¡¡¡Por Fin Tenemos Reproductor!!!

Tras largas luchas con el ordenador, largas horas intentando conseguir poner un reproductor o podcast con los Microespacios, por fin lo he logrado... Sí, espero que ayude a complementar si se puede un poco más la labor del Blog y a que lo escuche gente que no ha podido hecerlo en su momento.
El orden en que han ido apareciendo los Grandes Guitarristas en el Blog no es el que se ha seguido en la emisión por radio, por lo tanto iréis encontrando carencias cuando escuchéis los primeros programillas que hicimos (los nervios, la inexperiencia y esas cosas) que vamos solucionando poco a poco. Sed clementes y espero que os guste.

Robbie Robertson:

Hola a todos, en esta última entrada del año el protagonista del GG no es otro que Robbie Robertson: guitarrista, compositor y líder del legendario grupo canadiense The Band.

La guitarra de Robbie se caracterizó por poseer un sonido claro, sobrio y sencillo que huía de todo lo pretencioso y excesivo, de las estridencias... De acuerdo a la línea general y personalidad propia de La Banda.

Su primeros pasos como profesional vienen de la mano del cantante Ronnie Hawkins, con quien participó como guitarrista dentro de su banda de apoyo, llamada The Hawks y donde coincidió con Rick Danko, Richard Manuel, Levon Helm (para mi gusto uno de los bateristas con más clase y sensibilidad de este mundillo) y Garth Hudson. Todos ellos unos multiinstrumentistas y músicos de primera, con los que más tarde formaría The Band.
De aquél período, año 61, pertenece esta grabación, una versión de un tema de Muddy Waters titulada Nineteen Years Old:



Tras separarse profesionalmente de Hawkins, Robbie y el resto de sus compañeros iniciaron el camino en solitario bajo nombres tan dispares como The Canadian Squires o Levon Helm And The Hawks... logrando tan sólo publicar algunos singles sueltos, sin mucho éxito.

1965-66 se convirtió en el período clave para estos musicazos, pues ocuparon los puestos como la banda de apoyo de Bob Dylan durante su histórica y polémica gira eléctrica, convirtiéndose Robertson y sus chicos en un elemento importante en la evolución de Dylan hacia la amplificación sonora y hacia posturas más Rock, dando un enorme paso hacia delante en la cultura musical popular, aunque ello significara romper los esquemas de los pobres puristas folkies...

De esta gira vamos a escuchar un tema grabado en Manchester y no en el Royal Albert Hall de Londres, como indican erróneamente las grabaciones piratas que de aquél concierto se realizaron.

Aquí tenemos una eléctrica Baby Let Me Follow You Down:

Tras esta importante gira, siguieron una serie de sesiones registradas y conocidas como The Basement Tapes y la grabación del exitoso primer disco de The Band, publicado en el 68 bajo el título de Music From Big Pink.

Progresivamente Robbie Robertson y la banda se fueron desligando de la influencia directa del de Duluth y publicaron un segundo disco, que resultó también muy bien recibido por la crítica y el público, confirmándoles como uno de los grupos musicales más admirados y queridos de norteamérica.

En este segundo álbum del 69, titulado simplemente The Band, aparece el tema con el que cerramos el año, Jemima Surrender:



Que tengan una muy buena salida y entrada de año.

Gibson Les Paul:

Su Historia
La Gibson Les Paul fue diseñada por Ted McCarty, el presidente de Gibson, con la colaboración del músico e inventor Lester William Polsfuss, más conocido por todos como Les Paul. Aunque popularmente se cree que fue Les Paul quien la diseñó, en realidad sólo colaboró en algunos detalles: construyó una guitarra de cuerpo macizo y con un tablón en el centro donde estaban montados el puente, el mástil y las pastillas dobles. De hecho, el prototipo de esta guitarra se considera el primero de una guitarra de cuerpo sólido a partir de un modelo de guitarra clásica.

En un principio, la firma Gibson rechazó el modelo, pues no veían mucho futuro comercial a la idea - una prueba más de la agudeza de ciertos empresarios:) -. Sin embargo, Fender, que luego se convertiría en su mayor competencia lanzó al mercado la Telecaster, la primera guitarra eléctrica exitosa con cuerpo macizo, por lo que entonces la gente de Gibson se decidió a fabricarla, pero las ventas iniciales de este modelo comparadas con otros de cuerpo semi-sólido como la Gibson ES-335, enfocada al blues fueron bastante pobres, y la sacaron del mercado.

