Dickey Betts:

Hola a todos, pues el microespacio de hoy va dedicado a Forrest Richard Betts: segundo guitarrista, vocalista y miembro fundador de la Allman Brothers Band, mítico grupo de Rock Sureño que se caracterizaba por destacar sobre los demás en cuanto al gran nivel de todos sus miembros, por la calidad de sus composiciones, las inventivas recreaciones de clásicos del Blues y sobre todo por sus legendarios directos –lugar en el que desplegaban insuperables y grandiosas improvisaciones-.

Conocido en el mundo de la música por “Dickey” Betts, conformó junto a Duane Allman –genio del que hablaremos en otro microespacio-, uno de los dúos guitarreros más interesantes del Rock, impactando ya desde el primer disco homónimo editado en 1969.

Los hermanos Allman: Duane a la primera guitarra y Gregg a los teclados y voces eran los líderes de la banda, pero Dickey pronto empezaría a destacar en la faceta de la composición ya en el segundo disco Idlewild South, siendo el autor de una pieza instrumental de aire Jazz que se convirtió en una de las más queridas en los conciertos tanto por los seguidores como por el mismo grupo, pues se convertía en el vehículo idóneo para las improvisaciones y la abrumadora libertad creativa de esta gente…
El tema del que estamos hablando es una de mis canciones favoritas de todos los tiempos, “In Memory Of Elizabeth Reed”:


Según se cuenta, el nombre de esta composición está tomado de la inscripción de una lápida que estaba en el cementerio Rose Hill de Georgia, lugar preferido por algunos de los miembros de la banda para componer y buscar la inspiración… Aunque también se dice que iban allí a hacer otras cosas menos musicales ¿Quién sabe?

En el 71 vio la luz uno de los mejores discos en directo de la Historia del Rock, una exitosa actuación de la Allman Brothers Band realizada en el Fillmore East de Nueva York. Un éxito que se vería truncado pues poco tiempo después uno de los pilares clave de la banda, Duane, falleció en un fatal accidente de moto.
Tras este durísimo golpe el grupo regresó al año siguiente con el álbum “Eat A Peach”, dedicado a la memoria de Duane. Con este emotivo trabajo, Dickey Betts ganó más protagonismo y vio aumentar el número de aportaciones propias, entre la que destaca una romántica composición dirigida a la que era por entonces su novia y más tarde esposa, una nativa americana llamada Sandy “Blue Sky”:


Como las cosas pueden ir siempre de mal a peor, la tragedia recayó de nuevo sobre el grupo en el 73 cuando el bajista Berry Oakley falleció también en un accidente de tráfico, muy similar al de Duane, durante las sesiones de grabación de Brothers And Sisters, disco que volvió a dedicarse a un hermano caído y en el que aparecieron otros clásicos de la banda provenientes de la mano de Dickey, como la dulce y bella instrumental dedicada a su hija “Jessica”:

Ron Asheton:

¡Muy buenas a todos otro mesecito más! Hoy tenemos con nosotros a Ron Asheton. Estruendoso guitarrista que formó parte de los no menos tremendos Stooges, banda de Detroit liderada por el carismático Iggy Pop que se encargó de encabezar y revolucionar el Rock más contundente a finales de los 60.

Como ya vimos hace un tiempo con la pareja guitarrera de los MC5 -Fred "Sonic" Smith y Wayne Kramer-, nuestro Ron Asheton forma parte también del exclusivo grupo de pioneros que sentaron las bases de lo que posteriormente se llamaría Punk: ese movimiento musical y cultural que alcanzaría su momento álgido ya a mediados de los 70.


La guitarra de Ron fue clave en el sonido y vida de los Stooges: soltando a raudales un sonido denso y arrebatador que casaba a la perfección con la actitud y forma de ser e interpretar del por entonces menudo Iggy: básica y salvaje. El resultado de todo esto era simplemente una música ejecutada sin compasión, arrolladora.

Del primer disco que los Stooges publicaron en el 69 con Elektra -una de mis casas discográficas favoritas de aquellos tiempos-, vamos a escuchar una canción que reúne todas las características anteriores y que parece como recién salida de las mismas entrañas. Estamos hablando de "I Wanna Be Your Dog":


Al año siguiente, pese a las escasas ventas y las numerosas críticas negativas, Elektra confió en esta gente y los Stooges lograron llevar a las tiendas un segundo trabajo titulado Fun House, plástico que junto al anterior debut de éstos y con el paso del tiempo, se nos han revelado como dos álbumes imprescindibles en la Historia del Rock...

Y para dejar el especial a Ron Asheton por todo lo alto, nos despedimos hasta la próxima con un caudal de furia y brutalidad inagotable llamado "TV Eye":

Johnny Winter en los madriles:

Una llamada de un amigo, buena compañía y a Madrid que nos fuimos a ver a uno de los grandes grandísimos de Blues-Rock del bueno.

Nunca había estado en la sala Joy Eslava, pero no me resultó extraña: el ambiente era ideal, el aforo abundante e interesante -padres con sus hijos, pijas, abuelos del Rock, señoras con abanicos...-, gente con ganas de puro espectáculo musical -pues nuestro artista no es que moviera mucho las caderas al estilo Beyoncé, aunque sí que hubo fuegos de artificio en sus guitarras-, y unas ganas enormes de presenciar la música de un mito viviente: Johnny Winter.

Y digo unas ganas enormes porque no todos los días se tiene la posibilidad de disfrutar de un clásico de semejante calibre -nos hemos perdido a tantos y tantos artistas que hay que aprovechar cada oportunidad, no dejar pasar ni una-.

A Winter parece que le gusta este país y tiene unas cuantas fechas en las que podemos escuchar su Blues, donde hace un recorrido a su dilatada carrera. En este verano ha fijado unos cuantos bolos por ciudades como Bilbao, Madrid, Córdoba, Valladolid o Barcelona y ya van siendo unos cuantos años los que se lleva pasando por aquí...
Y que no pare la racha.

Al acabar el concierto nos dirijimos al técnico para pedirle ver el track list. Amablemente nos dejó hacerle la foto, pero sin perder de vista el folio, porque según nos contó ya le habían mangado varias listas de canciones -hay gente rara en todos lados-. La historia es que todavía no puedo poner el listado de canciones aquí porque el móvil lo tengo temporalmente fuera de servicio.
Una pena, pero cuando lo tenga se podrá ver claramente que Johnny no vino a la capital a pasearse de forma autocomplaciente -incluso creía que se iba a marcar alguna acústica de tranqui, pero qué equivocado estaba-, si no a arrollarnos con su visceral forma de tocar, con su demoledor Blues y con los clásicos reinterpretados de su ya vasto repertorio como esos "Mojo Blues", "Good Morning Little Schoolgirl" -una de mis canciones favoritas de siempre desde que la escuché por primera vez con los Dead- o la brutal muestra slide del "Highway 61 Revisited" de Dylan, tema donde la banda brilló especialmente por su solidez, precisión, contundencia y con el que cerraron el concierto de forma magistral y abrupta.
¿Para qué seguir hablando cuando se puede escuchar?:



Vídeo grabado por uno de los asistentes al concierto. En Youtube creo que tiene más y se le puede comentar y agradecer.

Cuando empezó a sonar "The End" de los Doors vimos que ya no habría bises ni nada más. Salimos de allí comentando las mejores jugadas, con la impresión de haber visto algo grande y a la vez con ganas de algo más, de más y más clásicos -podrían haber caído "Be Careful With A Fool", "Mean Town Blues", "Black Cat Bone"...- Supongo que esto suele pasar cuando tienes delante a un tío con tanto fondo, y que a no ser que sea Springsteen, que se tira 3 horazas de concierto, pues como que te sabe a poco, pero muy bueno todo eso sí.

Es cierto que la mayoría de la gente ha destacado sus más que evidentes achaques y problemas físicos, pero si nos ponemos a pensar caemos en la cuenta que Johnny Winter incluso cuando era joven nunca fue precisamente un toro o un roble, que las drogas nunca son buenas y que además son 66 tacos -como nuestros abuelos más o menos, vaya- los que luce su melena. Por lo tanto, que Johnny siga con ganas de subirse al escenario, tocar y darnos a conocer su arte es algo muy de agradecer en estos tiempos.

En fin, que el lunes pasó todo lo dicho sobre Johnny: está hecho polvo, tocó sentado, a duras penas puede andar y ver, salió de la Joy Eslava asistido, literalmente en volandas... Pero mientras tuvo su guitarra y especialmente su Gibson Firebird, fue durante una hora y pico el amo del Blues-Rock, todo un titán.

Paco de Lucía:

¡Muy buenas a todos! Hacía tiempo que no retomábamos este blog con más Grandes Guitarristas, pero ya llegó el verano, el tiempo de las vacaciones y del descanso... Y aquí estamos de nuevo.

La estrella de hoy es sin lugar a dudas el guitarrista Flamenco -un estilo poco presente en GG, hecho que reconocemos e intentamos arreglar pues reconocemos su valor- más importante, admirado y reconocido del mundo. Vamos a hablar de Paco de Lucía.

Entre los méritos de Paco de Lucía está el popularizar y difundir el Flamenco no sólo dentro, si no fuera de las fronteras de nuestro país. Además, como es evidente cuando se le escucha, es un virtuoso como intérprete, y como compositor está dotado de un personalísimo estilo y de un gran sentido del ritmo.

La figura de este gaditano ha estado vinculada desde sus inicios a la del otro maestro del Flamenco -pero esta vez a la voz-. Nos referimos al enorme cantaor Camarón de la Isla, al que conoció a finales de los 60, surgiendo de este encuentro una de las uniones más importantes y de más repercusión e impacto de la música espanola de todos los tiempos.

Las primeras muestras de grabaciones de Paco de Lucía junto a Camarón están situadas dentro del Flamenco más ortodoxo y tradicional, y precisamente de la etapa inicial de esta pareja vamos a escuchar una canción que apareció en su álbum de debut del 69: "Al Verte Las Flores Lloran":


Otro éxito de Paco fue el traspasar las fronteras del Flamenco más riguroso -siempre con un conocimiento soberbio de lo que se estaba haciendo y con un escrupulosísimo respeto a los orígenes- y abrir sus puertas a otros estilos, ganándose el respeto de artistas provenientes de distintos mundos musicales como el Jazz. Sírvanos de ejemplo los álbumes que Paco grabó junto a los prestigiosos guitarristas de Jazz y Fusión Al Di Meola y John McLaughlin -del que hablaremos un día-.

Todo este bagaje y peso, le ha hecho ser considerado uno de los precursores del mestizaje Flamenco, un mestizaje que tiempo después trabajarían de forma encomiable grupos y artistas como Pata Negra o Kiko Veneno.

Finalizamos el GG de hoy con la pieza más conocida de nuestro protagonista, incluída en su quinto disco en solitario publicado en el 73, Fuente y Caudal. Una gozosa obligación titulada "Entre Dos Aguas":

Epiphone Coronet:

Historia:
La guitarra de la que vamos a hablar ahora es una de las más simples y bonitas que me he encontrado, sobre todo si es como de las que tenemos imágenes con ese acabado clásico de granates con los golpeadores en blanco...
Estas Epiphone Coronet empezaron a ser fabricadas bajo el amparo de Gibson en torno a 1959, e inicialmente debido a lo barato de su precio, fueron utilizadas como las guitarras eléctricas ideales para aprender y empezar a tocar este instrumento.

Eso es un lujo: bajo precio y toda la calidad de las Gibson. Igual que ahora...

Estética:
Lo que más destaca de estas Epiphone es lo compacto de sus dimensiones -con la consiguiente ligereza y comodidad que ayudaba a los guitarristas novatos-; y como ya hemos dicho, el estilo de sus golpeadores simétricos a modo de alas de mariposa -que eran muy útiles para los guitarristas zurdos- y el brillante color granate sobre maderas de calidad como las caobas...
En cuanto al clavijero suele haber variaciones, dándose ediciones en las que tiene una forma similar a las Les Paul y otras a las Firebird. Para gustos los colores, pero yo me quedo con las segundas.

Prestaciones técnicas y sonido:
La simpleza en este caso se vuelve en un punto a favor: no entiendo mucho de estos componentes, pero su pastilla humbucker, bobina simple, micrófono OBL y demás configura una guitarra muy versátil, de sonido limpio y brillante que hace que últimamente sea utilizada sobre todo para la música Pop.

Usuarios de lujo:
Esta pequena maravilla ha sido utilizada por gente de la categoría de Steve Marriott -guitarrista, vocalista y líder de los magníficos Small Faces-, Ron Wood y ese genio creador y renovador del Rock llamado Pete Doherty*.

Ahí os dejamos con un vídeo casero que demuestra la gran versatilidad y dinamismo de esta coqueta guitarra:



Por cierto, como casi siempre que hablamos de guitarras, quien tenga una Epiphone Coronet original americana, no una de las nuevas que se empezaron a producirse "made in China", que sepa que es un suertudo y tiene una joyita...

