El resultado de los grandes guitarristas:

Pues ya acabó la encuesta que planteamos hace ya un tiempo y en la que pedíamos que eligiérais a vuestro guitarrista favorito del llamado "trío clásico del rock". Las respuestas han sido más de las que esperaba y el resultado ha sido abrumador:

Un 61% de las votaciones ha ido a parar a Jimi Hendrix, ese zurdo tan mágico. Su guitarra era fuego y aquí le tenemos en directo en la Isla de Wight, una de sus últimas noches grandes. Su viraje hacia el Funk me parecía prometedor, pero...


El segundo puesto con un 23% es para Jimmy Page. Poco podemos decir de él. Personalmente me parece un fantástico guitarrista, pero su labor como productor me parece superior todavía, pese a ello canciones como la legendaria "Stairway To Heaven" o esta que pongo aquí abajo, le hacen merecer el segundo cajón:


Y el tercer sitio con un 15% va para Eric "Mano Lenta/Dios" Clapton. Quien quiera saber lo que opino de este hombre que se lea la entrada que le dedicamos en su día. Simplemente decir que con el tiempo le he ido apreciando y respetando más. Aquí le mostramos en una grabación cuando colaboró con el jefe John Mayall en su magistral álbum conjunto:


A lo largo del período de votación hemos ido recibiendo mensajes de gente que solicitaba que incluyéramos o excluyéramos a tal o cual guitarrista, pero es que esa no era la intención de la encuesta, si no la de ver quién os parecia el mejor de los que la Historia de la Música ha considerado los tres grandes, simplemente.
Por mi parte hubiera incluído a mis guitarristas favoritos como Albert King, John McLaughlin, Ritchie Blackmore, Johnny Winter... Hay tantos,...pero la intención entonces se hubiera diluído.

La experiencia me ha resultado positiva, intentaré estudiar hacer otras encuestas sobre tipos de guitarras o sobre cuestiones más concretas, ya veremos.

Gracias de veras por vuestra colaboración.

Mick Ronson:

Muy buenas a todos, hoy estoy contento porque vamos a tratar con el respeto y admiración que se merece a Mick Ronson, un verdadero hombre de la música: arreglista, compositor y productor de enorme talento, cantante, y sobre todo y lo que aquí nos interesa, un brillantísimo guitarrista.

La carrera de Mick Ronson está íntimamente ligada a la de David Bowie, en concreto a su exitoso período Glam de principios de la década de los 70, pues no hay que olvidar que fue en cierta manera el artífice y el responsable de la evolución de Bowie de unas maneras que hasta entonces iban por un camino un tanto indefinido -Folk, Psicodelia,...- hacia otras posturas más eléctricas y reconocibles por todos, más exitosas.

Mick Ronson fue una pieza básica para esta progresión musical, clave.

A sus cuerdas e imaginación le debemos además la que es considerada por muchos la Biblia del Glam -que sepan que tenemos muy en cuenta a Marc Bolan y su Electric Warrior- y uno de los mejores discos de la Historia del Rock: Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, con su tremendísima e impactante intervención en directo de "Moonage Daydream":


Ronson colaboró con Bowie en una serie de álbumes que abarcaron del disco Man Who Sold The World del 71, hasta el Pin Ups del 73 y luego de forma más esporádica. Pero aún así, con esta breve discografía Ronson dejó muy claras su senas de identidad, consolidó las claves del Glam-Rock británico y definió su sonido.
Como habrán visto y oído, si en sus labores en el estudio Mick era delicado, técnico y metódico -los perfectos arreglos de canciones tan míticas como "Life On Mars?", "Changes" o "Walk On The Wild Side" de Lou Reed por ejemplo son cosa suya-; cuando subía al escenario se transformaba en un apabullante guitarrista de batalla, donde su fogosa y expresiva guitarra destacaba por derecho propio y por encima de todo, con un gran sentido de lo pirotécnico, del espectáculo de verdad.

Tras este período, Ronson no dejó de colaborar con otros grupos y artistas como Mott The Hoople y Bob Dylan ni más ni menos. Además, no dudó en soltarse y animarse a iniciar su carrera en solitario, con interesantes trabajos como Play Don´t Worry del 75, un álbum en el que aparece la canción con la que nos despedimos por hoy, la majestuosa "Angel Number Nine":

Las guitarras de Jerry García:

Si Jerry fue un tipo especial al igual que su música, sus guitarras no podían ser menos ¿verdad?

Al principio de su carrera en la etapa más claramente psicodélica utilizó unas Gibson Les Paul, SG y en algún que otro momento puntual unas Telecaster (vamos, que no hacía ascos a nada) pero más tarde se inclinó decididamente por las Alembic, recurriendo para ello al diseñador y luthier californiano Doug Irwin para que le personalizara sus instrumentos.

De las manos y del taller de Doug salió una serie de guitarras (que yo sepa unas cinco, aunque creo que hay variaciones sobre los mismos diseños y creaciones posteriores que no son de Doug). Las guitarras de esta serie recibieron distintos nombres atendiendo a los dibujos y motivos que mostraban.
La guitarra más importante fue la de ahí arriba, conocida como Tiger, y que fue utilizada durante el período que abarca 1979-1989. ¡Que música tan grande hizo este hombre concierto tras concierto en esos años...!

Las guitarras Alembic, si soy sincero, no las he tratado mucho y para decir algo de lo que desconozco prefiero callar, pero se supone que sus prestaciones técnicas debían ser de categoría cuando Jerry se vinculó a ellas de forma tan clara. La verdad es que el sonido y timbre claro de Jerry se vio reforzado con estas Alembic.

Estas creaciones de Doug Irwin, pese a no ser muy clásicas (y yo lo soy en este tema) me parecen en el fondo bastante originales e interesantes: El cuidado de las maderas utilizadas para su fabricación, su barnizado, los dibujos y esmaltes... Todo de una calidad y nivel acorde al artista.

Las siguientes guitarras recibieron nombres como Rosebud, Wolf, Wolf Jr y Eagle, la de aquí abajo.

Como no podía ser de otra forma en este blog de guitarras, guitarristas (de música al fin y al cabo) ahí os dejamos con esa maravilla en directo de "Morning Dew", una canción perteneciente e incluída al primer disco de Grateful Dead en 1967, que escuché por primera vez una tormentosa tarde de primavera, y que tan gratos recuerdos me trae a la mente y al corazón:

Saludos a todos.

Albert King:

Hace tiempo que no pasábamos por aquí, así que vamos a continuar a lo grande, con algo especial...
Y es que la figura central de hoy es mi guitarrista favorito de todos los tiempos...

Si en anteriores microespacios hemos hablado del interés y del acercamiento de jóvenes músicos blancos del Rock de los 60 (Erick, Keith,...) al mundo del Blues, nuestro protagonista de hoy Albert King, representa el camino y movimiento contrario: el de los veteranos músicos negros de Blues que favorecieron, vieron con buenos ojos y forzaron el contacto de los dos mundos, rompiendo así unas fronteras (no sólo hablo de las musicales) consideradas insalvables hasta entonces.

A una edad tardía, 33 años, y con la intención de convertirse en guitarrista y músico profesional, abandonó su trabajo como conductor de camiones y bulldozers. Una sabia decisión, pues poco tiempo después conseguiría el reconocimiento que se merecía por parte de los seguidores de la buena música, de los críticos y de los jóvenes músicos que veían en él un claro referente.
Albert King logró desarrollar un sonido penetrante, profundísimo, que llegaba a lo más hondo del corazón y que marcaría a la generación psicodélica. Se gustaba de hacer creativos y largos solos, pero seguía representando el estilo tradicional: pocas notas siempre bien puestas, con alma y después de cada fraseo con la guitarra, a cantar o soltar unas palabritas de ánimo al público...

De esta forma, guitarristas como Stevie Ray Vaughan y grupos como Canned Heat pudieron encontrar en el gigante zurdo Albert King y en Lucy, su amada Gibson Flying V tocada y acaricida siempre sin púa, el sonido y el ejemplo a seguir. Un ejemplo de ello, es este "The Hunter":

Nos despedimos de este GG Especial Albert King con "You´re Gonna Need Me", tema que cerraba por todo lo alto el álbum recopilatorio King Of The Blues Guitar y en el que acompañado de Booker T And The MG´s y los Memphis Horns, se aprecia la energía y sentimiento que este enorme hombre, Albert, desplegaba en el escenario.

El grito de satisfacción final es impagable:


Pero como se nos hace poco, vamos allá con un extra. Unas apariciones de Albert en directo, interpretando "Pretty Woman" y "I´ll Play The Blues For You":

Django Reinhardt

Este mes de marzo lo vamos a abrir con Jean Baptiste Reinhardt, más conocido por todos nosotros como Django Reinhardt. Un fenomenal guitarrista nacido en 1910 dentro del seno de una familia nómada de origen gitano y belga (aunque asociado plenamente a Francia) que está hoy aquí en Grandes Guitarristas por tener el mérito de ser uno de los responsables de impulsar al Jazz europeo a unas cotas antes inimaginables y de situarlo en el mapa musical.

Djando fue un artista autodidacta, incapaz de entender las partituras y un juerguista empedernido; pero también un músico extraordinario, pleno de dinamismo, imaginación, alegría, y con un swing imparable pese a haber perdido, a la edad de 18 años, gran parte de la movilidad en los dedos meñique y anular de su mano izquierda debido a un incendio que se produjo en su caravana familiar.

Aunque es conocido por su estrecha e íntima vinculación con la guitarra, hay que decir empezó su relación con el mundo del arte musical practicando con su familia otros instrumentos como el violín y el banjo durante su infancia...


Como hemos dicho, tras su terrible accidente su pierna derecha quedó paralizada y su mano izquierda quedó maltrecha. Pero Django mostró una energía vital increíble, siendo su vida en estos delicados momentos un ejemplo de superación para todos nosotros: Los médicos que le atendieron creyeron que era necesaria una operación quirúrgica para la amputación de su pierna con el fin de evitar posibles complicaciones, pero Reinhardt se negó en rotundo e inició un durísimo y largo período de rehabilitación, cercano a los dos años, del que se sobrepuso. A esto se añadió el problema de la mano (recordemos que quedó con los tendones y articulaciones de varios dedos seriamente dañados), así que un enorme Django se dejó de penas y utilizó el tiempo de su rehabilitación para adquirir y desarrollar una técnica personal con la que poder trastear, con dos dedos, su instrumento favorito. Y a Fe mía que lo consiguió.
Los dos dedos sanos los empleó para los momentos de los solos en los que la rapidez era algo esencial y los dañados, parcialmente agarrotados, los utilizó para la realización de acordes.
Increíble. Salió del período de convalecencia tocando la guitarra mejor que cuando entró. Increíble, en serio.

En el año 1934 creó con su hermano Joseph el grupo Quintette du Hot Club de France, integrado por Roger Chaput y su hermano Joseph a las dos guitarras rítmicas, el contrabajista Louis Vola, Django como solista y por la otra estrella del grupo, el violinista parisino Stephane Grappelly, con los que inició un fecundo período de actuaciones y grabaciones.

De unas sesiones realizadas el 31 de enero del año 38 pertenece este tema: "Honeysuckle Rose":

Según se cuenta, a Reinhardt le sobrevino la Segunda Guerra Mundial y la ocupación de París en esa misma ciudad, pero a diferencia de otros ciudadanos de orígen gitano a Django no le ocurrió nada porque fue protegido o respetado como músico, sin que él lo supiera, por ciertos miembros de la jerarquía nazi que admiraban su obra.

Tras la Guerra, llegó a viajar a América y a colaborar brevemente y sin muchos documentos sonoros de aquellos contactos, con grandes nombres del Jazz americano como Dizzy Gillespie o Duke Ellington, dejando una marcada huella en seguidores de su estilo com Wes Montgomery y John McLauglin.Nos despedimos hasta la próxima con un vídeo, una perfecta muestra en movimiento de lo que eran capaces de hacer Django y sus chicos. Elegancia al poder:

Guitarras raras:

Breve Historia:
La primera con la que vamos a inaugurar esta sección es la Gibson Corvus, una guitarra que fue diseñada y producida por esta empresa durante los años ochenta junto a otros modelos como un inteno en esta década para renovar el interés y reactivar comercialmente a Gibson (qué malo tuvo que ser los ochenta para la música si una de las mejores fabricantes de guitarras tenía problemas). La producción fue muy limitada, dándose concretamente entre los años 82 y 84. Puesta en el mercado, recibió críticas por su diseño y unas paupérrimas ventas. Tras ello pasó por las tiendas sin pena ni gloria y se llegó a la decisión de suspender su producción.

Diseño:

En cuanto a su peculiar diseño, la forma de su cuerpo sólido hizo que fuera coloquilamente llamada como "can opener" o abrelatas. La verdad es que tampoco creo que fuera un diseño demasiado extraño (o tan innovador rupturista como para crear una especie de rechazo), teniendo en cuenta que esta marca ya tenía en las tiendas guitarras como la Flying V, Explorer o la Firebird, bastante llamativas y de las que ya hablaremos otro día.

Aquí abajo hay una Corvus junto a otros modelos Gibson y personalmente creo que presentaba una silueta y líneas interesantes, me gusta.

Características:

Sobre este apartado de la Corvus pues poco puedo decir: salvo que por lo que tengo entendido se llegaron a realizar 3 series (Corvus I-II-III) cada una con ciertos componentes distintos, presentando por ello lógicas variaciones en el precio y que no tenía nada que envidiar a otras guitarras Gibson en cuanto a las prestaciones y calidad de sonido.

Arriba un vídeo de un señor mostrando, explicando (bastante mejor que yo) y tocando su Corvus.

Para Finalizar:

Por cierto, debido a lo escaso de las tiradas originales, ahora son piezas de coleccionismo que se relacionan con el nuevo interés que deriva del revival ochentero, así que si alguno tiene una que la guarde, y si no le gusta pues que sepa que la acepto sin ningún problema.

Sabicas:

En el “GG” de hoy vamos a tratar una música que hasta ahora había pasado desapercibida en este blog, por lo que ya llegó la hora de salir fuera de nuestros habituales caminos y pasear por otras sendas, otras veredas...
Este día tenemos con nosotros al que es considerado por muchos el padre de la guitarra española moderna: Sabicas.

De nombre Agustín Castellón Campos, este pamplonés nacido en 1912 demostró su interés y habilidad con la guitarra ya desde bien crío. Con apenas 10 años, tuvo que marchar con su familia a Madrid, donde acabó de conformar un estilo propio que se caracterizaba por la velocidad y la limpieza cristalina de su toque. Un hombre de técnica envidiable que marcó un antes y un después en la guitarra flamenca, siendo seguido y admirado por gente tan importante como el reconocido Paco de Lucía.

El vídeo que hay aquí abajo se llama "Amanecer Árabe" o "Ensueño Árabe" (según las distintas ediciones y si no me he liado) y aparece en el disco del año 72 La Guitarra de Sabicas:



Sin lugar a dudas, entre los méritos de Sabicas de halla el haber sido el pionero del enorme reto (poneos en el contexto de la época para un pobre españolito) que supuso dar a conocer el flamenco fuera de las fronteras de nuestro país, hecho del que se sentía especialmente orgulloso. Así como ser uno de los iniciadores de la guitarra española como instrumento solista y partícipe de la irrupción y consolidación de la guitarra española-clásica dentro del mundo del concertismo.

Huyendo de la Guerra Civil se exilió y marchó a América del Sur, donde realizó varias giras y actuaciones para poder sobrevivir. Durante su periplo, recaló poco más tarde en Estados Unidos y se instaló en Nueva York, ciudad en la que mostró su saber hacer con la guitarra sorprendiendo y atrayendo a numerosos músicos, especialmente del mundo del Jazz, pues no había oído en su vida el sonido y sentimiento de una guitarra española.

En este período Sabicas entró en contacto con otros artistas como el guitarrista especializado en jazz y rock fusión Joe Beck, con el que en el año 66 registró el álbum Rock Encounter, que por su fecha podemos considerar la primera grabación seria de fusión flamenca con Rock de la Historia. Un estilo y manera de hacer que sería continuado posteriormente por los grupos del llamado Rock Andaluz. Es decir, todo un hito para nuestra música y otro mérito que atribuir y reconocer en el maestro.
De este sorprendente y poco conocido trabajo (para la gran mayoría) vamos a escuchar su cuarto corte, "Zambra":

La última aparición de Sabicas con su guitarra fue la colaboración con Enrique Morente en el álbum Nueva York - Granada, editado en 1990. Así pues, para acabar por hoy nos despedimos con una seguiriya incluída en este trabajo llamada "No Soy De Esta Tierra":

Con esto último ponemos punto final al Especial de Sabicas: