Robert Johnson:

¡Muy buenas a todos! El microespacio de hoy está dedicado a una de las figuras más influyentes en el mundo del Blues: Robert Johnson.

El bluesman Robert Johnson, nacido en 1911 y originario de Misisipi, es una figura clave de este sonido pese a lo corta que fue su vida -no está del todo claro, pero se dice que murió envenenado a manos de un marido celoso cuando sólo contaba con 28 años-, y a su exigua producción -pues apenas llegó a dejar registradas más de 40 canciones, siendo muchas de ellas tomas distintas de un mismo tema.

Un elemento a destacar son sus letras, en las que aparecen tres temáticas constantes y clásicas en el mundo del Blues: lo efímero de la vida y las relaciones humanas, el mundo marginal -pobreza, vagabundeo,...- y los terrores irracionales.

El primer tema que vamos a escuchar es "When You Got A Good Friend":


La vida misma de Robert está rodeada de misterio, de claroscuros... Llegándose a decir que realizó un pacto con el diablo, al que vendió su alma a cambio de tener el don de tocar y cantar el Blues como nadie más en la Tierra... Y esto acabó casi por ser cierto, pues ha terminado siendo conocido como el Rey del Blues del Delta y por ello pasando a la leyenda, a la inmortalidad.

Y siguiendo con esta historia ¿dónde dice la tradición que se deben realizar los pactos con el diablo?
Pues en los cruces de camino... O "Crossroads":


La razón de tratar a Robert Johnson es que pese a lo tradicional de su música y escasa producción, la calidad de la misma y la increíble técnica y forma de tocar de este hombre, se ha convertido en un legado importantísimo para el desarrollo de la música popular del siglo XX en adelante y más concretamente en el Blues y Rock, al convertirse en un referente básico y capital para artistas del tamaño de Eric Clapton, Muddy Waters o Keith Richards y los Rolling Stones.

Os dejamos ya hasta la próxima con un tema muy versionado y que reconoceréis si sois seguidores de los Blues Brothers, "Sweet Home Chicago":

Hohner - Headless Guitar:

¡Iniciamos el mes de octubre con un especial Guitarras Raras!

Hohner Inc. es una empresa bastante conocida, dedicada sobre todo a la construcción de instrumentos como las armónicas y los acordeones, pero como toda buena empresa del siglo XX y XXI, la diversificación se ha convertido en una obligación y de ahí que empezaran a producir el instrumento por excelencia en este blog: la guitarra eléctrica.


Hohner inició la producción de una guitarra eléctrica en los años 80 con la intención de ampliar su negocio y también para romper con la tradición y los moldes estéticos establecidos en las décadas anteriores…

…Y a fe que lo lograron. Utilizando con licencia los modelos diseñados por el luthier Ned Steinberger y siguiendo su leitmotiv “nosotros no lo hacemos como ellos”, Hohner sacó a las tiendas la llamada headless guitar -es decir, las guitarras sin clavijero y con un cuerpo reducido a la mínima expresión-.

He de decir que es uno de los diseños de guitarra que más me desagradan, es algo parecido a una especie de antidiseño. Cuando observo alguna imagen de una G3T –que así se llama una de las series de guitarras sin clavijero y cuerpo de Hohner- me invade la sensación de un abandono total y una despreocupación por la estética, las líneas, el arte… Aunque es posible que otras personas lo vean totalmente contrario. Lo admiren como el minimalismo llevado a un instrumento musical.

Los bajos eléctricos también tienen su espacio aquí. Es más, la primera vez que Steinberger construyó este instrumento sin clavijero lo hizo pensando en un bajo... Ahí tenemos uno de 5 cuerdas.

Sea como sea, estas formas/no formas han sido utilizadas por otras empresas y constructores musicales para su propio beneficio, como es el caso de las Erlewine Guitars con su serie Lazer -utilizada por el maestro del Blues Johnny Winter- y las llamadas Chapman Stick –que es un instrumento a medio camino entre la guitarra, el bajo y una pala de cricket-.

De cualquier manera, desde Hohner se hace hincapié en otros valores de esta guitarra como por ejemplo lo increíble de su ergonomía y comodidad de utilización –no es aparatosa, no hay molestias, es ligera gracias a la utilización de fibras de carbono…-, así como la versatilidad que ofrece en cuanto a la variedad de estilos musicales con los que se adapta a la perfección.