Pese a todo, a finales de los 50, la guitarra Gibson gozaba de cierta popularidad, y era utilizada por bastantes músicos de rock 'n' roll. La introducción de las pastillas humbuckers de bobina doble diseñadas en 1957 dio el empujón definitivo a las Les Paul, cuyas ventas y reputación se han mantenido a lo largo de casi cinco décadas, con un paréntesis en su producción (1960-67).

Las Gibson Les Paul fabricadas entre 1957 - 59 se encuentran entre las más caras del mundo, siendo objeto de pasión entre los coleccionistas. Como ejemplo, una Gibson Les Paul Standard de 1959 puede valer cientos de miles de euros. Si tienes una, ya sabes...

Existen numerosísimas series y variantes de la Les Paul como el modelo Studio, el Standard y el Custom, que son los más producidos. Existen también líneas "signature", esponsorizados y diseñados por guitarristas más o menos populares como el caso de Zakk Wilde (guitarrista de Ozzy Osbourne y de Black Label Society)

Famosos usuarios del modelo les paul son Jimmy Page de Led Zeppelin, Duane Allman de The Allman Brothers Band, Slash ex Guns N' Roses, Stone Gossard de Pearl Jam, Robert Fripp de King Crimson, Billy Gibbons de ZZ Top, John Fogerty , Carlos Santana, Mick Ronson, Marc Bolan de T. Rex... La lista es interminable.



Diseño y Sonido de la Les Paul
El pesado cuerpo de la Les Paul está formado en la mayoría de los modelos por una base de dos piezas de caoba, que le da un timbre cálido y denso, y una tapa de arce tallada, que aporta mayor definición al sonido. Otra particularidad es el mástil, que aparece encolado en vez de ser atornillado. Éste es también de caoba, y puesto que se trata de una madera porosa y relativamente blanda, presenta un perfil cercano al de una guitarra española, mucho más grueso y cuadrado. Esto también hace que el mástil sea el punto débil de la guitarra: es muy difícil sustituir un mástil encolado, y la caoba puede romperse con más facilidad que el arce empleado en otros mástiles.
El sonido de la Gibson Les Paul es lleno y con predominio de las frecuencias medias-graves. Esto, junto a la mayor duración de la nota que proporciona el conjunto de sus elementos (bending, debido a que su mástil es más corto que el de otras guitarras) la han hecho muy popular entre los aficionados al rock clásico, y una de las guitarras más vendidas desde la invención de la guitarra eléctrica. Los acordes suenan bien empastados, y las líneas melódicas presentan un carácter oscuro y cálido.
Una desventaja es que los trastes más agudos son difíciles de alcanzar en comparación con otras guitarras, hecho que se debe a la anchura del cuerpo. Y otra desventaja notable es que el puente fijo, pese a proporcionar más duración a la nota, reduce la posibilidad de crear sonidos y efectos diferentes... Hay más datos técnicos y eso que como no los entiendo del todo, pues no los pongo.

Si queréis tocar la guitarra como Dios manda y tenéis dinero y estilo -más de lo primero que de lo segundo- ¡¡¡pilláos una de estas y a darle!!!

Dave Davies:

Buenas a todos, hoy tenemos con nosotros a uno de los protagonistas y responsables de eso que se llegó a llamar la "Invasión Británica".
Estamos hablando, como bien señala el título, de Dave Davies: guitarrista (no podía ser de otra forma en este blog) cantante y compositor de los imprescindibles Kinks. Aunque hay que decir que su aportación en la banda estuvo siempre un poco restringida o ensombrecida por la figura de su hermano mayor y también miembro de los Kinks, el genial Ray Davies.

Dave y los riffs de su guitarra se encuentran aquí, entre los grandes, por ser como he dicho antes un poco más arriba, uno de los pioneros casi a principios de los 60 del sonido cortante, distorsionado y potente del Hard Rock. Ahí es nada, amigos.
Sobre cómo Dave desarrolló ese sonido característico de los Kinks hay muchas historias. Una de ellas dice que lo logró experimentando en su casa tras unir los cables de unos cuantos pequeños amplificadores y altavoces de su casa, ensayo que desembocó en un exito musical y en un merecidísimo calambrazo...
Siempre se ha dicho que los experimentos con gaseosa, pero menos mal que hay gente valiente que no hace caso a nada ni a nadie...

Del primer disco que editaron los Kinks en el año 64 con la discográfica PYE, vamos a poner el single más conocido de la banda, un verdadero número uno. Estamos hablando ni más ni menos de la canción You Really Got Me:

El sonido de los primeros Kinks y de la maravillosa guitarra de Dave bebía directamente de Rythm and Blues y Rock and Roll americano y del pop de tradición británica, aunque con esa marca de la casa más desenfadada, primitiva y garajera. Una sonoridad que derivaría más tarde en discos posteriores hacia terrenos más poperos (siempre en el buen sentido de la palabra), suaves y cuidados en discos como Something Else y Village Green Preservation Society.

Vamos a echar el cierre ya con otro tema del primer álbum en el que Dave y los Kinks demostraron su valía, una especie de continuación o segunda parte del You Really Got Me titulada All Day And All Of The Night:

Me estoy acostumbando a esto de los Bonus Track, y el de hoy es de auténtico lujo. Una verdadera obra maestra de la composición protagonizada por unos Kinks ya en su fase pop que recibe el nombre de Waterloo Sunset:

Fender Telecaster.

Jorma Kaukonen:

Hoy tenemos en nuestro blog a Jorma Kaukonen, uno de los máximos representantes de ese sonido ácido y lisérgico que se daba allá por los años 60. Un guitarrista que formó parte de una de las agrupaciones más emblemáticas del período psicodélico americano: ¡¡¡Jefferson Airplane!!!.

La distintiva guitarra de Jorma bebía directamente del rock más vitalista y efervescente del momento por un lado y de la tradición del folk americano y del blues por otro, elementos éstos últimos más patentes en sus trabajos con Hot Tuna -banda paralela formada con miembros de Jefferson Airplane- y en solitario.

En el disco del 67 Surrealistic Pillow tenemos unas cuantas buenas muestras de ese gusto por lo acústico que hemos señalado ahí arriba. Una de ellas es este Embryonic Journey, pero aquí en una emotiva versión realizada durante la ceremonia de la introducción de Jefferson Airplane en el Salón de la Fama del Rock and Roll:

De este álbum, Surrealistic Pillow destacan temas como Today -una grandiosa canción que parece ser que se utiliza en los USA en las celebraciones de bodas-, Comin´ Back To Me -del mismo estilo-, White Rabbit -poco podemos decir de ella, sólo hay que escucharla- o ese himno generacional conocido como Somebody To Love:

Tras el éxito que obtuvieron con este álbum, ese mismo año volvieron a las tiendas y a los conciertos con otro trabajo llamado After Bathing At Baxter´s, que la verdad es que no tenía las grandes canciones del anterior disco, pero que nos mostraban a la banda en un gran nivel en cuanto a la conexión musical entre Jorma, el también guitarrista Paul Kantner, el bajista Jack Cassidy, el baterista Spencer Dryden y la voz de la preciosa Grace Slick.

En el 68, con Crown of Creation -para mí la mejor obra de su discografía- creo que alcanzaron su máximo apogeo artístico. De éste álbum vamos a poner el tema If You Feel, en el que hacen acto de presencia la sensacional voz de Marty Balin y la ardiente guitarra -con pedal Wah Wah incluído- de Jorma Kaukonen:

Como bonus track vamos a ver a Jefferson Airplane y Jorma en el festival de Woodstock interpretando una mágica canción con la que se cerraba After Bathing At Baxter´s, titulada Won´t You Try/Saturday Afternoon:

¡¡¡Hasta la próxima!!!

Epiphone Casino.

Eric Clapton:

Hey a todos, este mes empezamos con uno de los clásicos: Eric "Mano Lenta" Clapton, o como le llamaban sus paisanos hace unas cuantas décadas: Dios.

Es este hombre tan conocido, que vamos a obviar un poco su vida -para eso estará su página web o la Wikipedia-, y nos vamos a centrar en lo que creo que son las características más importantes de este guitarrista, y en su música, que es de lo que trata al fin y al cabo el blog.

La grandeza de este guitarrista radica en que fue una de las figuras clave en el desarrollo de la música popular moderna por su labor a la hora de aunar la tradición del blues con las novedades procedentes del rock de mediados y finales de los 60.
Esto a lo mejor no parece tan importante a primera vista o no se tiene muy en cuenta, pero hay que reconocer que fue de los primeros en cultivar esta nueva música en Gran Bretaña para de nuevo devolverla a Estados Unidos, donde germinaría con un poder y una violencia increíble, llegando después a todos los rincones del mundo.
Un ejemplo de la categoría que tenía Clapton en estos años es la anécdota que se cuenta de un todavía desconocido Jimi Hendrix, que aceptó ir a Inglaterra -dónde se empezaría a dar a conocer y grabaría sus discos- bajo la condición de poder conocer personalmente a Clapton, al que admiraba enormemente.

Ora cosa, Clapton formó parte de bandas de un calibre enorme como los seminales Yardbirds -donde participaron además Jimmy Page y Jeff Beck-, los Bluesbreakers de John Mayall -la escuela y el padre del Blues blanco por excelencia- o Cream -qué decir de ellos-.
De su breve etapa con John Mayall, pues sólo realizaron un álbum conjunto en el 66, vamos a escuchar el tema Key To Love:



¿Sabéis qué? Me gusta tanto este disco y se me ha hecho tan corto, que aquí os pongo otro corte, All Your Love:



Toda esta carrera musical de Clapton hasta finales de los 70 es bastante interesante y se debe tener en cuenta, pero posteriormente con sus trabajos en solitario, los producidos por Phill Collins... empezaron los altibajos en el aspecto creativo.

Aunque desde ya hace tiempo hay una corriente de opinión sobre Eric que piensa que es un artista bastante sobrevalorado -entre la que me incluía-, hay que recordar la importancia de lo señalado unos párrafos más arriba y destacar además que la influencia que ha ejercido sobre guitarristas posteriores y coetáneos es incalculable.

Cerramos el capítulo de hoy dedicado a Eric Clapton, con un tema de su época con el supergrupo Cream, perteneciente al disco del 67 Disraeli Gears y llamado Crossroads:

Fender Stratocaster.

Eric Bell:

Otro mes, otro guitarrista.
El espacio de hoy está dedicado a Eric Bell, guitarrista y miembro fundador de Thin Lizzy, infravalorado grupo irlandés liderado por el carismático cantante-bajista-compositor Phill Lynott (si tuviera un blog dedicado a los artistas más grandes del rock él estaría ahí, sin duda).

Eric Bell forma parte de ese grupo de guitarristas de grandísimo nivel pero que quedan relegados a una segunda fila en cuanto a popularidad o reconocimiento. Casos hay muchos, pero para eso estamos nosotros.
Eric se crió en la Belfast de los sesenta donde formó parte de bandas como Them, Shades of Blue y The Dreams, por lo tanto su categoría es clara.

Thin Lizzy, pese a estar encuadrada dentro del Rock Duro de principios de los 70 y convertirse en una banda referente de los futuros grupos "jevis", musical y estilísticamente no estaban encorsetados y gozaban de unas miras muy amplias trascendiendo más allá de los géneros, por lo que en sus discos se aprecia el gusto por lo acústico, el folk de su tierra y el Blues: sonidos muy presentes en los tres primeros discos en los que participó Eric.

En el año 71 grabaron en menos de cuatro días lo que iba a ser su primer disco grande, que consiguieron editar en una buena compañía subsidiaria de la Decca (la Deram). Titulado con el nombre de la banda, serviría para darles a conocer merecidamente pues incluía temas interesantes como este Look What The Wind Blew In, en el que aparecen un Eric Bell a la guitarra y un Brian Downey a la batería mostrando un gran estado de forma:



Después de su segundo disco del 72 Shades Of A Blue Orphanage, que lucía bellos cortes como Sarah o Brought Down, iniciaron un nuevo proyecto: la banda paralela Funky Junction con la que sacaron un álbum tributo en el que pasaban revista a todos los exitos de Deep Purple -un disco interesante y raro que estoy buscando, si alguien lo tiene por ahí abandonado y lo quiere donar a la ciencia, ya conoce esta dirección...:) -.


