Albert King:

Hace tiempo que no pasábamos por aquí, así que vamos a continuar a lo grande, con algo especial...
Y es que la figura central de hoy es mi guitarrista favorito de todos los tiempos...

Si en anteriores microespacios hemos hablado del interés y del acercamiento de jóvenes músicos blancos del Rock de los 60 (Erick, Keith,...) al mundo del Blues, nuestro protagonista de hoy Albert King, representa el camino y movimiento contrario: el de los veteranos músicos negros de Blues que favorecieron, vieron con buenos ojos y forzaron el contacto de los dos mundos, rompiendo así unas fronteras (no sólo hablo de las musicales) consideradas insalvables hasta entonces.

A una edad tardía, 33 años, y con la intención de convertirse en guitarrista y músico profesional, abandonó su trabajo como conductor de camiones y bulldozers. Una sabia decisión, pues poco tiempo después conseguiría el reconocimiento que se merecía por parte de los seguidores de la buena música, de los críticos y de los jóvenes músicos que veían en él un claro referente.
Albert King logró desarrollar un sonido penetrante, profundísimo, que llegaba a lo más hondo del corazón y que marcaría a la generación psicodélica. Se gustaba de hacer creativos y largos solos, pero seguía representando el estilo tradicional: pocas notas siempre bien puestas, con alma y después de cada fraseo con la guitarra, a cantar o soltar unas palabritas de ánimo al público...

De esta forma, guitarristas como Stevie Ray Vaughan y grupos como Canned Heat pudieron encontrar en el gigante zurdo Albert King y en Lucy, su amada Gibson Flying V tocada y acaricida siempre sin púa, el sonido y el ejemplo a seguir. Un ejemplo de ello, es este "The Hunter":

Nos despedimos de este GG Especial Albert King con "You´re Gonna Need Me", tema que cerraba por todo lo alto el álbum recopilatorio King Of The Blues Guitar y en el que acompañado de Booker T And The MG´s y los Memphis Horns, se aprecia la energía y sentimiento que este enorme hombre, Albert, desplegaba en el escenario.

El grito de satisfacción final es impagable:


Pero como se nos hace poco, vamos allá con un extra. Unas apariciones de Albert en directo, interpretando "Pretty Woman" y "I´ll Play The Blues For You":

Django Reinhardt

Este mes de marzo lo vamos a abrir con Jean Baptiste Reinhardt, más conocido por todos nosotros como Django Reinhardt. Un fenomenal guitarrista nacido en 1910 dentro del seno de una familia nómada de origen gitano y belga (aunque asociado plenamente a Francia) que está hoy aquí en Grandes Guitarristas por tener el mérito de ser uno de los responsables de impulsar al Jazz europeo a unas cotas antes inimaginables y de situarlo en el mapa musical.

Djando fue un artista autodidacta, incapaz de entender las partituras y un juerguista empedernido; pero también un músico extraordinario, pleno de dinamismo, imaginación, alegría, y con un swing imparable pese a haber perdido, a la edad de 18 años, gran parte de la movilidad en los dedos meñique y anular de su mano izquierda debido a un incendio que se produjo en su caravana familiar.

Aunque es conocido por su estrecha e íntima vinculación con la guitarra, hay que decir empezó su relación con el mundo del arte musical practicando con su familia otros instrumentos como el violín y el banjo durante su infancia...


Como hemos dicho, tras su terrible accidente su pierna derecha quedó paralizada y su mano izquierda quedó maltrecha. Pero Django mostró una energía vital increíble, siendo su vida en estos delicados momentos un ejemplo de superación para todos nosotros: Los médicos que le atendieron creyeron que era necesaria una operación quirúrgica para la amputación de su pierna con el fin de evitar posibles complicaciones, pero Reinhardt se negó en rotundo e inició un durísimo y largo período de rehabilitación, cercano a los dos años, del que se sobrepuso. A esto se añadió el problema de la mano (recordemos que quedó con los tendones y articulaciones de varios dedos seriamente dañados), así que un enorme Django se dejó de penas y utilizó el tiempo de su rehabilitación para adquirir y desarrollar una técnica personal con la que poder trastear, con dos dedos, su instrumento favorito. Y a Fe mía que lo consiguió.
Los dos dedos sanos los empleó para los momentos de los solos en los que la rapidez era algo esencial y los dañados, parcialmente agarrotados, los utilizó para la realización de acordes.
Increíble. Salió del período de convalecencia tocando la guitarra mejor que cuando entró. Increíble, en serio.