* Es broma, que conste en acta:)

El resultado de los grandes guitarristas:

Pues ya acabó la encuesta que planteamos hace ya un tiempo y en la que pedíamos que eligiérais a vuestro guitarrista favorito del llamado "trío clásico del rock". Las respuestas han sido más de las que esperaba y el resultado ha sido abrumador:

Un 61% de las votaciones ha ido a parar a Jimi Hendrix, ese zurdo tan mágico. Su guitarra era fuego y aquí le tenemos en directo en la Isla de Wight, una de sus últimas noches grandes. Su viraje hacia el Funk me parecía prometedor, pero...


El segundo puesto con un 23% es para Jimmy Page. Poco podemos decir de él. Personalmente me parece un fantástico guitarrista, pero su labor como productor me parece superior todavía, pese a ello canciones como la legendaria "Stairway To Heaven" o esta que pongo aquí abajo, le hacen merecer el segundo cajón:


Y el tercer sitio con un 15% va para Eric "Mano Lenta/Dios" Clapton. Quien quiera saber lo que opino de este hombre que se lea la entrada que le dedicamos en su día. Simplemente decir que con el tiempo le he ido apreciando y respetando más. Aquí le mostramos en una grabación cuando colaboró con el jefe John Mayall en su magistral álbum conjunto:


A lo largo del período de votación hemos ido recibiendo mensajes de gente que solicitaba que incluyéramos o excluyéramos a tal o cual guitarrista, pero es que esa no era la intención de la encuesta, si no la de ver quién os parecia el mejor de los que la Historia de la Música ha considerado los tres grandes, simplemente.
Por mi parte hubiera incluído a mis guitarristas favoritos como Albert King, John McLaughlin, Ritchie Blackmore, Johnny Winter... Hay tantos,...pero la intención entonces se hubiera diluído.

La experiencia me ha resultado positiva, intentaré estudiar hacer otras encuestas sobre tipos de guitarras o sobre cuestiones más concretas, ya veremos.

Gracias de veras por vuestra colaboración.

Mick Ronson:

Muy buenas a todos, hoy estoy contento porque vamos a tratar con el respeto y admiración que se merece a Mick Ronson, un verdadero hombre de la música: arreglista, compositor y productor de enorme talento, cantante, y sobre todo y lo que aquí nos interesa, un brillantísimo guitarrista.

La carrera de Mick Ronson está íntimamente ligada a la de David Bowie, en concreto a su exitoso período Glam de principios de la década de los 70, pues no hay que olvidar que fue en cierta manera el artífice y el responsable de la evolución de Bowie de unas maneras que hasta entonces iban por un camino un tanto indefinido -Folk, Psicodelia,...- hacia otras posturas más eléctricas y reconocibles por todos, más exitosas.

Mick Ronson fue una pieza básica para esta progresión musical, clave.

A sus cuerdas e imaginación le debemos además la que es considerada por muchos la Biblia del Glam -que sepan que tenemos muy en cuenta a Marc Bolan y su Electric Warrior- y uno de los mejores discos de la Historia del Rock: Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, con su tremendísima e impactante intervención en directo de "Moonage Daydream":


Ronson colaboró con Bowie en una serie de álbumes que abarcaron del disco Man Who Sold The World del 71, hasta el Pin Ups del 73 y luego de forma más esporádica. Pero aún así, con esta breve discografía Ronson dejó muy claras su senas de identidad, consolidó las claves del Glam-Rock británico y definió su sonido.
Como habrán visto y oído, si en sus labores en el estudio Mick era delicado, técnico y metódico -los perfectos arreglos de canciones tan míticas como "Life On Mars?", "Changes" o "Walk On The Wild Side" de Lou Reed por ejemplo son cosa suya-; cuando subía al escenario se transformaba en un apabullante guitarrista de batalla, donde su fogosa y expresiva guitarra destacaba por derecho propio y por encima de todo, con un gran sentido de lo pirotécnico, del espectáculo de verdad.

Tras este período, Ronson no dejó de colaborar con otros grupos y artistas como Mott The Hoople y Bob Dylan ni más ni menos. Además, no dudó en soltarse y animarse a iniciar su carrera en solitario, con interesantes trabajos como Play Don´t Worry del 75, un álbum en el que aparece la canción con la que nos despedimos por hoy, la majestuosa "Angel Number Nine":