Tras este curioso escarceo, iniciaron el tercer asalto con el grabación de Vagabonds Of The Western World. La historia dice que antes de que el plástico saliera a las tiendas, la discográfica decidió sacar por su cuenta un single de adelanto con la intención de captar nuevo público, hecho que disgustó a la banda debido a que creían que el tema elegido era interesante pero que no iba muy en la línea musical que querían desarrollar. Lo que no sabía es que ese single, una canción tradicional irlandesa en clave de rock llamada Whiskey In The Jar, se convertiría en un clásico instantáneo:



Este sería el útimo tabajo de Eric con el grupo.
Ya sin él, el sonido de Thin Lizzy se hizo más duro y el vacío de su puesto sería ocupado por dos guitarristas... Pero antes Eric pudo dejar impresa su guitarra en grandes canciones como The Rocker o con la que nos despedimos por hoy, la nebulosa Little Girl In Bloom (mi favorita de la banda de Phill Lynott) aquí en directo y con una capa más acentuada de misterio y esa contraposición tensión-suavidad que tanto me gusta...



Recomendada la versión en estudio. ¡¡¡¡Hastalueguín!!!!

Jerry García:

Hoy tenemos el placer de hablar de Jerry García: icono de la música y del movimiento contracultural norteamericano de los años 60 que tenía como base de operaciones la emergente y bulliciosa área de San Francisco.

Lo que a mi parecer hace aún más interesante a este músico es que la importancia de su figura no radica tanto en su saber hacer con la guitarra -que estaba fuera de toda duda-, sino en su papel como representante de toda una época.

El valor de Jerry como nexo de unión y cabeza del movimiento hippie se aprecia en las constantes y numerosas colaboraciones musicales o "espirituales" -tanto en solitario como acompañado de su gran banda Grateful Dead- con importantísimos grupos y artistas del momento tales como los Jefferson Airplane, Crosby Stills and Nash, Bob Dylan,... Casi nada, oigan.

En el 67 salió a la luz Grateful Dead, a mi parecer un muy buen disco de presentación que recoge y une los elementos que se harán característicos en Jerry y compañía -Rock Ácido, Folk, Country y Blues-, y que pese a tener un sonido muy crudo, poco pulido, todavía indefinido y no haber sido muy bien acogido en un primer momento en cuanto a ventas, sí que contaba con grandísimos temas como este "The Golden Road (To Unlimited Devotion)" con la que abrían el disco:


Poco a poco y concierto tras concierto -el hábitat natural de estas bestias del escenario- lograron ganarse el respeto y la admiración de la crítica y del público, convirtiéndose en una de las bandas más queridas de USA, entrando a formar parte y subiéndose al altar de los preferidos de la audiencia americana junto a gente como The Band o los Allman Brothers.

En el año 1970 Jerry García y los Dead, ya asentados, publicaron el cálido American Beauty, uno de sus discos más perfectos, accesibles y ahora sí, exitosos. Un ejemplo de esta madurez y plenitud es la composición "Friend Of The Devil", con la que nos despedimos por hoy:

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Como Bonus Track tenemos una pieza que apareció también en su primer álbum.

Es una versión en directo a la manera de los Dead, es decir: la interpretación de originales improvisaciones, pero en este caso basándose en un estándar de blues.

La calidad de vídeo no es muy buena la verdad, pero creo que merece la pena para ver el nivel de estos músicos.

Ahí os dejamos con esta bestialidad interpretada en el mítico Festival de Monterrey titulada Viola Lee Blues*:

* Desde esta casa se recomienda la escucha de esta canción pero en su versión álbum, a todo volumen. Si la resistís y disfrutáis seréis merecedores de todos mis respetos:)

Aaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaadiós.

SRV - Stevie Ray Vaughan:

Pues aquí está con nosotros el tejano Stevie Ray Vaughan: bluesman, virtuoso guitarrista y heredero directo con todos los honores de la escuela de Jimi Hendrix y Albert King.

Stevie tomó las mejores características de estos artistas: una creatividad que no conocía límites o barreras en las improvisaciones, versatilidad, delicadeza e intensidad a partes iguales... Con todos estos elementos desarrolló un sonido y estilo totalmente personal y reconocible.

A este hombre le debemos el resurgir y la revitalización del Blues en los 80, pues fue uno de los artistas que se encargó de recoger ese legado, esas bases musicales anteriores y transpantarlo todo de nuevo en una década -la ochentera- que personalmente creo dió de lado a la tradicion musical y en la que predominaban nuevos sonidos de tendencia más pop.

Tras recorrer con éxito numerosos clubes, conciertos y festivales, logró fichar por una gran compañía discográfica, la EPIC, con la que grabó en el 83 su primer álbum de estudio, una gran obra en la que destacan dos cortes:

El primer tema que vamos a ver y escuchar da nombre al disco y se llama Texas Flood. Aquí le vemos sobre el escenario de la sala El Mocambo, en Toronto, acompañado de su banda Double Trouble, formada por el baterista Chris Layton y el bajista Tommy Shannon. De verdad que es un espectáculo ver a Stevie...



La segunda a destacar es una delicada composición que Stevie dedicaba a su esposa Lenora, a la que cariñosamente llamaba Lenny.



Tras el éxito y reconocimiento obtenido con su trabajo, al año siguiente volvió de nuevo con un segundo y estupendo disco que continuaba con las líneas ya trazadas y marcadas en el primer álbum.
De Couldn´t Stand The Weather hay que señalar varios temas como su versión-tributo del Voodoo Child de Jimi, Things That I Used To Do, o con lo que nos despedimos por hoy: Honey Bee.

Aaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaadiós.

Wayne Kramer/Fred "Sonic" Smith: MC5.

Otro mes, otros Grandes Guitarristas: aquí tenemos por primera vez no a un único artista, si no a una pareja de verdaderos animales de la guitarra: Wayne Kramer y Fred "Sonic" Smith, miembros de Motor City Five o MC5, un grupo que se caracterizaba por representar el lado más duro y crudo de la contracultura musical norteamericana y por "ejecutar" (nunca mejor dicho) a todo volumen estilos como el Blues, Rock ´n´ Roll con Chuck Berry a la cabeza, Psicodelia y Garage.

Fred "Sonic" Smith posando con una Rickenbaker y una molona camisa de flecos:)

Los chavalotes de MC5 dieron sus primeros pasos en la zona de Detroit (de donde procede la mayoría de los miembros) imitando a sus ídolos musicales juveniles. Eran una verdadera batidora musical que incluía desde lo que ya hemos mencionado antes hasta el Free Jazz -influencia que se notaría en los numerosos momentazos de excitación orgiástica y desvarío del grupo.

Gracias a todos estos elementos y a sus apoteósicos y contundentes conciertos, muy pronto empezaron a llamar la atención del respetable y de las discográficas. Tras editar unos singles, lograron firmar con Elektra y como los chicos de MC5 eran así, decidieron que su primer disco fuera un directo (algo verdaderamnte inusual en la actualidad). Este primer LP registraba un concierto que MC5 dio en la sala Grande Ballroom la noche del 30 al 31 de octubre del 68, en pleno Halloween sí señor.

El disco es un verdadero clásico que capta y recoge toda la energía de estos bestias.

El tema que hay aquí abajo pertenece a este disco y se llama Kick Out The Jams Motherfuckers!!! En el vídeo se les ve en plena acción, pero lo malo es que el "Hijos de Puta" está censurado porque hacía feo...

MC5 junto a otras bandas como The Stooges o los Blue Cheer son los responsables de sentar las bases de lo que hoy se conoce como Proto-Punk: grupos de mediados y finales de los 60 contrarios a las poses manidas del "jipismo", cargados de activismo político o actitudes subversivas y que tenían su reflejo en una música amplificada al máximo.

Motor City Five cumplía a la perfección con todos estos puntos, destacando además la cuestión del activismo político: hacían gala de unas tendencias un tanto izquierdistas/socialistas (un crimen en los USA) y tenían como manager y "guía" (así lo ponen en uno de sus discos) a un tal John Sinclair, que era el fundador de los White Panthers, una organización política de gente blanca que servía de apoyo a los más conocidos Panteras Negras.

Este Sinclair luego apareció envuelto en un caso de narcóticos, fue arrestado...pero no es nada nuevo ¿verdad? Lo curioso es que su arresto provocó la reacción de la crema y aristocracia musical de la época, llegándose a organizar un concierto en apoyo de Sinclair en el que aparecieron y tocaron artistas como John Lennon (metido como siempre en todos los fregaos), Stevie Wonder, Bob Seger,...

Foto de Wayne Kramer berreando y tocando.

Toda esta fuerza inicial de los MC5 acabó súbitamente con su segundo disco llamado Back In The USA cuando la potencia y fiereza de la banda quedó ya adormecida y domesticada dentro de un estudio de grabación.

Pese a lo dicho, este álbum sigue siendo muy bueno y en él encontraréis maravillas como Looking At You, aunque aquí abajo lo veréis en directo.

Aaaaaaaaaaaaaaaaaadiós.

Neil Young:

Hoy vamos a hablar del canadiense Neil Young, pero centrándonos en su faceta como guitarrista, en la que muestra dos vertientes bien distintas: mientras que con la guitarra acústica desprende su lado más sereno y apacible, con la eléctrica nos ofrece un sonido más personal, aparentemente errático, caótico, al borde del precipicio y siempre lleno de emotividad.

Tras acabar en el 68 su andadura como miembro de Buffalo Springfield -grupo formado por gente como Richie Furay, Jim Messina y el gran Stephen Stills-, inició una extensa carrera en solitario que hoy día y afortunadamente, sigue en marcha.

En su segundo disco como solista editado en el 69, Everybody Knows This Is Nowhere ya contó con el grupo de acompañamiento Crazy Horse -que se convertirían en inseparables de Neil- y en el que aparecen grandes composiciones como Down By The River, Cowgirl In The Sand, o la que hay aquí abajo Cinnamon Girl:

De aquí en adelante aparecieron numerosos e interesantes discos: en el 70 se unió a Crosby Stills and Nash, supergrupo formado con músicos provenientes de otras grandes bandas como The Byrds, The Hollies y Buffalo Springfied, y que se reformó entonces con el original nombre de Crosby Stills Nash and Young y con el que sacaron a la luz el exitoso álbum Deja Vu.

Pero el señor Young, hombre inquieto como pocos, abandonó ese mismo año a sus compañeros para centrarse más de lleno en su siguiente disco en solitario After The Gold Rush, totalmente recomendado desde aquí y que se caracteriza por poseer un marcado carácter acústico y country en cortes como I Believe In You, aunque tampoco abandonaba del todo su lado más eléctrico con temas como Southern Man.

En el 72 se hizo acompañar de otra banda: los Stray Gators, con los que grabó Harvest, el disco que le proporcionó su primer nº 1 con el single Heart Of Gold como bandera y con otros interesantes cortes como Words y Old Man.

En el 75, imparable como siempre, Young editó dos discos: Tonight Is The Night y Zuma, que contenía una verdadera joya, la etérea pieza titulada Cortez The Killer :



El viejo genio de Young es sin duda alguna uno de los artistas más influyentes, queridos y admirados del rock. Esto que he dicho lo manifiestan y aprueban grupos como Pearl Jam, The Jayhawks y REM.

En el año 77 -considerado por algunos el año de nacimiento del Punk- apareció en las tiendas Stars ´n´ Bars, un disco que es recordado por incluir entre su lista de canciones la bella e intensa Like A Hurricane, con la que nos despedimos por hoy:

Tony Iommi:

Hoy vamos a tratar a Tony Iommi: miembro fundador y guitarrista de Black Sabbath, grupo de Hard Rock de principios de los setenta y también pionero del Heavy Metal, Doom, Stoner Rock...
Colaborando en ello al desarrollar una temática y estética oscura -algo poco común hasta entonces- y un poderoso sonido que procedia en gran parte de las seis cuerdas de Tony.

Nacido en Birmingham y procedente de una familia de origen italiano, Tony empezó a tocar la guitarra a los quince años imitando a los Shadows y a Buddy Holly -clasicotes-, aunque progresivamente su sonido derivaría hacia otros lugares más ruidosos.
Una curiosidad sobre Tony para los que le hayáis visto tocar: las protecciones que tiene en su mano derecha se deben a un accidente laboral en una fábrica de planchas de acero que le causó la amputación de las yemas de los dedos corazón y anular... Para que luego digan que el trabajo es salud.

Pese lo que advierten nuestros oídos al escuchar temazos como War Pigs o Electric Funeral, Iommi recibió desde joven además una gran influencia de la guitarra blues -es admirador de la velocidad de Alvin Lee- y del jazz, concretamente de Django Reinhardt -gran guitarrista que sufrió la parálisis de varios dedos a causa de un incendio, hecho que sirvió de referente y ejemplo a seguir a un joven Tony-.

Este aprecio por el jazz se aprecia en el tema Planet Caravan, incluído en el segundo álbum de Black Sabbath publicado en el 70, Paranoid -una de las portadas más feas que me he echado a la cara-.

Con esto ya hemos señalado la parte más oculta y jazzie de Tony, pero lo más reconocido y predominante en él era un sonido desbordante, distorsionado, crudo e hiriente. Siempre acompañado en su primera formación por la contundente sección rítmica de Geezer al bajo y Ward a la batería, y por la gran presencia en escena y la voz del cavernícola Ozzy.

Para acabar por hoy, nos despedimos con un tema en directo perteneciente al disco del 72 Volume Four titulado Supernaut. Uno de los riffs más grandes que he escuchado nunca:

Steve Howe:

Steve es el guitarrista de Yes, una de las formaciones más representativas y personalmente la mejor banda de rock progresiva de los 70 surgida en Inglaterra.

Este hombre es un virtuoso de las seis, doce o de las cuerdas que se le pongan por delante, pero al contrario de lo que ocurría y hacían otros genios del progresivo, Steve no se perdía ajeno al mundo que le rodeaba en barrocos e interminables solos que lo único que realmente demostraban era una técnica y ego desmesurados.

Lo que hay aquí es el fragmento de un concierto de la BBC de un tema perteneciente al tercer disco de Yes llamado The Yes Album, editado en 1971 y que les abrió las puertas del éxito.
La canción en cuestión es Yours Is No Disgrace:



Como habéis escuchado y visto, Steve Howe también sabía hacer solos, pero lo que hace distinto a éste es su delicada musicalidad -muy influenciada por la guitarra clásica y jazz-, así como por su enorme personalidad y capacidad renovadora que ejerció en Yes, pese a entrar más tarde como sustituto del guitarrista original Peter Banks, logrando cambiar la dinámica y el sonido de Yes y elevarlo a unas cotas de calidad, exito y popularidad antes impensable para los miembros de la banda.

Nos marchamos por hoy con Steve Howe interpretando dos de las composiciones acústicas más conocidas de su repertorio: la primera de ellas es Clap, perteneciente al disco The Yes Album, y la última pertenece al cuarto disco del año 72 Fragile y se titula Mood For A Day.

Johnny Winter:

En una época. a finales de los 60, en la que todo el mundo dentro y fuera del artisteo buscaba innovar y ser algo especial, apareció rompiendo moldes un guitarrista único: un blanco desgarbado y con albina melena al viento que logró hacerse un hueco en la escena musical negra -en un momento en que la tensión racial era muy patente-, practicando un blues-rock que aún hoy todavía tiene como estandarte la fiereza de su voz y la rotundidad vertiginosa de su guitarra.
Una muestra del sentimiento e intensidad que Winter mostraba sobre el escenario es esta implacable Be Careful With The Fool, canción que apareció en su álbum debut del 69 y titulado con el nombre del artista junto al disco The Progressive Blues Experiment, también del mismo año-.



Aquí le vemos en concierto tocando con su característica Gibson Firebird.

Los inicios de Johnny Winter no tuvieron coo escenario el Greenwich Village neoyorquino o el Swinging London de Londres, si no los bares y clubes de música de la "América Profunda" de su Texas natal -nació en Beaumont para ser más precisos-, desarrollando y consolidando un estilo en el que confluían el gusto por el Blues del Delta más tradicional y también por el Blues eléctrico de Chicago realizado por artistas como Muddy Waters.

Todo esto dio como resultado una música en la que predominaba más elementos como la fuerza, la intensidad, la emotividad y la capacidad expresiva.

Despedimos el Microespacio de hoy con el directo de la canción más mítica (para todos aquellos que han crecido al calor de una pantalla de televisión viendo Regreso Al Futuro).