En el año 1934 creó con su hermano Joseph el grupo Quintette du Hot Club de France, integrado por Roger Chaput y su hermano Joseph a las dos guitarras rítmicas, el contrabajista Louis Vola, Django como solista y por la otra estrella del grupo, el violinista parisino Stephane Grappelly, con los que inició un fecundo período de actuaciones y grabaciones.

De unas sesiones realizadas el 31 de enero del año 38 pertenece este tema: "Honeysuckle Rose":

Según se cuenta, a Reinhardt le sobrevino la Segunda Guerra Mundial y la ocupación de París en esa misma ciudad, pero a diferencia de otros ciudadanos de orígen gitano a Django no le ocurrió nada porque fue protegido o respetado como músico, sin que él lo supiera, por ciertos miembros de la jerarquía nazi que admiraban su obra.

Tras la Guerra, llegó a viajar a América y a colaborar brevemente y sin muchos documentos sonoros de aquellos contactos, con grandes nombres del Jazz americano como Dizzy Gillespie o Duke Ellington, dejando una marcada huella en seguidores de su estilo com Wes Montgomery y John McLauglin.Nos despedimos hasta la próxima con un vídeo, una perfecta muestra en movimiento de lo que eran capaces de hacer Django y sus chicos. Elegancia al poder:

Guitarras raras:

Breve Historia:
La primera con la que vamos a inaugurar esta sección es la Gibson Corvus, una guitarra que fue diseñada y producida por esta empresa durante los años ochenta junto a otros modelos como un inteno en esta década para renovar el interés y reactivar comercialmente a Gibson (qué malo tuvo que ser los ochenta para la música si una de las mejores fabricantes de guitarras tenía problemas). La producción fue muy limitada, dándose concretamente entre los años 82 y 84. Puesta en el mercado, recibió críticas por su diseño y unas paupérrimas ventas. Tras ello pasó por las tiendas sin pena ni gloria y se llegó a la decisión de suspender su producción.

Diseño:

En cuanto a su peculiar diseño, la forma de su cuerpo sólido hizo que fuera coloquilamente llamada como "can opener" o abrelatas. La verdad es que tampoco creo que fuera un diseño demasiado extraño (o tan innovador rupturista como para crear una especie de rechazo), teniendo en cuenta que esta marca ya tenía en las tiendas guitarras como la Flying V, Explorer o la Firebird, bastante llamativas y de las que ya hablaremos otro día.

Aquí abajo hay una Corvus junto a otros modelos Gibson y personalmente creo que presentaba una silueta y líneas interesantes, me gusta.

Características:

Sobre este apartado de la Corvus pues poco puedo decir: salvo que por lo que tengo entendido se llegaron a realizar 3 series (Corvus I-II-III) cada una con ciertos componentes distintos, presentando por ello lógicas variaciones en el precio y que no tenía nada que envidiar a otras guitarras Gibson en cuanto a las prestaciones y calidad de sonido.

Arriba un vídeo de un señor mostrando, explicando (bastante mejor que yo) y tocando su Corvus.

Para Finalizar:

Por cierto, debido a lo escaso de las tiradas originales, ahora son piezas de coleccionismo que se relacionan con el nuevo interés que deriva del revival ochentero, así que si alguno tiene una que la guarde, y si no le gusta pues que sepa que la acepto sin ningún problema.

Sabicas:

En el “GG” de hoy vamos a tratar una música que hasta ahora había pasado desapercibida en este blog, por lo que ya llegó la hora de salir fuera de nuestros habituales caminos y pasear por otras sendas, otras veredas...
Este día tenemos con nosotros al que es considerado por muchos el padre de la guitarra española moderna: Sabicas.

De nombre Agustín Castellón Campos, este pamplonés nacido en 1912 demostró su interés y habilidad con la guitarra ya desde bien crío. Con apenas 10 años, tuvo que marchar con su familia a Madrid, donde acabó de conformar un estilo propio que se caracterizaba por la velocidad y la limpieza cristalina de su toque. Un hombre de técnica envidiable que marcó un antes y un después en la guitarra flamenca, siendo seguido y admirado por gente tan importante como el reconocido Paco de Lucía.

El vídeo que hay aquí abajo se llama "Amanecer Árabe" o "Ensueño Árabe" (según las distintas ediciones y si no me he liado) y aparece en el disco del año 72 La Guitarra de Sabicas:



Sin lugar a dudas, entre los méritos de Sabicas de halla el haber sido el pionero del enorme reto (poneos en el contexto de la época para un pobre españolito) que supuso dar a conocer el flamenco fuera de las fronteras de nuestro país, hecho del que se sentía especialmente orgulloso. Así como ser uno de los iniciadores de la guitarra española como instrumento solista y partícipe de la irrupción y consolidación de la guitarra española-clásica dentro del mundo del concertismo.

Huyendo de la Guerra Civil se exilió y marchó a América del Sur, donde realizó varias giras y actuaciones para poder sobrevivir. Durante su periplo, recaló poco más tarde en Estados Unidos y se instaló en Nueva York, ciudad en la que mostró su saber hacer con la guitarra sorprendiendo y atrayendo a numerosos músicos, especialmente del mundo del Jazz, pues no había oído en su vida el sonido y sentimiento de una guitarra española.

En este período Sabicas entró en contacto con otros artistas como el guitarrista especializado en jazz y rock fusión Joe Beck, con el que en el año 66 registró el álbum Rock Encounter, que por su fecha podemos considerar la primera grabación seria de fusión flamenca con Rock de la Historia. Un estilo y manera de hacer que sería continuado posteriormente por los grupos del llamado Rock Andaluz. Es decir, todo un hito para nuestra música y otro mérito que atribuir y reconocer en el maestro.
De este sorprendente y poco conocido trabajo (para la gran mayoría) vamos a escuchar su cuarto corte, "Zambra":

La última aparición de Sabicas con su guitarra fue la colaboración con Enrique Morente en el álbum Nueva York - Granada, editado en 1990. Así pues, para acabar por hoy nos despedimos con una seguiriya incluída en este trabajo llamada "No Soy De Esta Tierra":

Con esto último ponemos punto final al Especial de Sabicas:

Alan Wilson:

En el "GG" de hoy tenemos el inmenso placer de presentar a Alan Wilson, miembro fundador del inigualable grupo de Blues-Rock de los 60 Canned Heat.

Pese a la excelente calidad de este artista, Alan Wilson (conocido entre los miembros de la banda y entre el público como Blind Owl o Búho Ciego debido a lo corto de su vista, al uso de gafas no muy bonitas y por lo feúcho que era, por qué no decirlo) no gozó del reconocimiento individual que desde aquí creemos se merece, aunque bien es cierto que su pérdida en 1970 fue llorada por gran parte de las figuras de la época (Stephen Stills le llegó a dedicar, junto al también fallecido Jimi Hendrix, el álbum Manassas).

Una razón del por qué Alan permaneció en un segundo plano puede ser el haber formado parte de una banda en la que la mayor parte de la atención recalaba en el vocalista, frontam y líder Bob Hite (conocido también como Bear o El Oso debido a su enooooorme tamaño corporal), restando a este gran músico la presencia que debería haber disfrutado.