Ahora sólo queda escuchar esta guitarra en pleno rendimiento:

Dickey Betts:

Hola a todos, pues el microespacio de hoy va dedicado a Forrest Richard Betts: segundo guitarrista, vocalista y miembro fundador de la Allman Brothers Band, mítico grupo de Rock Sureño que se caracterizaba por destacar sobre los demás en cuanto al gran nivel de todos sus miembros, por la calidad de sus composiciones, las inventivas recreaciones de clásicos del Blues y sobre todo por sus legendarios directos –lugar en el que desplegaban insuperables y grandiosas improvisaciones-.

Conocido en el mundo de la música por “Dickey” Betts, conformó junto a Duane Allman –genio del que hablaremos en otro microespacio-, uno de los dúos guitarreros más interesantes del Rock, impactando ya desde el primer disco homónimo editado en 1969.

Los hermanos Allman: Duane a la primera guitarra y Gregg a los teclados y voces eran los líderes de la banda, pero Dickey pronto empezaría a destacar en la faceta de la composición ya en el segundo disco Idlewild South, siendo el autor de una pieza instrumental de aire Jazz que se convirtió en una de las más queridas en los conciertos tanto por los seguidores como por el mismo grupo, pues se convertía en el vehículo idóneo para las improvisaciones y la abrumadora libertad creativa de esta gente…
El tema del que estamos hablando es una de mis canciones favoritas de todos los tiempos, “In Memory Of Elizabeth Reed”:


Según se cuenta, el nombre de esta composición está tomado de la inscripción de una lápida que estaba en el cementerio Rose Hill de Georgia, lugar preferido por algunos de los miembros de la banda para componer y buscar la inspiración… Aunque también se dice que iban allí a hacer otras cosas menos musicales ¿Quién sabe?

En el 71 vio la luz uno de los mejores discos en directo de la Historia del Rock, una exitosa actuación de la Allman Brothers Band realizada en el Fillmore East de Nueva York. Un éxito que se vería truncado pues poco tiempo después uno de los pilares clave de la banda, Duane, falleció en un fatal accidente de moto.
Tras este durísimo golpe el grupo regresó al año siguiente con el álbum “Eat A Peach”, dedicado a la memoria de Duane. Con este emotivo trabajo, Dickey Betts ganó más protagonismo y vio aumentar el número de aportaciones propias, entre la que destaca una romántica composición dirigida a la que era por entonces su novia y más tarde esposa, una nativa americana llamada Sandy “Blue Sky”:


Como las cosas pueden ir siempre de mal a peor, la tragedia recayó de nuevo sobre el grupo en el 73 cuando el bajista Berry Oakley falleció también en un accidente de tráfico, muy similar al de Duane, durante las sesiones de grabación de Brothers And Sisters, disco que volvió a dedicarse a un hermano caído y en el que aparecieron otros clásicos de la banda provenientes de la mano de Dickey, como la dulce y bella instrumental dedicada a su hija “Jessica”:

Ron Asheton:

¡Muy buenas a todos otro mesecito más! Hoy tenemos con nosotros a Ron Asheton. Estruendoso guitarrista que formó parte de los no menos tremendos Stooges, banda de Detroit liderada por el carismático Iggy Pop que se encargó de encabezar y revolucionar el Rock más contundente a finales de los 60.

Como ya vimos hace un tiempo con la pareja guitarrera de los MC5 -Fred "Sonic" Smith y Wayne Kramer-, nuestro Ron Asheton forma parte también del exclusivo grupo de pioneros que sentaron las bases de lo que posteriormente se llamaría Punk: ese movimiento musical y cultural que alcanzaría su momento álgido ya a mediados de los 70.


La guitarra de Ron fue clave en el sonido y vida de los Stooges: soltando a raudales un sonido denso y arrebatador que casaba a la perfección con la actitud y forma de ser e interpretar del por entonces menudo Iggy: básica y salvaje. El resultado de todo esto era simplemente una música ejecutada sin compasión, arrolladora.

Del primer disco que los Stooges publicaron en el 69 con Elektra -una de mis casas discográficas favoritas de aquellos tiempos-, vamos a escuchar una canción que reúne todas las características anteriores y que parece como recién salida de las mismas entrañas. Estamos hablando de "I Wanna Be Your Dog":


Al año siguiente, pese a las escasas ventas y las numerosas críticas negativas, Elektra confió en esta gente y los Stooges lograron llevar a las tiendas un segundo trabajo titulado Fun House, plástico que junto al anterior debut de éstos y con el paso del tiempo, se nos han revelado como dos álbumes imprescindibles en la Historia del Rock...

Y para dejar el especial a Ron Asheton por todo lo alto, nos despedimos hasta la próxima con un caudal de furia y brutalidad inagotable llamado "TV Eye":

Johnny Winter en los madriles:

Una llamada de un amigo, buena compañía y a Madrid que nos fuimos a ver a uno de los grandes grandísimos de Blues-Rock del bueno.

Nunca había estado en la sala Joy Eslava, pero no me resultó extraña: el ambiente era ideal, el aforo abundante e interesante -padres con sus hijos, pijas, abuelos del Rock, señoras con abanicos...-, gente con ganas de puro espectáculo musical -pues nuestro artista no es que moviera mucho las caderas al estilo Beyoncé, aunque sí que hubo fuegos de artificio en sus guitarras-, y unas ganas enormes de presenciar la música de un mito viviente: Johnny Winter.

Y digo unas ganas enormes porque no todos los días se tiene la posibilidad de disfrutar de un clásico de semejante calibre -nos hemos perdido a tantos y tantos artistas que hay que aprovechar cada oportunidad, no dejar pasar ni una-.

A Winter parece que le gusta este país y tiene unas cuantas fechas en las que podemos escuchar su Blues, donde hace un recorrido a su dilatada carrera. En este verano ha fijado unos cuantos bolos por ciudades como Bilbao, Madrid, Córdoba, Valladolid o Barcelona y ya van siendo unos cuantos años los que se lleva pasando por aquí...
Y que no pare la racha.

Al acabar el concierto nos dirijimos al técnico para pedirle ver el track list. Amablemente nos dejó hacerle la foto, pero sin perder de vista el folio, porque según nos contó ya le habían mangado varias listas de canciones -hay gente rara en todos lados-. La historia es que todavía no puedo poner el listado de canciones aquí porque el móvil lo tengo temporalmente fuera de servicio.
Una pena, pero cuando lo tenga se podrá ver claramente que Johnny no vino a la capital a pasearse de forma autocomplaciente -incluso creía que se iba a marcar alguna acústica de tranqui, pero qué equivocado estaba-, si no a arrollarnos con su visceral forma de tocar, con su demoledor Blues y con los clásicos reinterpretados de su ya vasto repertorio como esos "Mojo Blues", "Good Morning Little Schoolgirl" -una de mis canciones favoritas de siempre desde que la escuché por primera vez con los Dead- o la brutal muestra slide del "Highway 61 Revisited" de Dylan, tema donde la banda brilló especialmente por su solidez, precisión, contundencia y con el que cerraron el concierto de forma magistral y abrupta.
¿Para qué seguir hablando cuando se puede escuchar?:



Vídeo grabado por uno de los asistentes al concierto. En Youtube creo que tiene más y se le puede comentar y agradecer.

Cuando empezó a sonar "The End" de los Doors vimos que ya no habría bises ni nada más. Salimos de allí comentando las mejores jugadas, con la impresión de haber visto algo grande y a la vez con ganas de algo más, de más y más clásicos -podrían haber caído "Be Careful With A Fool", "Mean Town Blues", "Black Cat Bone"...- Supongo que esto suele pasar cuando tienes delante a un tío con tanto fondo, y que a no ser que sea Springsteen, que se tira 3 horazas de concierto, pues como que te sabe a poco, pero muy bueno todo eso sí.

Es cierto que la mayoría de la gente ha destacado sus más que evidentes achaques y problemas físicos, pero si nos ponemos a pensar caemos en la cuenta que Johnny Winter incluso cuando era joven nunca fue precisamente un toro o un roble, que las drogas nunca son buenas y que además son 66 tacos -como nuestros abuelos más o menos, vaya- los que luce su melena. Por lo tanto, que Johnny siga con ganas de subirse al escenario, tocar y darnos a conocer su arte es algo muy de agradecer en estos tiempos.

En fin, que el lunes pasó todo lo dicho sobre Johnny: está hecho polvo, tocó sentado, a duras penas puede andar y ver, salió de la Joy Eslava asistido, literalmente en volandas... Pero mientras tuvo su guitarra y especialmente su Gibson Firebird, fue durante una hora y pico el amo del Blues-Rock, todo un titán.

Paco de Lucía:

¡Muy buenas a todos! Hacía tiempo que no retomábamos este blog con más Grandes Guitarristas, pero ya llegó el verano, el tiempo de las vacaciones y del descanso... Y aquí estamos de nuevo.

La estrella de hoy es sin lugar a dudas el guitarrista Flamenco -un estilo poco presente en GG, hecho que reconocemos e intentamos arreglar pues reconocemos su valor- más importante, admirado y reconocido del mundo. Vamos a hablar de Paco de Lucía.

Entre los méritos de Paco de Lucía está el popularizar y difundir el Flamenco no sólo dentro, si no fuera de las fronteras de nuestro país. Además, como es evidente cuando se le escucha, es un virtuoso como intérprete, y como compositor está dotado de un personalísimo estilo y de un gran sentido del ritmo.

La figura de este gaditano ha estado vinculada desde sus inicios a la del otro maestro del Flamenco -pero esta vez a la voz-. Nos referimos al enorme cantaor Camarón de la Isla, al que conoció a finales de los 60, surgiendo de este encuentro una de las uniones más importantes y de más repercusión e impacto de la música espanola de todos los tiempos.

Las primeras muestras de grabaciones de Paco de Lucía junto a Camarón están situadas dentro del Flamenco más ortodoxo y tradicional, y precisamente de la etapa inicial de esta pareja vamos a escuchar una canción que apareció en su álbum de debut del 69: "Al Verte Las Flores Lloran":


Otro éxito de Paco fue el traspasar las fronteras del Flamenco más riguroso -siempre con un conocimiento soberbio de lo que se estaba haciendo y con un escrupulosísimo respeto a los orígenes- y abrir sus puertas a otros estilos, ganándose el respeto de artistas provenientes de distintos mundos musicales como el Jazz. Sírvanos de ejemplo los álbumes que Paco grabó junto a los prestigiosos guitarristas de Jazz y Fusión Al Di Meola y John McLaughlin -del que hablaremos un día-.

Todo este bagaje y peso, le ha hecho ser considerado uno de los precursores del mestizaje Flamenco, un mestizaje que tiempo después trabajarían de forma encomiable grupos y artistas como Pata Negra o Kiko Veneno.

Finalizamos el GG de hoy con la pieza más conocida de nuestro protagonista, incluída en su quinto disco en solitario publicado en el 73, Fuente y Caudal. Una gozosa obligación titulada "Entre Dos Aguas":

Epiphone Coronet:

Historia:
La guitarra de la que vamos a hablar ahora es una de las más simples y bonitas que me he encontrado, sobre todo si es como de las que tenemos imágenes con ese acabado clásico de granates con los golpeadores en blanco...
Estas Epiphone Coronet empezaron a ser fabricadas bajo el amparo de Gibson en torno a 1959, e inicialmente debido a lo barato de su precio, fueron utilizadas como las guitarras eléctricas ideales para aprender y empezar a tocar este instrumento.

Eso es un lujo: bajo precio y toda la calidad de las Gibson. Igual que ahora...

Estética:
Lo que más destaca de estas Epiphone es lo compacto de sus dimensiones -con la consiguiente ligereza y comodidad que ayudaba a los guitarristas novatos-; y como ya hemos dicho, el estilo de sus golpeadores simétricos a modo de alas de mariposa -que eran muy útiles para los guitarristas zurdos- y el brillante color granate sobre maderas de calidad como las caobas...
En cuanto al clavijero suele haber variaciones, dándose ediciones en las que tiene una forma similar a las Les Paul y otras a las Firebird. Para gustos los colores, pero yo me quedo con las segundas.

Prestaciones técnicas y sonido:
La simpleza en este caso se vuelve en un punto a favor: no entiendo mucho de estos componentes, pero su pastilla humbucker, bobina simple, micrófono OBL y demás configura una guitarra muy versátil, de sonido limpio y brillante que hace que últimamente sea utilizada sobre todo para la música Pop.

Usuarios de lujo:
Esta pequena maravilla ha sido utilizada por gente de la categoría de Steve Marriott -guitarrista, vocalista y líder de los magníficos Small Faces-, Ron Wood y ese genio creador y renovador del Rock llamado Pete Doherty*.

Ahí os dejamos con un vídeo casero que demuestra la gran versatilidad y dinamismo de esta coqueta guitarra:



Por cierto, como casi siempre que hablamos de guitarras, quien tenga una Epiphone Coronet original americana, no una de las nuevas que se empezaron a producirse "made in China", que sepa que es un suertudo y tiene una joyita...

* Es broma, que conste en acta:)