1/12/10

Tracklist y una foto del maestro:

El concierto fue el verano pasado y por unos y otros motivos -olvidadizo que es uno, problemas con la tarjeta de memoria,...- no puse en su día algunas cosas de aquél espectáculo.

Ahora que he revisado las imágenes la verdad es que las fotos que da mi móvil dan penilla. Se que un móvil es para hablar, de hecho es básicamente para lo que lo utilizo, pero es que cuando hay acontecimientos rápidos como en este caso fue ir a ver a Johnny Winter pues nunca me da tiempo de pedirle a algún familiar una cámara de fotos. Y luego pasa lo que pasa, que me salen masas amorfas de píxels por todos lados.
Como quien no llora no mama, espero que este año los Reyes Magos se porten y traigan una cámara de fotos decente, y ya si se ponen también el Tragabolas ese de los hipopótamos, que siempre quise jugar con él cuando era niño y no pudo ser nunca...

Ahí va el tracklist que el técnico de sonido nos cedió y la única foto que tras retocarla, oscurecerla y hacer mil movidas, no acaba dañando la vista de forma irreversible:




Como todo esto me sabe a poco y este es un Blog de guitarras, de música, pues vamos allá con un temazo de este tipo. ¡¡¡A vuestra salud!!!

6/11/10

Robert Johnson:

¡Muy buenas a todos! El microespacio de hoy está dedicado a una de las figuras más influyentes en el mundo del Blues: Robert Johnson.

El bluesman Robert Johnson, nacido en 1911 y originario de Misisipi, es una figura clave de este sonido pese a lo corta que fue su vida -no está del todo claro, pero se dice que murió envenenado a manos de un marido celoso cuando sólo contaba con 28 años-, y a su exigua producción -pues apenas llegó a dejar registradas más de 40 canciones, siendo muchas de ellas tomas distintas de un mismo tema.

Un elemento a destacar son sus letras, en las que aparecen tres temáticas constantes y clásicas en el mundo del Blues: lo efímero de la vida y las relaciones humanas, el mundo marginal -pobreza, vagabundeo,...- y los terrores irracionales.

El primer tema que vamos a escuchar es "When You Got A Good Friend":


La vida misma de Robert está rodeada de misterio, de claroscuros... Llegándose a decir que realizó un pacto con el diablo, al que vendió su alma a cambio de tener el don de tocar y cantar el Blues como nadie más en la Tierra... Y esto acabó casi por ser cierto, pues ha terminado siendo conocido como el Rey del Blues del Delta y por ello pasando a la leyenda, a la inmortalidad.

Y siguiendo con esta historia ¿dónde dice la tradición que se deben realizar los pactos con el diablo?
Pues en los cruces de camino... O "Crossroads":


La razón de tratar a Robert Johnson es que pese a lo tradicional de su música y escasa producción, la calidad de la misma y la increíble técnica y forma de tocar de este hombre, se ha convertido en un legado importantísimo para el desarrollo de la música popular del siglo XX en adelante y más concretamente en el Blues y Rock, al convertirse en un referente básico y capital para artistas del tamaño de Eric Clapton, Muddy Waters o Keith Richards y los Rolling Stones.

Os dejamos ya hasta la próxima con un tema muy versionado y que reconoceréis si sois seguidores de los Blues Brothers, "Sweet Home Chicago":

8/10/10

Hohner - Headless Guitar:



¡Iniciamos el mes de octubre con un especial Guitarras Raras!

Hohner Inc. es una empresa bastante conocida, dedicada sobre todo a la construcción de instrumentos como las armónicas y los acordeones, pero como toda buena empresa del siglo XX y XXI, la diversificación se ha convertido en una obligación y de ahí que empezaran a producir el instrumento por excelencia en este blog: la guitarra eléctrica.


Hohner inició la producción de una guitarra eléctrica en los años 80 con la intención de ampliar su negocio y también para romper con la tradición y los moldes estéticos establecidos en las décadas anteriores…

…Y a fe que lo lograron. Utilizando con licencia los modelos diseñados por el luthier Ned Steinberger y siguiendo su leitmotiv “nosotros no lo hacemos como ellos”, Hohner sacó a las tiendas la llamada headless guitar -es decir, las guitarras sin clavijero y con un cuerpo reducido a la mínima expresión-.



He de decir que es uno de los diseños de guitarra que más me desagradan, es algo parecido a una especie de antidiseño. Cuando observo alguna imagen de una G3T –que así se llama una de las series de guitarras sin clavijero y cuerpo de Hohner- me invade la sensación de un abandono total y una despreocupación por la estética, las líneas, el arte… Aunque es posible que otras personas lo vean totalmente contrario. Lo admiren como el minimalismo llevado a un instrumento musical.

Los bajos eléctricos también tienen su espacio aquí. Es más, la primera vez que Steinberger construyó este instrumento sin clavijero lo hizo pensando en un bajo... Ahí tenemos uno de 5 cuerdas.

Sea como sea, estas formas/no formas han sido utilizadas por otras empresas y constructores musicales para su propio beneficio, como es el caso de las Erlewine Guitars con su serie Lazer -utilizada por el maestro del Blues Johnny Winter- y las llamadas Chapman Stick –que es un instrumento a medio camino entre la guitarra, el bajo y una pala de cricket-.

De cualquier manera, desde Hohner se hace hincapié en otros valores de esta guitarra como por ejemplo lo increíble de su ergonomía y comodidad de utilización –no es aparatosa, no hay molestias, es ligera gracias a la utilización de fibras de carbono…-, así como la versatilidad que ofrece en cuanto a la variedad de estilos musicales con los que se adapta a la perfección.

Ahora sólo queda escuchar esta guitarra en pleno rendimiento:




10/9/10

Dickey Betts:


Hola a todos, pues el microespacio de hoy va dedicado a Forrest Richard Betts: segundo guitarrista, vocalista y miembro fundador de la Allman Brothers Band, mítico grupo de Rock Sureño que se caracterizaba por destacar sobre los demás en cuanto al gran nivel de todos sus miembros, por la calidad de sus composiciones, las inventivas recreaciones de clásicos del Blues y sobre todo por sus legendarios directos –lugar en el que desplegaban insuperables y grandiosas improvisaciones-.

Conocido en el mundo de la música por “Dickey” Betts, conformó junto a Duane Allman –genio del que hablaremos en otro microespacio-, uno de los dúos guitarreros más interesantes del Rock, impactando ya desde el primer disco homónimo editado en 1969.

Los hermanos Allman: Duane a la primera guitarra y Gregg a los teclados y voces eran los líderes de la banda, pero Dickey pronto empezaría a destacar en la faceta de la composición ya en el segundo disco Idlewild South, siendo el autor de una pieza instrumental de aire Jazz que se convirtió en una de las más queridas en los conciertos tanto por los seguidores como por el mismo grupo, pues se convertía en el vehículo idóneo para las improvisaciones y la abrumadora libertad creativa de esta gente…
El tema del que estamos hablando es una de mis canciones favoritas de todos los tiempos, “In Memory Of Elizabeth Reed”:


Según se cuenta, el nombre de esta composición está tomado de la inscripción de una lápida que estaba en el cementerio Rose Hill de Georgia, lugar preferido por algunos de los miembros de la banda para componer y buscar la inspiración… Aunque también se dice que iban allí a hacer otras cosas menos musicales ¿Quién sabe?

En el 71 vio la luz uno de los mejores discos en directo de la Historia del Rock, una exitosa actuación de la Allman Brothers Band realizada en el Fillmore East de Nueva York. Un éxito que se vería truncado pues poco tiempo después uno de los pilares clave de la banda, Duane, falleció en un fatal accidente de moto.
Tras este durísimo golpe el grupo regresó al año siguiente con el álbum “Eat A Peach”, dedicado a la memoria de Duane. Con este emotivo trabajo, Dickey Betts ganó más protagonismo y vio aumentar el número de aportaciones propias, entre la que destaca una romántica composición dirigida a la que era por entonces su novia y más tarde esposa, una nativa americana llamada Sandy “Blue Sky”:


Como las cosas pueden ir siempre de mal a peor, la tragedia recayó de nuevo sobre el grupo en el 73 cuando el bajista Berry Oakley falleció también en un accidente de tráfico, muy similar al de Duane, durante las sesiones de grabación de Brothers And Sisters, disco que volvió a dedicarse a un hermano caído y en el que aparecieron otros clásicos de la banda provenientes de la mano de Dickey, como la dulce y bella instrumental dedicada a su hija “Jessica”:


25/8/10

Ron Asheton:


¡Muy buenas a todos otro mesecito más! Hoy tenemos con nosotros a Ron Asheton. Estruendoso guitarrista que formó parte de los no menos tremendos Stooges, banda de Detroit liderada por el carismático Iggy Pop que se encargó de encabezar y revolucionar el Rock más contundente a finales de los 60.

Como ya vimos hace un tiempo con la pareja guitarrera de los MC5 -Fred "Sonic" Smith y Wayne Kramer-, nuestro Ron Asheton forma parte también del exclusivo grupo de pioneros que sentaron las bases de lo que posteriormente se llamaría Punk: ese movimiento musical y cultural que alcanzaría su momento álgido ya a mediados de los 70.


La guitarra de Ron fue clave en el sonido y vida de los Stooges: soltando a raudales un sonido denso y arrebatador que casaba a la perfección con la actitud y forma de ser e interpretar del por entonces menudo Iggy: básica y salvaje. El resultado de todo esto era simplemente una música ejecutada sin compasión, arrolladora.

Del primer disco que los Stooges publicaron en el 69 con Elektra -una de mis casas discográficas favoritas de aquellos tiempos-, vamos a escuchar una canción que reúne todas las características anteriores y que parece como recién salida de las mismas entrañas. Estamos hablando de "I Wanna Be Your Dog":


Al año siguiente, pese a las escasas ventas y las numerosas críticas negativas, Elektra confió en esta gente y los Stooges lograron llevar a las tiendas un segundo trabajo titulado Fun House, plástico que junto al anterior debut de éstos y con el paso del tiempo, se nos han revelado como dos álbumes imprescindibles en la Historia del Rock...

Y para dejar el especial a Ron Asheton por todo lo alto, nos despedimos hasta la próxima con un caudal de furia y brutalidad inagotable llamado "TV Eye":

21/7/10

Johnny Winter en los madriles:


Una llamada de un amigo, buena compañía y a Madrid que nos fuimos a ver a uno de los grandes grandísimos de Blues-Rock del bueno.

Nunca había estado en la sala Joy Eslava, pero no me resultó extraña: el ambiente era ideal, el aforo abundante e interesante -padres con sus hijos, pijas, abuelos del Rock, señoras con abanicos...-, gente con ganas de puro espectáculo musical -pues nuestro artista no es que moviera mucho las caderas al estilo Beyoncé, aunque sí que hubo fuegos de artificio en sus guitarras-, y unas ganas enormes de presenciar la música de un mito viviente: Johnny Winter.

Y digo unas ganas enormes porque no todos los días se tiene la posibilidad de disfrutar de un clásico de semejante calibre -nos hemos perdido a tantos y tantos artistas que hay que aprovechar cada oportunidad, no dejar pasar ni una-.

A Winter parece que le gusta este país y tiene unas cuantas fechas en las que podemos escuchar su Blues, donde hace un recorrido a su dilatada carrera. En este verano ha fijado unos cuantos bolos por ciudades como Bilbao, Madrid, Córdoba, Valladolid o Barcelona y ya van siendo unos cuantos años los que se lleva pasando por aquí...
Y que no pare la racha.


Al acabar el concierto nos dirijimos al técnico para pedirle ver el track list. Amablemente nos dejó hacerle la foto, pero sin perder de vista el folio, porque según nos contó ya le habían mangado varias listas de canciones -hay gente rara en todos lados-. La historia es que todavía no puedo poner el listado de canciones aquí porque el móvil lo tengo temporalmente fuera de servicio.
Una pena, pero cuando lo tenga se podrá ver claramente que Johnny no vino a la capital a pasearse de forma autocomplaciente -incluso creía que se iba a marcar alguna acústica de tranqui, pero qué equivocado estaba-, si no a arrollarnos con su visceral forma de tocar, con su demoledor Blues y con los clásicos reinterpretados de su ya vasto repertorio como esos "Mojo Blues", "Good Morning Little Schoolgirl" -una de mis canciones favoritas de siempre desde que la escuché por primera vez con los Dead- o la brutal muestra slide del "Highway 61 Revisited" de Dylan, tema donde la banda brilló especialmente por su solidez, precisión, contundencia y con el que cerraron el concierto de forma magistral y abrupta.
¿Para qué seguir hablando cuando se puede escuchar?:







Vídeo grabado por uno de los asistentes al concierto. En Youtube creo que tiene más y se le puede comentar y agradecer.

Cuando empezó a sonar "The End" de los Doors vimos que ya no habría bises ni nada más. Salimos de allí comentando las mejores jugadas, con la impresión de haber visto algo grande y a la vez con ganas de algo más, de más y más clásicos -podrían haber caído "Be Careful With A Fool", "Mean Town Blues", "Black Cat Bone"...- Supongo que esto suele pasar cuando tienes delante a un tío con tanto fondo, y que a no ser que sea Springsteen, que se tira 3 horazas de concierto, pues como que te sabe a poco, pero muy bueno todo eso sí.

Es cierto que la mayoría de la gente ha destacado sus más que evidentes achaques y problemas físicos, pero si nos ponemos a pensar caemos en la cuenta que Johnny Winter incluso cuando era joven nunca fue precisamente un toro o un roble, que las drogas nunca son buenas y que además son 66 tacos -como nuestros abuelos más o menos, vaya- los que luce su melena. Por lo tanto, que Johnny siga con ganas de subirse al escenario, tocar y darnos a conocer su arte es algo muy de agradecer en estos tiempos.

En fin, que el lunes pasó todo lo dicho sobre Johnny: está hecho polvo, tocó sentado, a duras penas puede andar y ver, salió de la Joy Eslava asistido, literalmente en volandas... Pero mientras tuvo su guitarra y especialmente su Gibson Firebird, fue durante una hora y pico el amo del Blues-Rock, todo un titán.

11/7/10

Paco de Lucía:


¡Muy buenas a todos! Hacía tiempo que no retomábamos este blog con más Grandes Guitarristas, pero ya llegó el verano, el tiempo de las vacaciones y del descanso... Y aquí estamos de nuevo.

La estrella de hoy es sin lugar a dudas el guitarrista Flamenco -un estilo poco presente en GG, hecho que reconocemos e intentamos arreglar pues reconocemos su valor- más importante, admirado y reconocido del mundo. Vamos a hablar de Paco de Lucía.

Entre los méritos de Paco de Lucía está el popularizar y difundir el Flamenco no sólo dentro, si no fuera de las fronteras de nuestro país. Además, como es evidente cuando se le escucha, es un virtuoso como intérprete, y como compositor está dotado de un personalísimo estilo y de un gran sentido del ritmo.

La figura de este gaditano ha estado vinculada desde sus inicios a la del otro maestro del Flamenco -pero esta vez a la voz-. Nos referimos al enorme cantaor Camarón de la Isla, al que conoció a finales de los 60, surgiendo de este encuentro una de las uniones más importantes y de más repercusión e impacto de la música espanola de todos los tiempos.

Las primeras muestras de grabaciones de Paco de Lucía junto a Camarón están situadas dentro del Flamenco más ortodoxo y tradicional, y precisamente de la etapa inicial de esta pareja vamos a escuchar una canción que apareció en su álbum de debut del 69: "Al Verte Las Flores Lloran":


Otro éxito de Paco fue el traspasar las fronteras del Flamenco más riguroso -siempre con un conocimiento soberbio de lo que se estaba haciendo y con un escrupulosísimo respeto a los orígenes- y abrir sus puertas a otros estilos, ganándose el respeto de artistas provenientes de distintos mundos musicales como el Jazz. Sírvanos de ejemplo los álbumes que Paco grabó junto a los prestigiosos guitarristas de Jazz y Fusión Al Di Meola y John McLaughlin -del que hablaremos un día-.

Todo este bagaje y peso, le ha hecho ser considerado uno de los precursores del mestizaje Flamenco, un mestizaje que tiempo después trabajarían de forma encomiable grupos y artistas como Pata Negra o Kiko Veneno.