Ahora vamos a escuchar Amphetamine Annie, tema compuesto por Hite, un hombre que se caracterizaba por una forma de ser y un estilo más enérgico y rápido, para el disco del 68 Boogie With Canned Heat:



Alan Wilson no llegó a registrar ningún disco como solista, pero sí se dedicó a producir y revitalizar la carrera de viejas glorias del Blues como fue el caso de Son House. Además, con Canned Heat nos dejó un gran legado: sus grandísimas cualidades como guitarrista, armonicista y compositor; y una personalidad sensible que venía acompañada de un estilo vocal apocado, frágil e inimitable que se complementaba a la perfección con la rotundidad de Hite, surgiendo de esta contraposición de caracteres unos álbumes estupendos.

Para despedirnos por hoy, vamos a escuchar un tema de sobrecogedora guitarra compuesto e interpretado por Alan para el disco del 69 Hallelujah, llamado Time Was:

Como Bonus tracks, vamos a hacer una excepción con tres tremendas piezas, tres. Sí, menos guitarreras pero igualmente efectivas y redondas: La primera es una canción titulada Mean Old World, original de Little Walter (si tuviera un blog dedicado a la armónica éste sería el primero en aparecer, sin duda) donde Alan sale al airoso y al paso con su voz y su armónica:



La segunda es Going Up The Country, una canción bastante hippiesca que le gustará a un buen amigo mío:



La tercera y final es On The Road Again... ¡¡¡A mí dame Boogie!!!

Pobre Boss:

"Cuando era joven había dos cosas impopulares en mi casa: una era yo y la otra era mi guitarra... Mi padre solía llamarla ´esa maldita guitarra´. Cada vez que golpeaba la puerta eso es todo lo que decía."

"Un día mis padres me dijeron ´Bruce, ha llegado el momento de tomarte la vida en serio. Tu manía con la guitarra está bien como afición, pero necesitas algo a lo que recurrir. Deberías ser abogado. Los abogados controlan el mundo´... Pero yo no creía eso, ni lo creo ahora...

Lo que yo quería era tocar la guitarra."

Chuck Berry:

Hoy tenemos con nosostros no a uno de los pioneros de cualquier género del rock (que está muy bien), si no a uno de los verdaderos pioneros del mismísimo Rock and Roll, Chuck Berry: un gigante que con ya bien entrados los 28 años, inició sus primeras y seminales grabaciones para la legendaria Chess Records.

Este hombre nacido en Saint Louis-Missouri, ha destacado en las tareas de intérprete, guitarrista y compositor de inolvidables y atemporales singles como el que va a sonar ahora: School Day (Ring Ring Goes The Bell), tema procedente de su primer álbum After School Session editado en mayo del 57.


Su música era una síntesis de Country y Blues a la que se sumaba la velocidad, la concisión en los riffs y sobretodo ritmo, mucho ritmo.
Según el propio Chuck Berry, el secreto de su exitoso sonido radicaba en "el Boogie y las melodías simples", nada más y nada menos, influyendo en figuras posteriores como Keith Richards y Angus Young (a parte de la mera influencia estética del "andar de pato", es evidente que la música de Chuck marcó profundamente al guitarrista de ACDC).

El exito que obtuvo Chuck llegó a tal nivel, que a partir de los 70 empezó a salir de giras sin una banda de acompañamiento fija debido a que nuestro protagonista sabía que allá donde fuera, siempre habría un grupo que conociera a la memoria todo su repertorio. Como curiosidad, con este personal sistema de trabajo, el maestro se subía siempre al escenario acompañado de su preciosa Gibson ES-335 para actuar apoyado por la banda local, siendo una de ellas la del por aquél entonces jóven y desconocido Bruce Springsteen.

Además, al no tener así que mantener a una banda fija, con este procedimiento se ahorraba unas cuantas perras que iban directamente a su bolsillo... ¡No sabía nada el viejo Chuck!

Nos despedimos ya con uno de los himnos clásicos de este artistazo, Maybellene: