie Ray Vaughan:

2009-09-01T00:36:00.005+02:00

Pues aquí está con nosotros el tejano Stevie Ray Vaughan: bluesman, virtuoso guitarrista y heredero directo con todos los honores de la escuela de Jimi Hendrix y Albert King.

Stevie tomó las mejores características de estos artistas: una creatividad que no conocía límites o barreras en las improvisaciones, versatilidad, delicadeza e intensidad a partes iguales... Con todos estos elementos desarrolló un sonido y estilo totalmente personal y reconocible.

A este hombre le debemos el resurgir y la revitalización del Blues en los 80, pues fue uno de los artistas que se encargó de recoger ese legado, esas bases musicales anteriores y transpantarlo todo de nuevo en una década -la ochentera- que personalmente creo dió de lado a la tradicion musical y en la que predominaban nuevos sonidos de tendencia más pop.

Tras recorrer con éxito numerosos clubes, conciertos y festivales, logró fichar por una gran compañía discográfica, la EPIC, con la que grabó en el 83 su primer álbum de estudio, una gran obra en la que destacan dos cortes:

El primer tema que vamos a ver y escuchar da nombre al disco y se llama Texas Flood. Aquí le vemos sobre el escenario de la sala El Mocambo, en Toronto, acompañado de su banda Double Trouble, formada por el baterista Chris Layton y el bajista Tommy Shannon. De verdad que es un espectáculo ver a Stevie...

La segunda a destacar es una delicada composición que Stevie dedicaba a su esposa Lenora, a la que cariñosamente llamaba Lenny.

Tras el éxito y reconocimiento obtenido con su trabajo, al año siguiente volvió de nuevo con un segundo y estupendo disco que continuaba con las líneas ya trazadas y marcadas en el primer álbum.
De Couldn´t Stand The Weather hay que señalar varios temas como su versión-tributo del Voodoo Child de Jimi, Things That I Used To Do, o con lo que nos despedimos por hoy: Honey Bee.

Aaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaadiós.

2009-08-27T00:02:00.001+02:00

Wayne Kramer/Fred "Sonic" Smith: MC5.

2009-08-05T01:53:00.000+02:00

Otro mes, otros Grandes Guitarristas: aquí tenemos por primera vez no a un único artista, si no a una pareja de verdaderos animales de la guitarra: Wayne Kramer y Fred "Sonic" Smith, miembros de Motor City Five o MC5, un grupo que se caracterizaba por representar el lado más duro y crudo de la contracultura musical norteamericana y por "ejecutar" (nunca mejor dicho) a todo volumen estilos como el Blues, Rock ´n´ Roll con Chuck Berry a la cabeza, Psicodelia y Garage.

Fred "Sonic" Smith posando con una Rickenbaker y una molona camisa de flecos:)

Los chavalotes de MC5 dieron sus primeros pasos en la zona de Detroit (de donde procede la mayoría de los miembros) imitando a sus ídolos musicales juveniles. Eran una verdadera batidora musical que incluía desde lo que ya hemos mencionado antes hasta el Free Jazz -influencia que se notaría en los numerosos momentazos de excitación orgiástica y desvarío del grupo.

Gracias a todos estos elementos y a sus apoteósicos y contundentes conciertos, muy pronto empezaron a llamar la atención del respetable y de las discográficas. Tras editar unos singles, lograron firmar con Elektra y como los chicos de MC5 eran así, decidieron que su primer disco fuera un directo (algo verdaderamnte inusual en la actualidad). Este primer LP registraba un concierto que MC5 dio en la sala Grande Ballroom la noche del 30 al 31 de octubre del 68, en pleno Halloween sí señor.

El disco es un verdadero clásico que capta y recoge toda la energía de estos bestias.

El tema que hay aquí abajo pertenece a este disco y se llama Kick Out The Jams Motherfuckers!!! En el vídeo se les ve en plena acción, pero lo malo es que el "Hijos de Puta" está censurado porque hacía feo...

MC5 junto a otras bandas como The Stooges o los Blue Cheer son los responsables de sentar las bases de lo que hoy se conoce como Proto-Punk: grupos de mediados y finales de los 60 contrarios a las poses manidas del "jipismo", cargados de activismo político o actitudes subversivas y que tenían su reflejo en una música amplificada al máximo.

Motor City Five cumplía a la perfección con todos estos puntos, destacando además la cuestión del activismo político: hacían gala de unas tendencias un tanto izquierdistas/socialistas (un crimen en los USA) y tenían como manager y "guía" (así lo ponen en uno de sus discos) a un tal John Sinclair, que era el fundador de los White Panthers, una organización política de gente blanca que servía de apoyo a los más conocidos Panteras Negras.

Este Sinclair luego apareció envuelto en un caso de narcóticos, fue arrestado...pero no es nada nuevo ¿verdad? Lo curioso es que su arresto provocó la reacción de la crema y aristocracia musical de la época, llegándose a organizar un concierto en apoyo de Sinclair en el que aparecieron y tocaron artistas como John Lennon (metido como siempre en todos los fregaos), Stevie Wonder, Bob Seger,...

Foto de Wayne Kramer berreando y tocando.

Toda esta fuerza inicial de los MC5 acabó súbitamente con su segundo disco llamado Back In The USA cuando la potencia y fiereza de la banda quedó ya adormecida y domesticada dentro de un estudio de grabación.

Pese a lo dicho, este álbum sigue siendo muy bueno y en él encontraréis maravillas como Looking At You, aunque aquí abajo lo veréis en directo.

Aaaaaaaaaaaaaaaaaadiós.

Neil Young:

2009-07-21T14:08:00.000+02:00

Hoy vamos a hablar del canadiense Neil Young, pero centrándonos en su faceta como guitarrista, en la que muestra dos vertientes bien distintas: mientras que con la guitarra acústica desprende su lado más sereno y apacible, con la eléctrica nos ofrece un sonido más personal, aparentemente errático, caótico, al borde del precipicio y siempre lleno de emotividad.

Tras acabar en el 68 su andadura como miembro de Buffalo Springfield -grupo formado por gente como Richie Furay, Jim Messina y el gran Stephen Stills-, inició una extensa carrera en solitario que hoy día y afortunadamente, sigue en marcha.

En su segundo disco como solista editado en el 69, Everybody Knows This Is Nowhere ya contó con el grupo de acompañamiento Crazy Horse -que se convertirían en inseparables de Neil- y en el que aparecen grandes composiciones como Down By The River, Cowgirl In The Sand, o la que hay aquí abajo Cinnamon Girl:

De aquí en adelante aparecieron numerosos e interesantes discos: en el 70 se unió a Crosby Stills and Nash, supergrupo formado con músicos provenientes de otras grandes bandas como The Byrds, The Hollies y Buffalo Springfied, y que se reformó entonces con el original nombre de Crosby Stills Nash and Young y con el que sacaron a la luz el exitoso álbum Deja Vu.

Pero el señor Young, hombre inquieto como pocos, abandonó ese mismo año a sus compañeros para centrarse más de lleno en su siguiente disco en solitario After The Gold Rush, totalmente recomendado desde aquí y que se caracteriza por poseer un marcado carácter acústico y country en cortes como I Believe In You, aunque tampoco abandonaba del todo su lado más eléctrico con temas como Southern Man.

En el 72 se hizo acompañar de otra banda: los Stray Gators, con los que grabó Harvest, el disco que le proporcionó su primer nº 1 con el single Heart Of Gold como bandera y con otros interesantes cortes como Words y Old Man.

En el 75, imparable como siempre, Young editó dos discos: Tonight Is The Night y Zuma, que contenía una verdadera joya, la etérea pieza titulada Cortez The Killer :

El viejo genio de Young es sin duda alguna uno de los artistas más influyentes, queridos y admirados del rock. Esto que he dicho lo manifiestan y aprueban grupos como Pearl Jam, The Jayhawks y REM.

En el año 77 -considerado por algunos el año de nacimiento del Punk- apareció en las tiendas Stars ´n´ Bars, un disco que es recordado por incluir entre su lista de canciones la bella e intensa Like A Hurricane, con la que nos despedimos por hoy:

Tony Iommi:

2009-07-15T16:14:00.002+02:00

Hoy vamos a tratar a Tony Iommi: miembro fundador y guitarrista de Black Sabbath, grupo de Hard Rock de principios de los setenta y también pionero del Heavy Metal, Doom, Stoner Rock...
Colaborando en ello al desarrollar una temática y estética oscura -algo poco común hasta entonces- y un poderoso sonido que procedia en gran parte de las seis cuerdas de Tony.

Nacido en Birmingham y procedente de una familia de origen italiano, Tony empezó a tocar la guitarra a los quince años imitando a los Shadows y a Buddy Holly -clasicotes-, aunque progresivamente su sonido derivaría hacia otros lugares más ruidosos.
Una curiosidad sobre Tony para los que le hayáis visto tocar: las protecciones que tiene en su mano derecha se deben a un accidente laboral en una fábrica de planchas de acero que le causó la amputación de las yemas de los dedos corazón y anular... Para que luego digan que el trabajo es salud.

Pese lo que advierten nuestros oídos al escuchar temazos como War Pigs o Electric Funeral, Iommi recibió desde joven además una gran influencia de la guitarra blues -es admirador de la velocidad de Alvin Lee- y del jazz, concretamente de Django Reinhardt -gran guitarrista que sufrió la parálisis de varios dedos a causa de un incendio, hecho que sirvió de referente y ejemplo a seguir a un joven Tony-.

Este aprecio por el jazz se aprecia en el tema Planet Caravan, incluído en el segundo álbum de Black Sabbath publicado en el 70, Paranoid -una de las portadas más feas que me he echado a la cara-.

Con esto ya hemos señalado la parte más oculta y jazzie de Tony, pero lo más reconocido y predominante en él era un sonido desbordante, distorsionado, crudo e hiriente. Siempre acompañado en su primera formación por la contundente sección rítmica de Geezer al bajo y Ward a la batería, y por la gran presencia en escena y la voz del cavernícola Ozzy.

Para acabar por hoy, nos despedimos con un tema en directo perteneciente al disco del 72 Volume Four titulado Supernaut. Uno de los riffs más grandes que he escuchado nunca:

Steve Howe:

2009-07-04T21:32:00.000+02:00

Steve es el guitarrista de Yes, una de las formaciones más representativas y personalmente la mejor banda de rock progresiva de los 70 surgida en Inglaterra.

Este hombre es un virtuoso de las seis, doce o de las cuerdas que se le pongan por delante, pero al contrario de lo que ocurría y hacían otros genios del progresivo, Steve no se perdía ajeno al mundo que le rodeaba en barrocos e interminables solos que lo único que realmente demostraban era una técnica y ego desmesurados.

Lo que hay aquí es el fragmento de un concierto de la BBC de un tema perteneciente al tercer disco de Yes llamado The Yes Album, editado en 1971 y que les abrió las puertas del éxito.
La canción en cuestión es Yours Is No Disgrace:

Como habéis escuchado y visto, Steve Howe también sabía hacer solos, pero lo que hace distinto a éste es su delicada musicalidad -muy influenciada por la guitarra clásica y jazz-, así como por su enorme personalidad y capacidad renovadora que ejerció en Yes, pese a entrar más tarde como sustituto del guitarrista original Peter Banks, logrando cambiar la dinámica y el sonido de Yes y elevarlo a unas cotas de calidad, exito y popularidad antes impensable para los miembros de la banda.

Nos marchamos por hoy con Steve Howe interpretando dos de las composiciones acústicas más conocidas de su repertorio: la primera de ellas es Clap, perteneciente al disco The Yes Album, y la última pertenece al cuarto disco del año 72 Fragile y se titula Mood For A Day.

Johnny Winter:

2009-07-04T18:16:00.000+02:00

En una época. a finales de los 60, en la que todo el mundo dentro y fuera del artisteo buscaba innovar y ser algo especial, apareció rompiendo moldes un guitarrista único: un blanco desgarbado y con albina melena al viento que logró hacerse un hueco en la escena musical negra -en un momento en que la tensión racial era muy patente-, practicando un blues-rock que aún hoy todavía tiene como estandarte la fiereza de su voz y la rotundidad vertiginosa de su guitarra.
Una muestra del sentimiento e intensidad que Winter mostraba sobre el escenario es esta implacable Be Careful With The Fool, canción que apareció en su álbum debut del 69 y titulado con el nombre del artista junto al disco The Progressive Blues Experiment, también del mismo año-.

Aquí le vemos en concierto tocando con su característica Gibson Firebird.

Los inicios de Johnny Winter no tuvieron coo escenario el Greenwich Village neoyorquino o el Swinging London de Londres, si no los bares y clubes de música de la "América Profunda" de su Texas natal -nació en Beaumont para ser más precisos-, desarrollando y consolidando un estilo en el que confluían el gusto por el Blues del Delta más tradicional y también por el Blues eléctrico de Chicago realizado por artistas como Muddy Waters.

Todo esto dio como resultado una música en la que predominaba más elementos como la fuerza, la intensidad, la emotividad y la capacidad expresiva.

Despedimos el Microespacio de hoy con el directo de la canción más mítica (para todos aquellos que han crecido al calor de una pantalla de televisión viendo Regreso Al Futuro).

Jimi Hendrix:

2009-07-03T01:51:00.000+02:00

Jimi, un genio de la música sin etiquetas...

Nacido un 27 de noviembre del año 42 como John Allen, rebautizado posteriormente como James Marshall y conocido por todos nosotros como Jimi Hendrix. Un nombre de sobras conocido, pero no así su intensa vida: problemas familiares, ingreso en el ejército para eludir la cárcel por conducir coches robados, convertido en guitarrista a sueldo con 20 añitos, drogas, rock, sexo... ¡¡¡ Maldita sea !!!

En fin, un bala perdida cuya existencia tiene un gran paralelismo con la de otras estrellas coetáneas como Janis Joplin y Jim Morrison: personas cuya faceta creadora fue superada con creces por una personalidad y carácter autodestructivos.

Musicalmente Jimi fue un adelantado a su tiempo, un verdadero marciano que asimiló la tradición del Blues, la ferocidad rítmica del Rock y las innovaciones sonoras que permitía y ofrecía la Electrónica primitiva de momento. Por todo esto, su figura a marcado a artistas tan dispares como el guitarrista Stevie Ray Vaughan, la estrella del pop Prince o el músico y cantante de Soul D´Angelo.

Aquí vemos un joven Jimi Hendrix posando con tupé junto al rEsto de la banda de Curtis Knight.

Tras andar de un lado para otro como músico acompañanate de figuras reconocidas como Little Richard, los Isley Brothers o el saxofonista Lonnie Youngblood y jugar, empeñar y perder numerosas guitarras durante este período -nuestro chico era así-, Jimi decidió abandonar esa vida de segundón y establecerse en el Greenwich Village de Nueva York en el año 66 con la intención de "medrar" y hacerse un hueco en la escena musical del lugar.

Esto es Goodbye Bessie Mae, una de las primeras canciones que Jimi grabó como profesional junto al saxofonista Lonnie Youngblood en unas sesiones del año 63.

Un momento importante en el crecimiento de Jimi se debe en cierta medida al inconmensurable Bob Dylan, debido a que la forma de cantar de éste -no muy ortodoxa y brillante-, le dio la confianza necesaria para que Jimi, que se sentía acomplejado de su voz, iniciara su carrera en solitario no sólo como guitarrista, si no como cantante también.

Ese mismo año fue descubierto por Chas Chandler, productor y bajista de los Animals, que le ofreció la oportunidad de viajar a una Inglaterra que le abría las puertas.

Una de las primeras cosas que había que hacer era conformar una banda para Jimi, acabando con Noel Redding al bajo eléctrico y con Mitch Mitchel a la batería.

Ya en Europa, tras foguearse en toda las jams que se les ponían por delante, tocar como teloneros en giras promocionales de grupos como los Monkees, y en sitios tan insólitos como una fiesta de graduación en la Faculta de Derecho de París, fue el 12 de mayo del 67 cuando vio la luz el primer álbum de Jimi: Are You Experience. Tras este lanzamiento, el éxito...

Nos despedimos por hoy con el tema Drifting de su disco póstumo The New Ray Of The Rising Sun, una canción de gran belleza que nos demuestra y recuerda la grandeza y talento que perdió el mundo de la música con la muerte de Jimi Hendrix.