Finalizamos el GG de hoy con la pieza más conocida de nuestro protagonista, incluída en su quinto disco en solitario publicado en el 73, Fuente y Caudal. Una gozosa obligación titulada "Entre Dos Aguas":

15/6/10

Epiphone Coronet:



Historia:
La guitarra de la que vamos a hablar ahora es una de las más simples y bonitas que me he encontrado, sobre todo si es como de las que tenemos imágenes con ese acabado clásico de granates con los golpeadores en blanco...
Estas Epiphone Coronet empezaron a ser fabricadas bajo el amparo de Gibson en torno a 1959, e inicialmente debido a lo barato de su precio, fueron utilizadas como las guitarras eléctricas ideales para aprender y empezar a tocar este instrumento.

Eso es un lujo: bajo precio y toda la calidad de las Gibson. Igual que ahora...

Estética:
Lo que más destaca de estas Epiphone es lo compacto de sus dimensiones -con la consiguiente ligereza y comodidad que ayudaba a los guitarristas novatos-; y como ya hemos dicho, el estilo de sus golpeadores simétricos a modo de alas de mariposa -que eran muy útiles para los guitarristas zurdos- y el brillante color granate sobre maderas de calidad como las caobas...
En cuanto al clavijero suele haber variaciones, dándose ediciones en las que tiene una forma similar a las Les Paul y otras a las Firebird. Para gustos los colores, pero yo me quedo con las segundas.



Prestaciones técnicas y sonido:
La simpleza en este caso se vuelve en un punto a favor: no entiendo mucho de estos componentes, pero su pastilla humbucker, bobina simple, micrófono OBL y demás configura una guitarra muy versátil, de sonido limpio y brillante que hace que últimamente sea utilizada sobre todo para la música Pop.

Usuarios de lujo:
Esta pequena maravilla ha sido utilizada por gente de la categoría de Steve Marriott -guitarrista, vocalista y líder de los magníficos Small Faces-, Ron Wood y ese genio creador y renovador del Rock llamado Pete Doherty*.

Ahí os dejamos con un vídeo casero que demuestra la gran versatilidad y dinamismo de esta coqueta guitarra:





Por cierto, como casi siempre que hablamos de guitarras, quien tenga una Epiphone Coronet original americana, no una de las nuevas que se empezaron a producirse "made in China", que sepa que es un suertudo y tiene una joyita...



* Es broma, que conste en acta:)

27/5/10

El resultado de los grandes guitarristas:

Pues ya acabó la encuesta que planteamos hace ya un tiempo y en la que pedíamos que eligiérais a vuestro guitarrista favorito del llamado "trío clásico del rock". Las respuestas han sido más de las que esperaba y el resultado ha sido abrumador:

Un 61% de las votaciones ha ido a parar a Jimi Hendrix, ese zurdo tan mágico. Su guitarra era fuego y aquí le tenemos en directo en la Isla de Wight, una de sus últimas noches grandes. Su viraje hacia el Funk me parecía prometedor, pero...


El segundo puesto con un 23% es para Jimmy Page. Poco podemos decir de él. Personalmente me parece un fantástico guitarrista, pero su labor como productor me parece superior todavía, pese a ello canciones como la legendaria "Stairway To Heaven" o esta que pongo aquí abajo, le hacen merecer el segundo cajón:


Y el tercer sitio con un 15% va para Eric "Mano Lenta/Dios" Clapton. Quien quiera saber lo que opino de este hombre que se lea la entrada que le dedicamos en su día. Simplemente decir que con el tiempo le he ido apreciando y respetando más. Aquí le mostramos en una grabación cuando colaboró con el jefe John Mayall en su magistral álbum conjunto:


A lo largo del período de votación hemos ido recibiendo mensajes de gente que solicitaba que incluyéramos o excluyéramos a tal o cual guitarrista, pero es que esa no era la intención de la encuesta, si no la de ver quién os parecia el mejor de los que la Historia de la Música ha considerado los tres grandes, simplemente.
Por mi parte hubiera incluído a mis guitarristas favoritos como Albert King, John McLaughlin, Ritchie Blackmore, Johnny Winter... Hay tantos,...pero la intención entonces se hubiera diluído.

La experiencia me ha resultado positiva, intentaré estudiar hacer otras encuestas sobre tipos de guitarras o sobre cuestiones más concretas, ya veremos.

Gracias de veras por vuestra colaboración.

5/5/10

Mick Ronson:

Muy buenas a todos, hoy estoy contento porque vamos a tratar con el respeto y admiración que se merece a Mick Ronson, un verdadero hombre de la música: arreglista, compositor y productor de enorme talento, cantante, y sobre todo y lo que aquí nos interesa, un brillantísimo guitarrista.

La carrera de Mick Ronson está íntimamente ligada a la de David Bowie, en concreto a su exitoso período Glam de principios de la década de los 70, pues no hay que olvidar que fue en cierta manera el artífice y el responsable de la evolución de Bowie de unas maneras que hasta entonces iban por un camino un tanto indefinido -Folk, Psicodelia,...- hacia otras posturas más eléctricas y reconocibles por todos, más exitosas.

Mick Ronson fue una pieza básica para esta progresión musical, clave.

A sus cuerdas e imaginación le debemos además la que es considerada por muchos la Biblia del Glam -que sepan que tenemos muy en cuenta a Marc Bolan y su Electric Warrior- y uno de los mejores discos de la Historia del Rock: Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, con su tremendísima e impactante intervención en directo de "Moonage Daydream":


Ronson colaboró con Bowie en una serie de álbumes que abarcaron del disco Man Who Sold The World del 71, hasta el Pin Ups del 73 y luego de forma más esporádica. Pero aún así, con esta breve discografía Ronson dejó muy claras su senas de identidad, consolidó las claves del Glam-Rock británico y definió su sonido.
Como habrán visto y oído, si en sus labores en el estudio Mick era delicado, técnico y metódico -los perfectos arreglos de canciones tan míticas como "Life On Mars?", "Changes" o "Walk On The Wild Side" de Lou Reed por ejemplo son cosa suya-; cuando subía al escenario se transformaba en un apabullante guitarrista de batalla, donde su fogosa y expresiva guitarra destacaba por derecho propio y por encima de todo, con un gran sentido de lo pirotécnico, del espectáculo de verdad.

Tras este período, Ronson no dejó de colaborar con otros grupos y artistas como Mott The Hoople y Bob Dylan ni más ni menos. Además, no dudó en soltarse y animarse a iniciar su carrera en solitario, con interesantes trabajos como Play Don´t Worry del 75, un álbum en el que aparece la canción con la que nos despedimos por hoy, la majestuosa "Angel Number Nine":


9/4/10

Las guitarras de Jerry García:

Si Jerry fue un tipo especial al igual que su música, sus guitarras no podían ser menos ¿verdad?

Al principio de su carrera en la etapa más claramente psicodélica utilizó unas Gibson Les Paul, SG y en algún que otro momento puntual unas Telecaster (vamos, que no hacía ascos a nada) pero más tarde se inclinó decididamente por las Alembic, recurriendo para ello al diseñador y luthier californiano Doug Irwin para que le personalizara sus instrumentos.

De las manos y del taller de Doug salió una serie de guitarras (que yo sepa unas cinco, aunque creo que hay variaciones sobre los mismos diseños y creaciones posteriores que no son de Doug). Las guitarras de esta serie recibieron distintos nombres atendiendo a los dibujos y motivos que mostraban.
La guitarra más importante fue la de ahí arriba, conocida como Tiger, y que fue utilizada durante el período que abarca 1979-1989. ¡Que música tan grande hizo este hombre concierto tras concierto en esos años...!

Las guitarras Alembic, si soy sincero, no las he tratado mucho y para decir algo de lo que desconozco prefiero callar, pero se supone que sus prestaciones técnicas debían ser de categoría cuando Jerry se vinculó a ellas de forma tan clara. La verdad es que el sonido y timbre claro de Jerry se vio reforzado con estas Alembic.
Estas creaciones de Doug Irwin, pese a no ser muy clásicas (y yo lo soy en este tema) me parecen en el fondo bastante originales e interesantes: El cuidado de las maderas utilizadas para su fabricación, su barnizado, los dibujos y esmaltes... Todo de una calidad y nivel acorde al artista.
Las siguientes guitarras recibieron nombres como Rosebud, Wolf, Wolf Jr y Eagle, la de aquí abajo.

Como no podía ser de otra forma en este blog de guitarras, guitarristas (de música al fin y al cabo) ahí os dejamos con esa maravilla en directo de "Morning Dew", una canción perteneciente e incluída al primer disco de Grateful Dead en 1967, que escuché por primera vez una tormentosa tarde de primavera, y que tan gratos recuerdos me trae a la mente y al corazón:
Saludos a todos.

23/3/10

Albert King:

Hace tiempo que no pasábamos por aquí, así que vamos a continuar a lo grande, con algo especial...
Y es que la figura central de hoy es mi guitarrista favorito de todos los tiempos...

Si en anteriores microespacios hemos hablado del interés y del acercamiento de jóvenes músicos blancos del Rock de los 60 (Erick, Keith,...) al mundo del Blues, nuestro protagonista de hoy Albert King, representa el camino y movimiento contrario: el de los veteranos músicos negros de Blues que favorecieron, vieron con buenos ojos y forzaron el contacto de los dos mundos, rompiendo así unas fronteras (no sólo hablo de las musicales) consideradas insalvables hasta entonces.

A una edad tardía, 33 años, y con la intención de convertirse en guitarrista y músico profesional, abandonó su trabajo como conductor de camiones y bulldozers. Una sabia decisión, pues poco tiempo después conseguiría el reconocimiento que se merecía por parte de los seguidores de la buena música, de los críticos y de los jóvenes músicos que veían en él un claro referente.
Albert King logró desarrollar un sonido penetrante, profundísimo, que llegaba a lo más hondo del corazón y que marcaría a la generación psicodélica. Se gustaba de hacer creativos y largos solos, pero seguía representando el estilo tradicional: pocas notas siempre bien puestas, con alma y después de cada fraseo con la guitarra, a cantar o soltar unas palabritas de ánimo al público...

De esta forma, guitarristas como Stevie Ray Vaughan y grupos como Canned Heat pudieron encontrar en el gigante zurdo Albert King y en Lucy, su amada Gibson Flying V tocada y acaricida siempre sin púa, el sonido y el ejemplo a seguir. Un ejemplo de ello, es este "The Hunter":


Nos despedimos de este GG Especial Albert King con "You´re Gonna Need Me", tema que cerraba por todo lo alto el álbum recopilatorio King Of The Blues Guitar y en el que acompañado de Booker T And The MG´s y los Memphis Horns, se aprecia la energía y sentimiento que este enorme hombre, Albert, desplegaba en el escenario.

El grito de satisfacción final es impagable:


Pero como se nos hace poco, vamos allá con un extra. Unas apariciones de Albert en directo, interpretando "Pretty Woman" y "I´ll Play The Blues For You":


1/3/10

Django Reinhardt

Este mes de marzo lo vamos a abrir con Jean Baptiste Reinhardt, más conocido por todos nosotros como Django Reinhardt. Un fenomenal guitarrista nacido en 1910 dentro del seno de una familia nómada de origen gitano y belga (aunque asociado plenamente a Francia) que está hoy aquí en Grandes Guitarristas por tener el mérito de ser uno de los responsables de impulsar al Jazz europeo a unas cotas antes inimaginables y de situarlo en el mapa musical.

Djando fue un artista autodidacta, incapaz de entender las partituras y un juerguista empedernido; pero también un músico extraordinario, pleno de dinamismo, imaginación, alegría, y con un swing imparable pese a haber perdido, a la edad de 18 años, gran parte de la movilidad en los dedos meñique y anular de su mano izquierda debido a un incendio que se produjo en su caravana familiar.

Aunque es conocido por su estrecha e íntima vinculación con la guitarra, hay que decir empezó su relación con el mundo del arte musical practicando con su familia otros instrumentos como el violín y el banjo durante su infancia...


Como hemos dicho, tras su terrible accidente su pierna derecha quedó paralizada y su mano izquierda quedó maltrecha. Pero Django mostró una energía vital increíble, siendo su vida en estos delicados momentos un ejemplo de superación para todos nosotros: Los médicos que le atendieron creyeron que era necesaria una operación quirúrgica para la amputación de su pierna con el fin de evitar posibles complicaciones, pero Reinhardt se negó en rotundo e inició un durísimo y largo período de rehabilitación, cercano a los dos años, del que se sobrepuso. A esto se añadió el problema de la mano (recordemos que quedó con los tendones y articulaciones de varios dedos seriamente dañados), así que un enorme Django se dejó de penas y utilizó el tiempo de su rehabilitación para adquirir y desarrollar una técnica personal con la que poder trastear, con dos dedos, su instrumento favorito. Y a Fe mía que lo consiguió.
Los dos dedos sanos los empleó para los momentos de los solos en los que la rapidez era algo esencial y los dañados, parcialmente agarrotados, los utilizó para la realización de acordes.
Increíble. Salió del período de convalecencia tocando la guitarra mejor que cuando entró. Increíble, en serio.

En el año 1934 creó con su hermano Joseph el grupo Quintette du Hot Club de France, integrado por Roger Chaput y su hermano Joseph a las dos guitarras rítmicas, el contrabajista Louis Vola, Django como solista y por la otra estrella del grupo, el violinista parisino Stephane Grappelly, con los que inició un fecundo período de actuaciones y grabaciones.

De unas sesiones realizadas el 31 de enero del año 38 pertenece este tema: "Honeysuckle Rose":

Según se cuenta, a Reinhardt le sobrevino la Segunda Guerra Mundial y la ocupación de París en esa misma ciudad, pero a diferencia de otros ciudadanos de orígen gitano a Django no le ocurrió nada porque fue protegido o respetado como músico, sin que él lo supiera, por ciertos miembros de la jerarquía nazi que admiraban su obra.




Tras la Guerra, llegó a viajar a América y a colaborar brevemente y sin muchos documentos sonoros de aquellos contactos, con grandes nombres del Jazz americano como Dizzy Gillespie o Duke Ellington, dejando una marcada huella en seguidores de su estilo com Wes Montgomery y John McLauglin.Nos despedimos hasta la próxima con un vídeo, una perfecta muestra en movimiento de lo que eran capaces de hacer Django y sus chicos. Elegancia al poder:


12/2/10

Guitarras raras:

Breve Historia:
La primera con la que vamos a inaugurar esta sección es la Gibson Corvus, una guitarra que fue diseñada y producida por esta empresa durante los años ochenta junto a otros modelos como un inteno en esta década para renovar el interés y reactivar comercialmente a Gibson (qué malo tuvo que ser los ochenta para la música si una de las mejores fabricantes de guitarras tenía problemas). La producción fue muy limitada, dándose concretamente entre los años 82 y 84. Puesta en el mercado, recibió críticas por su diseño y unas paupérrimas ventas. Tras ello pasó por las tiendas sin pena ni gloria y se llegó a la decisión de suspender su producción.

Diseño:
En cuanto a su peculiar diseño, la forma de su cuerpo sólido hizo que fuera coloquilamente llamada como "can opener" o abrelatas. La verdad es que tampoco creo que fuera un diseño demasiado extraño (o tan innovador rupturista como para crear una especie de rechazo), teniendo en cuenta que esta marca ya tenía en las tiendas guitarras como la Flying V, Explorer o la Firebird, bastante llamativas y de las que ya hablaremos otro día.
Aquí abajo hay una Corvus junto a otros modelos Gibson y personalmente creo que presentaba una silueta y líneas interesantes, me gusta.

Características:
Sobre este apartado de la Corvus pues poco puedo decir: salvo que por lo que tengo entendido se llegaron a realizar 3 series (Corvus I-II-III) cada una con ciertos componentes distintos, presentando por ello lógicas variaciones en el precio y que no tenía nada que envidiar a otras guitarras Gibson en cuanto a las prestaciones y calidad de sonido.


Arriba un vídeo de un señor mostrando, explicando (bastante mejor que yo) y tocando su Corvus.

Para Finalizar:
Por cierto, debido a lo escaso de las tiradas originales, ahora son piezas de coleccionismo que se relacionan con el nuevo interés que deriva del revival ochentero, así que si alguno tiene una que la guarde, y si no le gusta pues que sepa que la acepto sin ningún problema.

1/2/10

Sabicas:

En el “GG” de hoy vamos a tratar una música que hasta ahora había pasado desapercibida en este blog, por lo que ya llegó la hora de salir fuera de nuestros habituales caminos y pasear por otras sendas, otras veredas...
Este día tenemos con nosotros al que es considerado por muchos el padre de la guitarra española moderna: Sabicas.

De nombre Agustín Castellón Campos, este pamplonés nacido en 1912 demostró su interés y habilidad con la guitarra ya desde bien crío. Con apenas 10 años, tuvo que marchar con su familia a Madrid, donde acabó de conformar un estilo propio que se caracterizaba por la velocidad y la limpieza cristalina de su toque. Un hombre de técnica envidiable que marcó un antes y un después en la guitarra flamenca, siendo seguido y admirado por gente tan importante como el reconocido Paco de Lucía.

El vídeo que hay aquí abajo se llama "Amanecer Árabe" o "Ensueño Árabe" (según las distintas ediciones y si no me he liado) y aparece en el disco del año 72 La Guitarra de Sabicas:



Sin lugar a dudas, entre los méritos de Sabicas de halla el haber sido el pionero del enorme reto (poneos en el contexto de la época para un pobre españolito) que supuso dar a conocer el flamenco fuera de las fronteras de nuestro país, hecho del que se sentía especialmente orgulloso. Así como ser uno de los iniciadores de la guitarra española como instrumento solista y partícipe de la irrupción y consolidación de la guitarra española-clásica dentro del mundo del concertismo.

Huyendo de la Guerra Civil se exilió y marchó a América del Sur, donde realizó varias giras y actuaciones para poder sobrevivir. Durante su periplo, recaló poco más tarde en Estados Unidos y se instaló en Nueva York, ciudad en la que mostró su saber hacer con la guitarra sorprendiendo y atrayendo a numerosos músicos, especialmente del mundo del Jazz, pues no había oído en su vida el sonido y sentimiento de una guitarra española.

En este período Sabicas entró en contacto con otros artistas como el guitarrista especializado en jazz y rock fusión Joe Beck, con el que en el año 66 registró el álbum Rock Encounter, que por su fecha podemos considerar la primera grabación seria de fusión flamenca con Rock de la Historia. Un estilo y manera de hacer que sería continuado posteriormente por los grupos del llamado Rock Andaluz. Es decir, todo un hito para nuestra música y otro mérito que atribuir y reconocer en el maestro.
De este sorprendente y poco conocido trabajo (para la gran mayoría) vamos a escuchar su cuarto corte, "Zambra":



La última aparición de Sabicas con su guitarra fue la colaboración con Enrique Morente en el álbum Nueva York - Granada, editado en 1990. Así pues, para acabar por hoy nos despedimos con una seguiriya incluída en este trabajo llamada "No Soy De Esta Tierra":



Con esto último ponemos punto final al Especial de Sabicas:

26/1/10

Alan Wilson:

En el "GG" de hoy tenemos el inmenso placer de presentar a Alan Wilson, miembro fundador del inigualable grupo de Blues-Rock de los 60 Canned Heat.

Pese a la excelente calidad de este artista, Alan Wilson (conocido entre los miembros de la banda y entre el público como Blind Owl o Búho Ciego debido a lo corto de su vista, al uso de gafas no muy bonitas y por lo feúcho que era, por qué no decirlo) no gozó del reconocimiento individual que desde aquí creemos se merece, aunque bien es cierto que su pérdida en 1970 fue llorada por gran parte de las figuras de la época (Stephen Stills le llegó a dedicar, junto al también fallecido Jimi Hendrix, el álbum Manassas).

Una razón del por qué Alan permaneció en un segundo plano puede ser el haber formado parte de una banda en la que la mayor parte de la atención recalaba en el vocalista, frontam y líder Bob Hite (conocido también como Bear o El Oso debido a su enooooorme tamaño corporal), restando a este gran músico la presencia que debería haber disfrutado.

Ahora vamos a escuchar Amphetamine Annie, tema compuesto por Hite, un hombre que se caracterizaba por una forma de ser y un estilo más enérgico y rápido, para el disco del 68 Boogie With Canned Heat:



Alan Wilson no llegó a registrar ningún disco como solista, pero sí se dedicó a producir y revitalizar la carrera de viejas glorias del Blues como fue el caso de Son House. Además, con Canned Heat nos dejó un gran legado: sus grandísimas cualidades como guitarrista, armonicista y compositor; y una personalidad sensible que venía acompañada de un estilo vocal apocado, frágil e inimitable que se complementaba a la perfección con la rotundidad de Hite, surgiendo de esta contraposición de caracteres unos álbumes estupendos.

Para despedirnos por hoy, vamos a escuchar un tema de sobrecogedora guitarra compuesto e interpretado por Alan para el disco del 69 Hallelujah, llamado Time Was:



Como Bonus tracks, vamos a hacer una excepción con tres tremendas piezas, tres. Sí, menos guitarreras pero igualmente efectivas y redondas: La primera es una canción titulada Mean Old World, original de Little Walter (si tuviera un blog dedicado a la armónica éste sería el primero en aparecer, sin duda) donde Alan sale al airoso y al paso con su voz y su armónica:



La segunda es Going Up The Country, una canción bastante hippiesca que le gustará a un buen amigo mío:



La tercera y final es On The Road Again... ¡¡¡A mí dame Boogie!!!


20/1/10

Pobre Boss:

"Cuando era joven había dos cosas impopulares en mi casa: una era yo y la otra era mi guitarra... Mi padre solía llamarla ´esa maldita guitarra´. Cada vez que golpeaba la puerta eso es todo lo que decía."

"Un día mis padres me dijeron ´Bruce, ha llegado el momento de tomarte la vida en serio. Tu manía con la guitarra está bien como afición, pero necesitas algo a lo que recurrir. Deberías ser abogado. Los abogados controlan el mundo´... Pero yo no creía eso, ni lo creo ahora...

Lo que yo quería era tocar la guitarra."

18/1/10

Chuck Berry:


Hoy tenemos con nosostros no a uno de los pioneros de cualquier género del rock (que está muy bien), si no a uno de los verdaderos pioneros del mismísimo Rock and Roll, Chuck Berry: un gigante que con ya bien entrados los 28 años, inició sus primeras y seminales grabaciones para la legendaria Chess Records.

Este hombre nacido en Saint Louis-Missouri, ha destacado en las tareas de intérprete, guitarrista y compositor de inolvidables y atemporales singles como el que va a sonar ahora: School Day (Ring Ring Goes The Bell), tema procedente de su primer álbum After School Session editado en mayo del 57.



Su música era una síntesis de Country y Blues a la que se sumaba la velocidad, la concisión en los riffs y sobretodo ritmo, mucho ritmo.
Según el propio Chuck Berry, el secreto de su exitoso sonido radicaba en "el Boogie y las melodías simples", nada más y nada menos, influyendo en figuras posteriores como Keith Richards y Angus Young (a parte de la mera influencia estética del "andar de pato", es evidente que la música de Chuck marcó profundamente al guitarrista de ACDC).

El exito que obtuvo Chuck llegó a tal nivel, que a partir de los 70 empezó a salir de giras sin una banda de acompañamiento fija debido a que nuestro protagonista sabía que allá donde fuera, siempre habría un grupo que conociera a la memoria todo su repertorio. Como curiosidad, con este personal sistema de trabajo, el maestro se subía siempre al escenario acompañado de su preciosa Gibson ES-335 para actuar apoyado por la banda local, siendo una de ellas la del por aquél entonces jóven y desconocido Bruce Springsteen.

Además, al no tener así que mantener a una banda fija, con este procedimiento se ahorraba unas cuantas perras que iban directamente a su bolsillo... ¡No sabía nada el viejo Chuck!

Nos despedimos ya con uno de los himnos clásicos de este artistazo, Maybellene:

11/1/10

Fender Telecaster:

Orígen de la Fender Telecaster
En 1950, el luthier e inventor norteamericano de orígen griego Leonidas Fender creó el diseño de la primera guitarra eléctrica de cuerpo macizo que posteriormente se convertiría en la Telecaster. Se dice que en un principio se iba llamar Broadcaster en honor a las emisoras de radio, (por entonces el mayor medio de difusión de la música). Pero al final. por problemas de patente con Gretsch, que ya tenía un procucto con un nombre similar, en 1952 el nombre fue modificado por el de Telecaster (ahora en honor a la cada vez más popular televisión).

Diseño de la Telecaster
Partiendo de la base de la sencillez como emblema, el cuerpo macizo de la Telecaster se suele construir en fresno, y entre otros aspectos, el mástil (de arce o palorrosa) en lugar de ir encolado tal y como se hacía tradicionalmente hasta entonces, fue atornillado al cuerpo de la guitarra. La intención inicial de este diseño era crear una guitarra de producción relativamente barata, ensamblaje más sencillo y facilitar el trabajo a la hora de realizar mejoras o reparaciones.
Esta guitarra se caracteriza por un efectivo pero simplísimo diseño.

Esta ruptura con la tradición clásica del luthier, que considera al instrumento también como obra de arte y por ello valorando y buscando aspectos como la belleza y los detalles externos, le valió a la Telecaster unas cuantas críticas por lo descuidado de su apartado estético.

La verdad es que no es de mis guitarras favoritas en cuanto al aspecto artístico y externo, aunque otra cosa bien distinta ocurre con...

...El sonido de la Telecaster
La sonoridad que se obtiene de sus dos pastillas de bobinado simple que aparecen en la inmensa mayoría de sus modelos, en lugar de las de bobinado doble o humbuckers que aparecieron posteriormente en otras guitarras, como en las Gibson, se considera especialmente adecuado para la guitarra rítmica, y aunque se utiliza para cualquier estilo musical, es cierto que es la guitarra eléctrica por excelencia para la música Country.

El diseño y el material de esta guitarra también presta ciertas cualidades únicas en el timbre, que es agudo, con muy buena definición en los acordes, y muy percusivo, algo de lo que se beneficiaron, como ya hemos dicho, muchos guitarristas de Country y pioneros del Rock and Roll.

Entre los grandes guitarristas que han popularizado la Fender Telecaster destacan músicazos de la talla de Roy Buchanan, James Burton (responsable de dar a conocer la técnica Chicken Picking), Albert "Ice Man" Collins (conocido también en el mundo del Blues como el "Amo de la Telecaster"), Keith Richards y más tarde Bruce Springsteen, con su sempiterna Telecaster amarilla y negra.

Eso es todo por hoy, ahora a planear que nueva guitarra y guitarrista será nuestro siguiente protagonista... ¡Nos vemos!